FoxyLounge

The Last Wave, de Peter Weir (1977)

Yann — 2016-04-16T06:33:03Z

Comme dans beaucoup d'autres domaines culturels, on trouve dans le cinéma australien, qui n'est apparu en tant que tel que dans les années 70, des pépites lorgnant pesamment du côté de Hollywood mais qu'un côté "couleur locale" pare d'une étrangeté tout à fait bienvenue...

A voir la filmographie de Peter Weir, on se rend vite compte que ce dernier a tenté, avec plus ou moins de succès, de combiner une oeuvre d'auteur à la réalisation de blockbusters qui rapportent des sous, entre le flan hyper consensuel (Green card (1990), Le cercle des poètes disparus (1989)) et le film grand public pouvant s'accommoder de regards un peu exigeants (The Truman Show (1998), qui doit quand même beaucoup à la présence dans le rôle principal de Jim Carrey et au scénario d'Andrew Niccol, réalisateur du plutôt bon Bienvenue à Gattaca (1997) (c'est un avis personnel).

Appartenant à la période la plus "auteuriste" de Weir (les débuts, en gros les années 70), La dernière vague raconte la crise mystico-existentielle d'un avocat de Sydney, David Burton, interprété par un Richard Chamberlain (mais si, vous savez : le prêtre de Les oiseaux se cachent pour mourir !) qui a tout à fait la tête de l'emploi, amené à défendre des aborigènes sur ce qui s'avère être un crime tribal (le meurtre d'un des leurs). Désarmé face aux lois séculaires d'un peuple spolié de ses terres, le blambec va, en gros, de scènes oniriques en mystérieux phénomènes météorologiques en passant par des apparitions mystiques, se lancer dans la quête du "sauvage" qui est en lui, et entrer en empathie avec un peuple auquel il avait été jusqu'alors indifférent.

Sur ce scénario-prétexte, Weir brode des images au fantastique plutôt séduisant : à retenir la scène d'ouragan en ouverture, une autre où notre héros pris dans un embouteillage se trouve au détour d'une petite sieste dans un environnement totalement immergé.

Un film aux intentions maladroites donc, qui par les bienfaits d'une image très maîtrise en devient un objet attachant. A voir.

Under The Skin

Yann — 2015-06-15T07:23:03Z

Je pense pouvoir raisonnablement dire que dans le cinéma d'auteur, en France en particulier, les prouesses techniques sont plutôt malvenues. Le génie de Jonathan Glazer est de réussir à convoquer des moyens inhabituels dans un film très personnel et d'une grande sensibilité sans jamais être dans la démonstration.

Par quelques images suggestives dans la séquence d'ouverture, il nous indique déjà que nous sommes dans la science-fiction, dans un sens qui, on s'en aperçoit très vite, n'est pas du tout limitatif. En effet, après cette séquence nous sommes plongé dans un univers cinématographique qui n'est pas sans faire songer à la tradition du réalisme social à l'anglaise. Alors qu'on voit le personnage de l'extraterrestre se faisant passer pour une terrienne interprété par Scarlett Johansson au volant d'une camionnette, en tenue un peu aguichante, parcourir l'Ecosse, le réalisateur a eu l'excellente idée de filmer des scènes de rue en caméra cachée : la rencontre de ce réalisme contemporain saisissant (voir également la séquence de la boîte de nuit) et de l'imaginaire science fictionnel donne au film son étrange tonalité d'ensemble. Les séquences qui ponctuent le film où notre personnage d'extraterrestre piège ses proies dans une ambiance onirique viennent elles aussi se poser en très fort contraste avec l'environnement des villes moyennes écossaises dans ce qu'elles ont de plus banal, de plus générique. On peut également saisir un contraste entre deux deux grandes parties assez distinctes du film, la première se déroulant dans un univers urbain, donc, et la seconde, alors que notre personnage semble vivre une sorte de "prise de conscience d'elle-même" (comme si elle devenait humaine ou qu'elle en avait la tentation).

Il me semble que l'ensemble du film peut être reçu comme une grande métaphore. Il a en tout cas le caractère imprécis, en suspend des images poétiques. On ne connaîtra pas les enjeux de cette étrange expérimentation à laquelle se livrent des extraterrestres dans un film dans l'ensemble très peu bavard (c'est à la fois reposant et angoissant), mais il me semble que ce qui résume le parcours du personnage principal, une jeune femme qui teste son pouvoir de séduction sur des hommes avant de les faire disparaître, est une chose très humaine, terrestre, qui peut parler à un nombre non négligeable d'hommes. Peut-être faudrait-il aller chercher du côté de la biographie sentimentale de Jonathan Glazer, mais serait-ce très utile ?

A noter également l'accompagnement musical impeccable de Mica Levi, à qui je consacrerais un autre post.

FRANCE

Yann — 2014-11-06T10:21:54Z

Quand on parle musique folklorique en France, ça sent tout de suite un peu le moisi... En dehors des fest-noz bretons et autre festivals "tradis" qui laissent des cultures locales telles que cryogénisées dans le passé, point de salut. Les membres du collectif La Nòvia, qui rassemble des musiciens, artistes visuels et sonores, ne l'entendent pas de cette oreille...

Les membres du collectif dont France est un peu le groupe phare (mais qui demeure à géométrie variable) partent d'un constat simple : alors qu'en Afrique, en Amérique Latine, en Inde, en Asie, des musiciens d'avant-garde revisitent la tradition dans une veine expérimentale (je vous renvoie à l'excellent catalogue du label Syrphe), mêlant aux sonorités issues d'un lointain passé des sons électroniques, pourquoi pas en France ?

Venus de régions françaises où le folklore est encore très vivant, les membres du collectif entretiennent un rapport décomplexé avec la tradition, ce mot qui fait peur, et regardent du côté de Terry Riley, Tony Conrad et autres sources insoupçonnables pour redonner du souffle à la vielle à roue, au béchonnet (une sorte de cornemuse, semble-t-il), au violon, au banjo, et j'en passe de plus exotiques. C'est sûr : c'est un peu plus excitant que Bézu, Les Musclés ou Patrick Sébastien. Vu le nombre de concerts enchaînés depuis 2004, et si d'autres jeunes gens en France se sentent inspirés, Paris va très très vite devenir très très ringard...

Une démo de vielle motorisée et une interview de Yann Gourdon :

Un fort beau morceau accompagné de bien belles images :

Voir en ligne : Le site du collectif La Novia

Lonnie Holley

Yann — 2014-10-30T20:48:39Z

De Lonnie Holley on pourrait dire comme dans la presse spécialisée qu'il est un "artiste pluridisciplinaire". Mais pour ce bricoleur et musicien, les choses ne se posent certainement pas en ces termes. C'est sans même savoir ce que signifiait le mot "art" que l'homme issue d'une famille de 27 (!) enfants a commencé, à partir de 1979, à construire un monde de formes et de sons. Appelez ça "art" ou même "art contemporain" si vous voulez.

Cette première partie, consacrée à la partie plastique de l'oeuvre de Lonnie, s'appuie largement sur la notice Wikipedia en anglais qui lui est consacrée.

C'est pour une occasion bien particulière, pas très rigolote, que l'homme sculpte ses premières oeuvres : des pierres tombales pour les deux jeunes enfants de sa soeur, morts dans un incendie. Alors qu'un pompier venu éteindre un feu chez lui (décidément, Lonnie et les incendies, c'est une longue histoire : est-ce là un hasard ?) lui demande en voyant les tombes "qui est l'artiste ?", Lonnie prend conscience que lui, l'homme vivant de petits boulots dans l'Alabama, est un artiste. Encouragé dans sa démarche, il va sculpter, assembler, transformer des objets de récupération, faisant de son lieu de vie un environnement, à la manière du Merzbau de Kurt Scwitters ou du Palais Idéal du Facteur Cheval.

En 1981, il va au Birmingham Museum of Art avec des sculptures en grès sous le bras : le directeur Richard Murray les expose immédiatement. Il faut dire ici qu'il y a aux Etats-Unis une véritable tradition de reconnaissance, de conservation et de mise en valeur des "outsider artists", l'équivalent de nos "artistes bruts", qui n'a pas vraiment d'équivalent en France. Henry Darger occupe par exemple une place de choix au American Folk Art Museum à New York. Il intégrera d'autres collections par la suite et sera régulièrement exposé, jusqu'à la rétrospective qui lui est consacrée au Birmingham Museum of Art en 2003, rendant compte de 25 ans d'activité. Les ateliers qu'il anime pour des enfants sont toujours pour lui un moment privilégié.

En 2010 et 2011, c'est une autre facette de son talent qui se révèle avec l'enregistrement d'un disque, Just Before Music (un titre révélateur d'un fantasme de retour à un état d'avant les origines), suivi en 2013 par Keeping a Record of it. Est-il utile de préciser que c'est de toute beauté ?

Just Before Music by Lonnie Holley

Keeping a Record of It by Lonnie Holley

– Le site personnel de Lonnie Holley
– Un très beau diaporama d'Elijah Gowin

William T. Vollmann

Yann — 2014-03-11T14:13:19Z

Le journaliste, essayiste et surtout romancier William T. Wollmann ne s'est jamais contenté d'observer les vrais problèmes de loin. Loin de se payer de mots, l'homme au physique franchement ingrat, qui ne se cache pas de fréquenter des prostituées, a très tôt pris son appareil photo et son enregistreur à bandes pour couvrir les grands conflits de la planète avec une obsession : comprendre, et un seul ennemi : les idées reçues.

A 22 ans, William T. Vollmann, originaire de Los Angeles et spécialiste de littérature comparée, fait divers petits boulots pour financer un voyage en Afghanistan, où il se confronte à la guerre, à la misère, interviewe les mujahidins, tous les participants au conflit, sans jugement a priori. Nous sommes en 1982. Dix ans plus tard paraît An Afghanistan Picture Show, or, How I Saved the World, un titre caractéristique du côté un brin cynique que se donne Vollmann : probablement une manière pour un grand sensible de ne pas tomber dans le pathos et de se protéger. Il renouvellera ce genre d'expérience au Cambodge, au Kosovo, en Somalie, en Irak et récemment à Fukushima, toujours attentif à tous les sons de cloche et en évitant les conclusions hâtives.

S'il écrit par la suite pour des journaux plutôt grand public (Esquire, Harper's Magazine, The New Yorker et même Playboy), il le fait sans complaisance. Et c'est son activité de romancier, basé sur des enquêtes conséquentes (une forme de "tradition américaine" allant de Truman Capote à Don DeLillo) qui l'occupe en priorité, dans une veine sociale steinbeckienne sans misérabilisme (Des putes pour Gloria, 2000) ou historique (Central Europe, 2005).

Fort de son expérience et volontiers provocateur (mais pas gratuitement), Vollmann n'hésite pas à se faire l'avocat du Diable : après le massacre de Columbine, en plein débat sur la vente libre des armes, il rappelle qu'à certains endroits de la planète, posséder des armes et être en mesure de se défendre est, pour les populations civiles, une question de survie.

Et nous ne sommes pas à une surprise près avec Vollmann : pratiquant la photographie à ses heures perdues (notamment des portraits de prostituées de Los Angeles tirés au platine), c'est par ce médium que Vollmann a révélé un aspect inattendu de sa personalité : le goût pour le travestissement.

Voir en ligne : William T. Vollmann sur Wikipédia

La taxidermie peu orthodoxe de Dr. Seuss

Yann — 2014-02-26T03:07:50Z

C'est une évidence : les animaux empaillés sont, avec les crânes et les phrases écrites au néon, un marronnier de l'art actuel. Ils étaient aussi très présents dans l'art des surréalistes. Dr. Seuss, plutôt connu comme illustrateur, a, lui aussi, conçu sa petite galerie taxidermique, un aspect méconnu de son oeuvre foisonnante. Mais plutôt que d'exposer de véritables animaux empaillés, le Dr. Seuss nous emmène dans une ménagerie imaginaire...

C'est par son ouvrage The Cat in the Hat que Theodor Seuss Geisel a, à partir des années 30, fasciné des générations de jeunes américains, et son personnage de chat au grand chapeau est passé au rang d'icône. Le site officiel des ayant droits fournit une biographie de l'auteur qui semble assez complète.

Outre ses travaux d'illustration, Geisel avait une production personnelle secrète, demeurée inédite jusqu'à sa mort. Il a entre autres choses dessiné des animaux imaginaires naturalisés, qui dans ses archives sont au nombre de 8, dont trois ont été proposés à la vente par l'artiste lui-même, un projet titré "The School of Unorthodox Taxidermy". Il semble que Dr. Seuss Entreprises, qui est la propriété du Chase Group, fasse ses choux gras de cet héritage : entre moulages en résine peinte à partir des plâtres originaux, moulages élaborés à partir des dessins de Geisel, et animaux imaginaires "à la manière de", il est difficile de faire la part des choses. En tout cas, ce petit commerce à l'air de ne pas trop mal marcher...

Voir en ligne : Le site officiel de Dr. Seuss Entreprises

Tiny Tim (1932-1996)

Yann — 2013-10-08T15:29:57Z

Très sincèrement, lorsque j'ai vu pour la première fois la vidéo de ce gugusse reprenant "Earth Angel" d'Elvis Presley à la télévision, postée sur FB par Yves Trémorin qui est apparemment très fan, j'ai envisagé qu'il pouvait s'agir d'un fake parodiant le style seventies, genre Austin Powers. J'ai vu d'autres vidéos, j'ai lu des bios : ce mec à bel et bien existé.

Né en 1932 à Manhattan dans une famille plutôt modeste, Herbert Buckingham Khauri se passionne très jeune pour la chanson américaine des années 1890-1930, et découvre la largeur de son spectre vocal au fil des années en fredonnant ses airs favoris. Il excelle en particulier dans le falsetto ("fausset"), un registre aigu. C'est dans le club lesbien du Greenwich Village "The Page 3" qu'il commencera sa carrière. Et de succès en succès, il finit par gagner Las Vegas où il devient très riche. La suite est plus compliquée : je vous renvoie dans un premier temps à la page Wikipédia francophone consacrée à l'artiste...

Face aux prestations de Tiny Tim, on se pose nécessairement une question : est-ce qu'il cherchait délibérément à faire rire, ou était-il simplement comme ça ? A ce titre, on peut le comparer à Andy Kaufman : alors que ce dernier était atteint du syndrome d'Asperger (une forme d'autisme : pour en avoir rencontré un, je peux vous dire que ce sont des personnages tout à fait troublants : "normaux" en apparence, ils peuvent subitement avoir des réactions très naïves, ne pas comprendre une formulation simple etc.), Tiny Tim souffrait d'OCD (obsessive-compulsive disorder, "trouble obsessionnel compulsif"), se douchant jusqu'à 5 fois par jours. Les personnes atteintes de ce genre de troubles ou de schizophrénie hébéphrénique sont nombreuses dans le monde de l'art et du spectacle, vers lequel elles se tournent instinctivement car leur "anormalité" y est moins visible et mieux tolérée, et parce qu'ils bénéficient souvent d'un don (comme le génie musical Brian Wilson, également autiste d'Asperger). Voilà, quelques vidéos, vous en trouverez beaucoup d'autres sur le tube de toi.

Voir en ligne : Un site en la mémoire de Tiny Tim

Seasick Steve

Yann — 2013-10-06T20:46:08Z

Il y a des musiciens qui veulent faire de la musique un business et font des plans de carrière, qui font des tournées internationales, et qui au bout du compte n'ont rien vu, ne connaissent rien du monde. D'autres, comme Seasick Steve, font une chose très simple, qui paraît pourtant tellement évidente : ils vivent leur vie.

C'est en Norvège que Steve Gene Wold, né en 1941 à Oackland, se voit attribuer le surnom de Seasick Steve, à cause d'un mal de mer chronique. Un mal de mer que ce fils de pianiste de boogie-woogie n'a pas empêché de faire de nombreux voyages en Europe dès les années 60. Dès l'âge de 8 ans, le bluesman K.C. Douglas lui apprend les bases de la guitare. Il en joue à sa façon, sur tout un tas de guitares customisées, de cigar box guitars, sans se soucier de savoir s'il s'agit ou non de "blues". Il quitte le foyer à 13 ans pour échapper à un beau-père qui abuse de lui, et mène une vie de hobo, voyageant clandestinement dans les trains de marchandises de fermes en fermes, vivant de travaux saisonniers, alternant avec des périodes d'inactivité. Il déclarera plus tard : "les hobos sont des gens qui voyagent pour trouver du travail, les tramps sont des gens qui voyagent mais ne travaillent pas, et les bums ne bougent pas et ne travaillent pas. J'ai vécu de ces trois manières". A partir des années 60, il tourne avec des amis bluesmen, rencontre Janis Joplin avec qui il entretiendra une liaison, Joni Mitchell. Ca n'est qu'à la fin des années 80 qu'il est reconnu : Kurt Cobain et les jeunots de la scène grunge s'entichent du vieux barbu tatoué. Il peut alors mettre ses compétences d'ingénieur du son autodidacte à profit, notamment pour le premier album de Modest Mouse, This Is a Long Drive for Someone with Nothing to Think About (1996). L'appel du large est cependant toujours présent, et il chante notamment dans le métro parisien. Il part vivre en Norvège au début des années 2000, et enregistre son premier véritable album avec le groupe The Level Devils, puis l'album solo Dog House Music en 2006. Il est devenu la coqueluche des médias pour "hipters" ("combien faut-il de hipsters pour changer une ampoule ? Laisse tomber, c'est un chiffre vraiment pas connu...") qui le sollicitent de toutes parts, la chaîne BBC 4 lui consacre un documentaire, Seasick Steve : Bringing It All Back Home. Aujourd'hui, père de trois fils qu'il a eu au début des années 80 avec sa seconde femme Elizabeth, il partage sa vie entre la Norvège et l'Angleterre, et se produit dans le monde entier, privilégiant toujours le live. Une vie réussie, en somme.

Voir en ligne : Le site de Seasick Steve

Michael Shindler, photographe

Yann — 2013-08-21T20:28:22Z

Ce post intéressera surtout les geeks de la photo argentique comme moi, mais pas que… Attention : vous qui avez tâté de la prise de vue, du développement et du tirage, qui avez passé des heures dans votre labo, vous allez verser la larmichette…

Vous l'avez sans doute constaté, la photographie argentique revient en force. Sans doute lassés des manipulations grossières sous Photoshop, les vétérans du sel d'argent ressortent boîtiers et objectifs du placard et de nouveaux adeptes rejoignent la secte. Après avoir été au creux de la vague et malgré quelques licenciements, la mythique marque Ilford voit les ventes de ses produits et papiers remonter en flèche. La marque top qualité italienne Ferrania relance la production d'un film 35 mm couleur lui aussi mythique : Solaris (N.b. : l'usage courant du mot "pellicule" est impropre. On parle de pellicule au cinéma, et de "film" en photo).

Alors que je glandais sur Facebook, un post de la page "Camera is not dead" m'a intrigué : un gars à lunettes et chemise à carreaux derrière une grosse chambre, un certain Michael Shindler. Inconnu au bataillon. Je clique sur le lien, je tombe sur une interview et surtout des images. Il ne vaut mieux pas que je vois ses tirages IRL, je risquerais de faire une attaque. Après quelques boulots alimentaires de photojournaliste, photo commerciale, Shindler monte à San Francisco son studio spécialisé dans le portrait grand format au ferrotype, un procédé datant du dix-neuvième siècle, sur plaque métallique, utilisant comme émulsion sensible le collodion. Et là, attention les yeux : finesse de grain hallucinante, maîtrise de la profondeur de champ au millimètre près. Mais nous ne sommes pas que dans la démonstration technique : Shindler sait sublimer des modèles aux expressions subtiles, pas du tout stéréotypées, par une parfaite maîtrise de la lumière, et sait attendre le bon moment pour déclencher. Un ton légèrement sépia donne aux images un aspects suranné, tout en semblant résolument présentes, entre autres de par leur format.

Je préfère vous renvoyer à son site plutôt que de joindre des images.

Voir en ligne : Le site de Michael Shindler

Vaughn Bodé (1941-1975)

Yann — 2013-07-30T17:08:33Z

C'est sans doute une enfance difficile qui vaudra à Vaughn Bodé, pionnier du comics underground new-yorkais, des troubles psychiatriques (qu'il exprime dans son album Schizophrenia). Moins connu qu'un Gilbert Shelton ou un Robert Crumb, ce dessinateur est passé dans le ciel de la bédé tel une comète. Il mourra jeune par-là où il a péché : sa libido insatiable l'amenait à se définir comme « auto-sexuel, hétérosexuel, homosexuel, maso-sexuel, sado-sexuel, trans-sexuel, uni-sexuel et omni-sexuel » (selon la fiche Wikipédia, qui ne cite pas de source de première main), et son décès est certainement dû à une séance sado-maso un peu trop poussée.

Le style singulier, tout en rondeurs (des rondeurs qui s'expriment pleinement dans ses dessins de petites nénettes à poil pas farouches, pour notre plus grand plaisir, notamment dans sa série Erotica) de Bodé a très vite tapé dans l'oeil des graffeurs, dont beaucoup lui ont rendu hommage, en adoptant son style graphique, reproduisant parfois ses dessins sur les murs. Une modeste sélection d'images, vous en trouverez moult sur la toile.

– Site en hommage à Vaughn Bodé par le graffeur Zephyr