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Dungeon Synth, the Dark Paths

DrNoze — 2017-05-19T11:38:13Z

Une sélection d'albums, un mix et un focus autour de cette bien sinistre scène qui serpente quelque part entre noise, ambient, black metal, musique de jeux vidéo et folklores médiévaux.

Musique de film sans film, bandes originales pour dépression chronique, lectures lovecraftiennes ou séances nocturnes de Jeux de rôle sur table, la Dungeon Synth est une musique, souvent bricolée avec des bouts de ficelles, et qui hésite entre grâce minimaliste, soif d'expérimentations et jeux de références à la frontière du mauvais goût.

Mix : Jocelyn Anglemort

Genre musical à la croisée des chemins, la dungeon synth est perdue sur une terre aride, quelque part entre la musique de film, tendance heroic fantasy (Conan), et l'ambient la plus sombre. Ce sous-genre du black metal, dont les inspirations se veulent également visuelles et littéraires, est en effet tiraillé dans plusieurs directions. Si le black metal en a été le terreau, l'ambient, l'IDM, la noise expérimentale, la musique de film et de jeu vidéo, le classique et la folk médiévale en sont les points cardinaux.

À tel point que la Dungeon Synth a à son tour elle-même généré de nombreux sous-genres. "Dark Ambient" pour les morceaux pionniers, très liés au metal, "Winter Synth" pour les ambiances glaciales et synthétiques, "Dungeon Noise" pour les projets les plus bruitistes et expérimentaux, "Idyllic Synth" pour ceux aux consonances pastorales, on en trouve bien d'autres. Malgré un genre très codifé on retrouve une certaine liberté d'expression dans la multiplicité de ces sous-genre, ainsi que dans les formats, certains morceaux pouvant durer plus d'une heure, quand d'autres feront moins d'une minute.

Le genre est né au début des années 1990, au départ sous l'éthiquette dark ambient, avec les side projects de certains musiciens issus de la scène black metal, comme Burzum et Mortiis. L'idée est alors d'étirer sur la longueur ces intros ou interludes aux accents cinématiques qui parsemaient les albums de l'époque, pour en faire de véritables projets. Sous-scène d'une sous-scène elle-même déjà très underground à l'époque, la dungeon synth est une véritable musique de niche, extrêmement souterraine.

Avec son esprit très « do it yourself », la dungeon synth glorifie l'amateurisme et ne se diffusera d'ailleurs, dans un premier temps, pratiquement que sur des cassettes audio. Il n'est pas rare alors, que celles-ci, enregistrées à la maison sur du matériel de fortune, soient simplement qualifiées de « demos » et que les morceaux se retrouvent sobrement intitulées "untitled".

À la suite des pionniers dans années 1990, une nouvelle vague de musiciens a repris le flambeau dans les années 2000, et plus particulièrement aux début des années 2010 grâce à l'avénement de la plate-forme de diffusion Bandcamp. Si cette nouvelle vague de dungeon synth se diffuse aujourd'hui principalement sous forme de fichiers numériques, le support cassette y est également toujours très présent. Plus qu'un gimmick, la basse fidélité est en effet souvent un élément constitutif de cette musique qui joue sur la nostalgie des temps anciens. Comble du fétichisme, certains musiciens vont jusqu'à préciser sur la page de présentation de l'album que les fichiers audio sont le « rip officiel » de la cassette.

Certains artistes semblent vouloir se délester de cet aspect low-fi, voire de la dimension sombre issue du black metal, pour s'aventurer vers des compositions plus bucoliques et/ou épiques, qui pourront prendre des allures de grands orchestres philharmoniques (comme le français Erang). Mais une autre, celle qui va nous intéresser ici, tente, elle, bien au contraire de retrouver les sonorités poussiéreuses et malades des années 1990 et de pousser plus avant l'aspect avant-gardiste et minimal de cette musique qui n'est jamais aussi bonne que quand elle arrive à allier au sein d'une même œuvre une dimension très expérimentale, parfois presque conceptuelle, et une autre, plus narrative, sensible et presque désuète.

Une sélection de neuf projets sortis ces dernières années, et qui, plutôt dans une veine sombre, low-fi et expérimentale, sortent du lot.

Ungl'Unl'Rrlh'Chchch ‎– Ungl'Unl'Rrlh'Chchch (2001)
Situé sur les bordures expérimentales du genre, cet unique et mystérieux projet réédité en 2014 (Probablement un side project de Trollmann av Ildtoppberg ) est une pièce de maître encensée par la communauté et qui présente un travail remarquable sur les textures sonores et de nombreuses variations de styles. Le titre « Ungl' Unl' Rrlh' Chchch » est une phrase tirée de la nouvelle L'étranger de H.P. Lovecraft et l'album pourrait, en effet, être la bande son parfaite de l'oeuvre lovecraftienne. Chaque morceau possède une véritable personnalité et un style qui lui est propre. De lentes mélopées vrombissantes et vides de mélodies qui tirent vers la drone et l'ambient, un piano dissonant qui improvise des mélodies inspirées de la musique contemporaine, des orgues saturés et des coeurs angoissants pour une célébration morbide, et, pour clôturer l'album une pure pièce de noise.
– Ungl'unl'rrlh'chchch sur Bandcamp

Ungl'unl'rrlh'chchch by Ungl'unl'rrlh'chchch

Old Tower - The Book of Ages (2015)
Le premier projet d'Old Tower, sorti en 2015, avec son minimalisme low-fi, sonne comme un retour aux sources. Un classicisme dark ambient qui tente de rester au plus proche de l'esprit des cassettes poussiéreuses circulant sous le manteau dans les années 1990. Présenté comme un seul morceau de 14 minutes et consistant en trois mouvements, il nous embarque dans un voyage intérieur vers des contrées mystérieuses. Depuis, Old Tower sort régulièrement de nouveaux albums tous recommandables.
– The Book Of Ages sur Bandcamp

The Book Of Ages by Old Tower

Abandoned Places - The Funereal Call (2016)
Dernier projet censé clôturer la série mystérieuse et très remarquée Abandoned Places, cet unique morceau monolithique de 77 mn est un bijou de cohésion minimaliste, un véritable monochrome noir dont la lumière ne s'échappe pas et au fond duquel le temps semble s'être arrêté. L'auteur prolifique de cette série de 8 albums serait également derrière de nombreux autres projets très intéressants dont Mystic Towers, Erdstall ou encore Turonian.
– The Funereal Call sur Bandcamp

The Funereal Call by Abandoned Places

Soy Fan Del Dark – SFDD (2016)
La musique de SFDD est ascétique. Chaque morceau se présente comme une miniature, une courte vignette présentant un élément de dungeon synth mis en boucle. Le résultat est rachitique, sombre et hypnotique. Les rythmiques sont sèches et les motifs répétitifs et monochromes. Avant ça Soy Fan Del dark avait déjà sorti un projet assez différent en collaboration avec Bilhazia, un artiste qui penche plutôt vers la tendance expérimentale de la beat scene (comme DTCPU ou Ras G). Soy Fan y lâchait cinq pistes saturées de guitares déjà très répétitives.
– SFDD sur Bandcamp

SFDD by Soy Fan Del Dark

Apothecarium – Demo II (2016)
Après une première courte demo parue en janvier 2016, Apothecarium revient quelques mois plus tard avec un nouvel opus au sein de la très bonne équipe de Moonworshipper Records. Apothecarium continue, avec Demo II, à débroussailler les mêmes sombres sous-bois qu'auparavant, mais en ayant bien pris soin d'aiguiser encore un peu plus ses outils. Ses orgues fatiguées, sentant la poussière et l'humus, aspirent à la lumière et nous jouent leurs mélodies imprégnées de nostalgie, mais sans toutefois être complètement dénuées d'espoir.
– Demo II sur Bandcamp

Demo II by Apothecarium

Ranseur – Obsidian Throne (2016)
La musique de Ranseur, tout comme ses pochettes (qu'il dessine lui-même), est très minimaliste et plutôt atypique dans la galaxie dungeon synth. Chaque morceau se compose de petites ritournelles qui gesticulent étrangement sur un lit de souffle noise. Si elles peuvent faire écho aux restes de musiques folkloriques médiévales que l'on retrouve souvent dans la dungeon synth, ces mélodies aux relents extra-terrestres nous rappellent également certaines oeuvres de Sun Ra et paraissent finalement plus provenir d'une autre dimension que de notre bon vieux Moyen-Âge (même passé à la moulinette de J. R. R. Tolkien).
– Obsidian Throne sur Bandcamp

Obsidian Throne by Ranseur

Foolish Fire – The Culture of Loss (2016)
Des corbeaux, du vent, un clocher et un orgue. The Culture of Loss est un projet plutôt mineur et atypique de ces dernières années. Malgré son amateurisme et sa simplicité, il tranche par un radicalisme formel et un minimalisme réjouissant. Les deux amples morceaux qui le composent sont constitués de longues plages d'ambiance survolées d'un unique orgue improvisant des litanies dépressive. Il nous transporte dans un univers sombre et désolé, peuplé de charniers et de potences. Grief as a Passion, la suite de The Culture of Loss vient de tout juste de sortir.
– The Culture of Loss sur Bandcamp

The Culture of Loss by Foolish Fire

Brutus Greenshield - Demo (2017)
La première demo de Brutus Greenshield est une cassette dans l'esprit des années 1990, avec son souffle, ses sombres orgues imprégnées de mystère et ses bruitages d'ambiance. Derrière des mélodies empreintes de nostalgie à la forte puissance évocatrice, on peut discerner le crépitement des feux de bois sous la canopée aux bruits des épées qui s'entrechoquent. Sur sa page Bandcamp, un tag « dungeon jazz » retient l'attention au milieu des éternels « dungeon synth », « dark ambient » et autres « dwarf synth ». On ne trouvera pas de swing, de solo de saxophone ou de contrebasse dans la demo de Brutus Greenshield, on reste bien dans du pur dungeon synth orthodoxe. Mais on y dénichera peut-être un certain sens de la composition et des arrangements plus poussés qu'à l'accoutumée.
– Demo sur Bandcamp

Demo by Brutus Greenshield

Einhorn – Demo I (2017)
Une des forces de la Dungeon Synth en tant que genre est de rendre accessible des styles musicaux qui peuvent frôler l'expérimental le plus hermétique, en y apportant une dimension narrative et sensuelle. La musique de Einhorn (side project de Tyrannus ) en est l'exemple parfait. Demo I, avec ses deux longs morceaux, arrive à ajouter à la noise la plus extrême, une sensibilité particulière et invite l'auditeur à parcourir les espaces sonores les plus fous tout en maintenant constamment un pied dans le réel, ou du moins dans cette réalité imaginaire, peuplée de licornes et de donjons démoniaques. On retrouve d'ailleurs également ce mélange des genres dans les références affirmées dans les titres des morceaux. Quand le premier, The Captive Unicorn, puise son inspiration dans une série de tapisseries de la renaissance, le second, Durlag's Tower, revisite, quant à lui, un épisode du jeu vidéo Baldur's Gate.
The Tyrant's Tower, qui contient la suite de Durlag's Tower est également à écouter.
– Demo I sur Bandcamp

Demo I by Einhorn

Liste des titres du mix :

Foolish Fire – I : Pilgrimage (Edit)
Old Tower – The Rise of the Specter Part I (Edit)
Spectral Kingdom – Spectral Kingdom (Edit)
Turonian – Skeletal Memory (Edit)
Brutus Greenshield – The Battle Made His Shield Red (Edit)
Blood Tower – Hidden in the Wallpaper (Edit)
Ungl'unl'rrlh'chchch – Azathoth (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled 1 (Edit)
Blood Tower – I Heard Terrible Noises Coming From the Attic (Edit)
YEARNER – Evenings (In Remembrance) (Edit)
Mystic Towers – Caverns of Crystal (Edit)
Cloak & Daggere – Fading Presence (Edit)
Apothecarium – Wet Feet of the Gatherer (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled (Edit)
Abandoned Places – Kalynthia (Edit)
Lost Chateau Of Montague – I (Edit)
Abandoned Places – The Funereal Call (Edit)
Voormithadreth – Ornava (Edit)
Roman Master – I Died Because I Was Weak (Edit)

Pour aller plus loin :
– Dungeon Synth Blog
– Dungeon Excavation
– Asmodian Coven

Morning Moments #68

Micusnule — 2015-12-20T16:13:57Z

Écouter l'épisode 68 de Morning Moments :

Liste des titres :

HARPY : internal organs
FREE KITTEN : one foty five
A.T.RHYTHM : darling
LOS LLAMARADA : i'm sorry
INFORMANT : i love to loose it
NUMBERS : we like having this thing
DEERHOOF : l'amour stories
THE SYSTEMATICS : mmmm
PSEUDO CODE : drunk
SWAMP : run thru the jungle
PRE FIX : ectomorphine
BOUND AND GAGGED : clutter
APOLOK : iron noised song
PLASTICS : good

une plongée dans ce que nous sommes la bouche ouverte le souffle court les mains de pierre
une paire de ski un téléphone tu ne me regarde plus comme avant

– Écouter cette sélection sur Morning Moments

Tonnerre Mécanique - EIXA LAG

DrNoze — 2015-09-10T15:25:03Z

La musique de Tonnerre Mécanique fait honneur au patronyme du trio marseillais. De tonnerre et de mécanique il est, en effet, bien question ici. L'album, sorti en vinyl en 2012 peut toujours se dégotter, avec sa pochette sérigraphiée par le Dernier Cri, sur le site de Boom Boom Rikordz.

Goutez cette vidéo réalisée (par nos soins) uniquement à partir de films de vacances à Marseille, trouvés sur Youtube et consorts.

– Vous pouvez écouter l'album complet par ici

Dareda : Eilian Buluesu

DrNoze — 2015-09-09T13:38:48Z

Nous avons posé quelques questions au duo de Dareda à l'occasion de la sortie de Eilian Buluesu, son premier projet.

Noise, rock, jazz ou electro, la musique improvisée du duo marseillais navigue entre les genres. Bouillonnante et tumultueuse (Gingayakuza), la musique de Dareda peut aussi se faire plus caressante et prendre des accents rétro (Aru Hito).

À l'occasion de la sortie de Eilian Buluesu, leur démo sur Bandcamp, nous leur avons posé quelques questions sur leurs influences et leur manière de travailler. Damien, le batteur épileptique, et Masahiko, le globe-trotter aux synthétiseurs, ont bien voulu nous répondre.

– Écouter et télécharger Eilian Buluesu.

Eilian Buluesu (Demo) by Dareda

Entretien

D'où vient le nom Dareda ?

– Masahiko (synthés) : C'est une interjection en japonais.

– Damien (batterie) : C'est le nom d'une ville en Tanzanie.

Quel est votre parcours à chacun ?

– D : J'ai monté quelques formations "post punk" à Caen et à Marseille, mon dernier groupe s'appelait Tonnerre Mécanique. Je joue aussi du jazz depuis quelques années.

– M : J'ai joué dans différents groupes jazz et rock au Japon tout en étant influencé par l'improvisation. J'ai ensuite vécu à Berlin où j'ai pu avoir une grande expérience de la musique improvisée.

Comment vous êtes vous rencontré ?

– M : Après m'être installé à Marseille, j'ai cherché à jouer avec un batteur punk-rock car il m'a semblé que ça correspondait bien à l'énergie qui émanait de Marseille, j'avais déjà le souhait de jouer en duo.

– D : Il faut dire qu'on se rencontre facilement dans le scène indépendante marseillaise car les lieux où l'on peut jouer sont très restreints. En fait on a d'abord joué ensemble dans la rue en interprétant des musiques traditionnelles du monde, Masahiko jouait de la clarinette basse et moi sur une caisse claire accrochée en bandoulière.

Quel a été l'intention de Dareda ?

– M : J'ai toujours la démarche d'exprimer musicalement le climat de l'endroit où j'habite...

– D : Je n'avais jamais eu une formation en duo ni joué avec un clavier, donc chercher à sonner comme un groupe sans utiliser de boucles ou de parties préenregistrées et en évitant la surenchère technique, c'était une perspective alléchante.

On sent plein d'influences différentes dans votre musique, du rock, du punk au hardcore, mais aussi du jazz tendance free, et même parfois des couleurs soul avec des sonorités genre Orgue Hammond.

– D : Oui c'est vraiment spontané, tous les deux on aime jouer sur différents registres. Bien sûr ce qui est important c'est la manière dont on daredaïse tout ça. (rires !)

– M : J'ai du respect pour tous les genres musicaux et j'aime la variété des sons de claviers, donc pour moi il est naturel de me servir de tout cela. Cependant à travers mes choix je suis aussi soucieux de l'histoire musicale qu'ils représentent.

Votre musique est en partie improvisée. Comment composez-vous ? Comment se passe une session d'enregistrement de Dareda ?

– M : Je dirais que toutes les idées viennent de l'improvisation ou de nos répétitions, après cela je cherche à garder ce feeling de l'improvisation à travers la composition.

– D : Il y a la volonté de composer un morceau en laissant une place de liberté dans l'interprétation.

Pouvez-vous me citer, chacun, vos 5 disques de chevets ?

– D : Allons-y ! Songs Of Leonard Cohen, Out to Lunch : Eric Dolphy, Come on Pilgrim : Pixies, Tago Mago : Can et Knnillssonn d'Harry Nilsson.

– M : Anthony Braxton : Charlie Parker Project 1993, Chalie Haden : Liberation Music Orchestra, Emerson Lake and Parmer : PICTURES AT AN EXHIBITION, Lindsay Cooper : Oh Moscow, Carl Craig's Innerzone Orchestra : Programmed.

Quels sont vos projets d'avenir pour Dareda ?

– D : Jouer ! Il est question d'une virée au Japon en début d'année prochaine.

– M : Dans le futur je souhaiterais chanter et faire chanter Damien (rires !)

On attends ça avec impatience ! Merci à vous deux.

Radian

Silvan — 2014-03-13T07:30:58Z

Puisque j'avais commencé par parler de percussioniste ici, je continue mes histoires autour de Martin Brandlmayr et d'un de ses projets les plus « rock » : Radian.

Trio fondé en 1996 à Vienne, Radian est aujourd'hui composé de Martin Brandlmayr (batterie, percussions et machines), John Norman à la basse et Martin Siewert à la guitare et aux effets (arrivé en 2011 suite au départ de Stefan Németh en 2011).

Leur page Wikipedia précise que leur musique touche à l'instrumental rock, au post-rock, au jazz, à l'electronica et à certaines structures de l'IDM (Intelligent Dance Music).
Ces appellations signifient qu'ils utilisent les instruments classiques du rock avec une batterie d'effets et d'outils de modification en temps réel, qu'ils s'écoutent comme des musiciens de jazz et qu'ils construisent leur musique de manière très précise. En définitive, ça les conduit à créer une musique à la fois sensible, fine, pleine de détails, brute, sale et brutale.

C'est bien gentil tout ça, mais ça ne nous donne rien à écouter ! Malheureusement, ils ont assez peu de productions à leur actif. Compte tenu de leur faible notoriété, je n'ai d'ailleurs pu écouter que leurs deux derniers albums Juxtaposition (2004) et Chimeric (2009) – sortis sous le label Thrill Jockey avant le départ de Stefan Németh. Ils sont tout bonnement excellents et je les recommande vivement.

En voici deux extraits :

"Rapid Eye Movement" extrait de Juxtaposition (2004) :

"Kinetakt" extrait de Chimeric (2009) :

Après ces écoutes, on pourrait être sceptique et se dire que c'est le genre de truc qui est un peu plat en concert (où il n'y a pas de post-prod, moins d'effets, etc.) Ok, détrompez-vous, en live c'est encore mieux.

Deux solutions pour en juger par soi-même :

– La première est de suivre ce lien, de regarder la liste située sous la vidéo et de cliquer sur « radian - Abstrakt-Rocker (EBU) » (je vous invite, d'ailleurs, à regarder la suite avec Mats Gustafsson qui est vraiment géniale). Désolé pour ce player, je n'ai pas trouvé de meilleur moyen d'incruster la vidéo.

– La seconde solution est de venir les voir directement au festival Sonic Protest le vendredi 4 avril, si vous êtes sur Paris à ce moment là, ou de se rendre sur leur site internet pour connaître leurs autres dates.

Pour finir sur un truc rigolo et surprenant, vous pouvez trouver ici une petite sonnerie de téléphone composée par Radian. Elle vaut le détour !

Staer (st)

daamien — 2013-09-13T17:40:20Z

Le debut album des norvégiens de Staer est sorti en 2011 mais vinylisé un an plus tard grâce au lyonnais de Gaffer Record.

Il faudrait rappeler que la scène noise norvégienne s'était déjà brillamment illustrée au travers de groupes radicaux tels que Noxagt, Ultralyd, ou bien les sidérants MoHa ! dont les shows bruits & lumières ont du terrasser plus d'un malheureux épileptique.

Ici on nous sert donc 7 titres instrumentaux malades d'un pseudo prog rock nourrit au hardcore. L'ambiance est lourde et moite, volontièrement atonale et syncopée parfois par quelques blasts. Les rythmes tribaux du batteur sont savants et rigides (mi jazzy, mi indus !), ils cadrent les riffs démoniaques du guitariste finement enrichis par un bonne dizaine de pédales d'effets.

Ils jeunes, ils sont trois et promis à un brillant avenir de terrorisme psychédélique, ne les manquez pas lors de leur prochaine tournée (même si l'album suivant déçoit un peu...) !

– Site du groupe ici
– En écoute ici...

Captain Beefheart & his Magic Band (1965-1982)

daamien — 2012-08-22T12:55:39Z

"I'm doing a non-hypnotic music to break up the catatonic state"

Ce documentaire ravira les intéressés, il est de plus narré par John Peel (et récupéré sur Utub en espérant qu'il ne sera pas vite effacé).

Sont (entre autres) interviewés Lord Beefheart himself (Don Van Vliet) le génial dictateur de ce groupe aux musiciens changeants, Frank Zappa son vieil ami, Matt Groening (pour attirer le chaland), Ry Cooder (présent sur le premier album Safe as Milk, il a seulement 19 ans) et ses autres pauvres musiciens esclaves (nourris de fouets et d'eau fraiche)...

Art Abrupt
On y parle évidemment de Trout Mask Replica, le plus faDadabuleux album rock+blues+free jazz de tous les temps (pour autant on ne vous cachera pas que les morceaux de cet enregistrement ne sont pas plus engageant pour le néophyte qu'un bouquin de Joyce ou de Burroughs...)

Avec en décors de cette aventure l'hypnotisant désert de Mojave et les chouettes peintures de Don Van Vliet (voir plus bas).

Feather times a feather

Sunset

China Pig

Grégory Le Lay - Les cailloux poreux se gorgent d'eau

DrNoze — 2012-06-18T09:40:18Z

Le plasticien Grégory Le Lay s'expose à Marseille, à la galerie Tapis Vert (41 rue Tapis Vert 13001 Marseille) du 8 juin au 29 juin 2012.

Dans le cadre de l'exposition, la galerie Tapis vert invite pour un dernier évènement de l'année Marta Zapparoli & Martin Kuentz, résidants à Berlin, pour une semaine de résidence (Du 18 au 22 juin) qui sera clôturé le vendredi 22 juin par un concert performance de Marta Zapparoli & Martin Kuentz, et un duo de Virgile Abela & David Oppetit.

Dans notre imaginaire du monde rural, il y a souvent l'idée d'authenticité, du culte des origines, accompagnée d'une idéalisation du rapport à la terre comme étant plus proche de notre propre nature. Le problème c'est que notre nature à nous, elle n'existe pas, et reste condamnée à s'inventer dans l'incertitude et le bricolage avec le monde. Quand il a expérience, il y a nécessairement déplacement, désapprentissage, transformation.

Grégory Le Lay a ramené une plante des Azores, un archipel portugais en plein Atlantique où il s'est installé récemment. Il s'agit de la longose (Hedychium gardnerianum), une plante dite décorative qui recouvre le paysage de l'archipel de ses belles fleurs jaunes très parfumées. Mais rien n'est ce qu'il paraît. La longose n'a pas toujours fait partie de ce paysage dit intemporel, elle est originaire de l'Himalaya et n'a été introduite sur les îles qu'au milieu du XIXème siècle, devenant par la suite envahissante et agressive pour les autres espèces. La nature voyage donc. Et cache parfois son désir de conquête derrière une beauté ornementale. Devenue plante non gratta sur l'île, l'artiste l'a fait ainsi voyager encore une fois et introduit maintenant cette peste végétale en milieu climatisé, celui de l'art contemporain.

L'exposition suinte le monde rural et l'agriculture comme rarement dans une galerie. Mais plutôt que bucolique et pastoral, son univers décèle une solitude anti-héroïque, faite de temps morts, d'ennui rayonnant, d'effacement de soi pour ne devenir qu'une éponge, d'où le titre de l'exposition. Il y a donc de la terre, mais en attente, non cultivée. Les pommes de terre, percées par des crayons, ne servent ici qu'à former une représentation inachevée de l'atome. Il y a une veste aux motifs maritimes qui ne garde que la trace d'une activité agricole absente. Il y a des branches d'arbre bien coupées et alignées pour un brasier qui ne viendra pas. Les gestes répétés deviennent ici la trace d'un labeur plus silencieux, à l'intérieur de soi, rendu possible dans cette île par l'enfermement en plein air et l'incompréhension de la langue parlée par ses habitants. Les sacs de nourriture pour animaux, posés à l'entrée de la galerie, sont remplis de vide, de ballons de baudruche. Il n'y a parfois pas de quoi se nourrir d'autre que de soi-même, de sa capacité à inventer un monde à soi à partir du nôtre. Pour la série des “Chasseurs de vide”, Grégory Le Lay redessine des vieilles gravures de représentations héroïques de la chasse et de la pêche, en y introduisant une forme géométrique blanche à l'endroit de la proie. La bravoure est ici ramenée à sa dimension pathétique, ou alors, il s'agit de partir en conquête de tableaux monochromes, d'un monde redevenu un langage abstrait.

Sur un dessin, deux dindons sont entourés d'un paysage géométrique, avec croquettes volantes et troncs d'arbres carrés, comme une projection de ce qui serait leur regard kaléidoscopique. Les animaux sont d'ailleurs très présents dans le travail de Grégory Le Lay, non pas sous le mode de la fable mais comme des animaux de compagnie sauvages. Il s'agit moins de parler leur langage que de vivre avec eux. Posé sur un socle blanc, un tronc d'arbre déjà mort est devenu la caserne d'une armée de fourmis, accompagné d'un gâteau posé là comme une exhortation à leur envahissement de l'espace.

Les animaux sont encore au centre de la vidéo “L'Enclos” où il transforme la cour d'une ferme en théâtre sonore où se confondent les bruits de la route avoisinante, ceux des chèvres et la symphonie du chaos créée par un ensemble de personnes réunies dans ce cercle, plongées dans un autisme que n'est autre que la célébration muette de l'invention d'une communauté. Une famille où tout repose sur l'écoute et la tentative de créer des accords dans le désordre pré-existant. L'invention à plusieurs de cet espace, plutôt que de produire un enfermement, cherche à bricoler un nouveau langage pour l'écoute des autres et du monde qui les entourent.

Il n'y a donc pas de hasard si Grégory Le Lay a choisit d'habiter une île. Quand l'espace paraît se rétrécir, l'horizon est à perte de vue, partout. Et pour voir cela, il n'est même pas nécessaire d'ouvrir les yeux, il suffit d'écouter le sol. Sur une image de presse agrandie, placée dans la galerie comme une énorme pancarte, il est question d'une coulée de boue qui a détruit une partie des habitations et des cultures de l'île, ce qui rappelle inévitablement son caractère volcanique encore en activité. La violence de la terre sur laquelle nous posons nos pieds, son mutisme consentant, se réveille de temps à autre pour rappeler le chaos permanent sur lequel nous essayons de construire nos certitudes, nos structures, nos vies. Avec la violence d'un enfant, le travail de Grégory Le Lay est alors cette lave qui réveille l'espace, avec de la terre, des fourmis et de la mélancolie volcanique.

– Pedro Morais

Crédit photo : Pedro Morais

Voir en ligne : http://grelelay.blogspot.fr/

Skullflower

Yann — 2012-05-30T14:05:22Z

Skullflower fait partie de ces groupes qui, dans les années 90, semblent nous avoir servi la même soupe d'album en album, de morceau en morceau… Pas de demie mesure : soit vous zapperez au bout de 30 secondes en pensant "c'est quoi cette merde ?", soit, éventuellement psychotropes aidants, vous vous laisserez emporter par la transe de Skullflower…

Mené par l'infatigable expérimentateur britannique Matthew Bower, homme aux multiples projets et menant une carrière solo sous son nom propre ou celui de Total, Skullflower est un peu à la musique psychédélique ce que Charles Manson est au mouvement hippie : sa face obscur. Alors que l'Angleterre du début des années 80 découvre les possibilités, pas toujours probantes, du synthé, Skullflower reste attaché aux bonnes vieilles batteries et guitares et compose un stoner dont l'écoute relève de l'exercice de contrition spirituelle. Mais si vous allez jusqu'au bout, vous connaîtrez la grâce. Guitares fortement réverbérées et agrémentées d'autres effets atmosphériques, batterie ralentie qui se casse surtout pas trop le cul, Bower qui psalmodie comme un aliéné… On est en plein rituel satanique, ambiance Lucifer Rising de Kenneth Anger. Pour vous parler franchement je n'ai écouté pour le moment que trois albums du groupe (Birthdeath, 1988, Broken Flag ; Ruins, 1990, Shock ; Xaman, 1990, Shock), mais ils ont suffit à bien m'éprouver mentalement… A petites doses, donc.

Voir en ligne : Trois albums à télécharger sur Trippy Jam

Us Maple (1995-2007)

daamien — 2012-03-13T12:28:26Z

Peu de récents groupes « rock » peuvent se targuer d' être originaux et excitants, surtout que l'étiquette art-rock fait souvent figure de repoussoir dans ce milieu où le cliché est roi. Heureusement pour nous, snobs en herbes, de temps à autres quelques olibrius retrouvent avec joie dans la pratique de leur instrument la véritable signification du mot "jouer". Un jeu qu'Us Maple livre aussi avec les postures de la culture rock, tout en y intègrant brillamment un feeling free jazz (comme le fera plus tard le trio guitares/batterie Storm and Stress).

Who's Who ?

Mark Shippy (guitare) et Al Johnson (chanteur) jouaient déjà ensemble dans le groupe punk rock Shorty, qui naviguait sans surprise dans un esprit « Jesus Lizard-esque ». Après le split de Shorty, ils rencontrent Pat Samson (batteur) et Todd Rittmann (guitariste) : ainsi naquit le groupe U.S. Maple en 1995 à Chicago, terre bénite du noise-rock.

Avant même de jouer, ces petits coquins s' étaient déjà entendu à réagencer la musique d' Elvis à leur manière, en façonnant leurs propres méthodes de composition (citons pour l'exemple ce passage du documentaire de Tony Ciarrocchi [1] où l'on découvre que Al utilise dans son carnet de parole des signes circulaires pleins ou vides, afin qu'il se rappelle comment il doit prononcer chaque syllabe).

Skingraft le défricheur

Impressionné par leurs premières élucubrations (dont une reprise d' AC/DC !), le jeune label Skin Graft [2] décide de sortir le single Stuck ainsi que leur premier album Long Hair in Three Stages.

Un vidéoclip est même réalisé pour le single, mais ne vous attendez pas à un spectacle épileptique et fashion car on a en fait droit à une parodie du clip déjà ridiculissime des australiens de Beasts of Bourbon (qui reprenaient à leur compte "Cool Fire").

Le radical Sang Phat Editor

Si ce premier album produit par Jim O' Rourke ne manque pas de qualité et d' ingénuité, bien que se plaçant avec un peu trop d' évidence dans le sillon des groupes indie post Sonic Youth, c' est plutôt avec leur second opus Sang Phat Editor que le groupe va définitivement larguer les amarres en imposant sans complexe son impayable personnalité retorse.

Voilà pourquoi à la première écoute le pauvre auditeur non averti pourrait conclure à un parfait foutage de gueule tant ce qu' on y entend parait déconstruit et auto-référencé : on est en effet précipité au coeur d' une fièvre chaotique proche de l'implosion où des guitares rebelles, en l'absence de basse et de rythmes « carrés » crépitent, patinent, bouillonnent...

Paradoxalement on est aussi frappé par la retenue, l'élégance et la sensibilité de l'exécution (doit-on ajouter que le distingué Todd a l'habitude de jouer en public avec un superbe foulard autour du cou...).
Cette longue jam punk ésotérique qui laisserait jaillir discrètement des bribes de mélodies en forme de clins d' oeil à l'histoire du pop rock est pourtant le fruit d' un long travail de composition (écoutez les lives pour vous en convaincre !).

Leurs turpitudes qui rappelleront sans doute aux vieux briscards les dézingages blues du Capitaine Beefheart, voir les sauvages happenings des New yorkais de Mars ou de DNA, évoquent aussi les guitares entrelacées des plus contemporains Polvo...

L'apport du jeu de Pat, riche en respirations et nourrit de buzz roll jazzifiants est incontestable, aussi déterminant que fut celui de Tony Williams sur le mythique Out to Lunch !.

Les paroles psychédéliques (dans une tradition poético-hermétique toute beatlesienne) de Al, fréquemment ponctuées de « yeahhh » lascifs, ajoutent en étrangeté mais révèlent aussi l'humour particulier du groupe.

On relèreva aussi que la cover art camouflage fluo est réalisée par Walter Weasel, le capitaine en chef du combo grind progressif The Flying Luttenbachers.

Le sombre Talker

Cédant aux avances du discret mais influent Jim O' Rourke, le groupe quitte Skingraft pour Dragcity et enregistre en 1999 Talker avec Michael Gira le leader des Swans (vous savez, cet implacable groupe punk indus qui séduit sûrement ses fans par son absence total de second degré).

Et ce Talker est une franche réussite, moins brut que son prédécesseur mais tout aussi mystérieux, voire inquiétant, sans doute l'influence démoniaque de Gira qui déteindra jusque dans la noire pochette de l'album...

Bien fait/ Mal fait ?

Deux albums, directement dans la lignée des précédants, se succèderont mais l'effet de surprise estompé ainsi que l'inévitable « professionnalisation » du groupe les rendra plus dispensables : « Acre Thrills » et enfin « Purple on Time », où Pat est remplacé par Adam Vida.

On trouvera sur ce dernier une très belle reprise de Bob Dylan « Lay Lady Lay » qui concluera magnifiquement cette histoire.

[1] Ce précieux documentaire de Hardeye Films nous montre l'intimité d' un groupe confiant et studieux durant l'enregistrement de Acre Thrills. On peut y observer le processus de composition d' un album ainsi qu' entendre les membres du groupe s' expliquer sur la manière dont ils travaillent.

[2] Un dessinateur de comics éclairé et amateur de noise rock crée ce label en 1991 rien que pour promouvoir les fantastiques Dazzling Killmen. Avec Melt Banana, les Ruins et Arab on Radar, Skin Graft Records deviendra vite le label phare d' un avant rock que certains nommeront « now wave » en référence au mouvement new yorkais de 1980. Les mauvaises langues déploreront la moindre qualité des récentes signatures dont les formations semblent grossièrement plagier leurs prestigieux aînés.