FoxyLounge

The Last Wave, de Peter Weir (1977)

Yann — 2016-04-16T06:33:03Z

Comme dans beaucoup d'autres domaines culturels, on trouve dans le cinéma australien, qui n'est apparu en tant que tel que dans les années 70, des pépites lorgnant pesamment du côté de Hollywood mais qu'un côté "couleur locale" pare d'une étrangeté tout à fait bienvenue...

A voir la filmographie de Peter Weir, on se rend vite compte que ce dernier a tenté, avec plus ou moins de succès, de combiner une oeuvre d'auteur à la réalisation de blockbusters qui rapportent des sous, entre le flan hyper consensuel (Green card (1990), Le cercle des poètes disparus (1989)) et le film grand public pouvant s'accommoder de regards un peu exigeants (The Truman Show (1998), qui doit quand même beaucoup à la présence dans le rôle principal de Jim Carrey et au scénario d'Andrew Niccol, réalisateur du plutôt bon Bienvenue à Gattaca (1997) (c'est un avis personnel).

Appartenant à la période la plus "auteuriste" de Weir (les débuts, en gros les années 70), La dernière vague raconte la crise mystico-existentielle d'un avocat de Sydney, David Burton, interprété par un Richard Chamberlain (mais si, vous savez : le prêtre de Les oiseaux se cachent pour mourir !) qui a tout à fait la tête de l'emploi, amené à défendre des aborigènes sur ce qui s'avère être un crime tribal (le meurtre d'un des leurs). Désarmé face aux lois séculaires d'un peuple spolié de ses terres, le blambec va, en gros, de scènes oniriques en mystérieux phénomènes météorologiques en passant par des apparitions mystiques, se lancer dans la quête du "sauvage" qui est en lui, et entrer en empathie avec un peuple auquel il avait été jusqu'alors indifférent.

Sur ce scénario-prétexte, Weir brode des images au fantastique plutôt séduisant : à retenir la scène d'ouragan en ouverture, une autre où notre héros pris dans un embouteillage se trouve au détour d'une petite sieste dans un environnement totalement immergé.

Un film aux intentions maladroites donc, qui par les bienfaits d'une image très maîtrise en devient un objet attachant. A voir.

12 O'Clock Boys

Mugen le druide — 2016-03-18T16:06:26Z

Un documentaire touchant sur le fameux gang de motards de Baltimore.

Après avoir vu le trailer, difficile de ne pas vouloir jeter un œil curieux sur ce documentaire. Parce qu'il parle de Baltimore, sans doute. Ceux qui connaissent la ville à travers la série The Wire auront forcément envie de replonger dans les rues de la ville iconique du Maryland, mais ce n'est pas la seule raison. Pour être bon, un documentaire doit intégrer dans sa recette trois ingrédients : de belles images, des personnages attachants et surtout un point de vue. Et Lofty Nathan, le jeune réalisateur de ce 12 O'Clock Boys (2014) a produit là un projet qui rassemble ces trois qualités.

Druid Hill Park - North Baltimore

On découvre durant plus d'une heure ce véritable gang à travers le regard d'un enfant qui n'a d'yeux que pour ses aînés en motocross, Pug. Impossible de ne pas repenser à Walace en voyant ses tresses. Ce petit bonhomme est aussi la voix narrative de ce film : une très bonne idée tant ce gosse est attachant. Intelligent, malicieux et plein de vie, on découvre en suivant ses pas un bout de la vie de ses quartiers que tout le monde fuit et ont découvre ce qui est devenue presque une sous-culture a cet endroit du globe : les dirt bikes.

12 O'Clock est donc le nom de cette grande famille qui terrorise le centre-ville de Baltimore. Des jeunes noirs assis sur des motocross ou des gros quads, qui passent leurs journées à rouler sur la roue arrière et à filmer leurs exploits. Comme des chorégraphies sauvages, bruyantes certes, mais pas tout à fait illégale. Et puis finalement, il n'y a pas tellement d'autres choses a foutre d'intéressant de ce côté la de la ville, sauf si vous voulez vendre de la poudre ou mettre des filles sur le trottoir.

Just sit back, look casual...

Comme dans toutes les histoire pour enfants, il y a un grand monstre, un héros et une princesse. Le héros c'est the pack et tout ses grands chevaliers a motos. C'est ce convoi sauvage qui nait et meurs tout les dimanches dans les rues de Baltimore, synonyme aussi d'une accalmie éphémère entre les quartiers est et ouest de la ville. Depuis leurs plus jeunes âge, ces gamins chassent the pack comme on chasse une chimère. Pour le voir défiler, l'entendre, en rêvant un jour d'avoir le privilège de l'intégrer. L'ironie du sort, c'est que ce pack est lui aussi chassé, par un monstre encore plus gros : l'état, incarné par the bird.

L'oiseau haut dans le ciel, c'est cet hélicoptère noir de la police de Baltimore qui scrutent sans cesse ceux qui fourmillent dans les rues et les pourchassent. Puisque les brigades au sol n'ont officiellement pas le droit d'engager de poursuite avec les motocross pour des questions de sécurité, la mairie a décidé d'investir dans la surveillance et la traque. Rien ne change, les gentils contre les méchants, les lois américaines et leurs applications douteuses et ce qu'elles génèrent comme problèmes dans les rues : accidents mortels, bavures dissimulés et toutes les confrontations qui en découlent. Et ici ont a les avis des premiers concernés. L'officier Lemon, ancien officier de la police, Superman et Steven : le support player qui aide ses amis a entretenir leurs motos et prend sous son aile les petits aux dents longues.

A y regarder de plus près, ces pions on un rôle semblable dans la partie mais ne sont pas du même coté de l'échiquier. Que ce soit la famille de Pug, Coco et Tibba, les membres des 12 O'Clock Boys ou les autres personnages qu'on aperçoit durant le film, ils méritent tous une attention particulière et il faut reconnaître que le montage, la bande son et les images sont souvent très bien choisis et rendent certains passages presque harmonieux.

The Wire with wheelies

Finalement ce grand oiseau finira tatoué sur le bras de ce petit sauvageons de Pug. Dans cette Amérique on a de l'encre sur la peau a 10 ans, un grillz a 13 et un YZ a 16. Le tableau de la misère sociale est bien la, flottant comme un spectre au dessus de toutes ces vies. Des jeunes mères esseulés, des enterrements et des embrouilles a chaque corner contrastent avec ces gosses en Polo Ralph, qui regardent des VHS et connaissent les noms de leurs idoles par cœur, comme des fans de NBA. Lofty Nathan a le mérite d'assumer son point de vue : il à filmé pendant presque trois ans avant de pouvoir nous raconter cette belle histoire. It's something you love, you're gonna do it anyway...

Précédemment publié sur le défunt blog de La Caverne de Mugen.

Under The Skin

Yann — 2015-06-15T07:23:03Z

Je pense pouvoir raisonnablement dire que dans le cinéma d'auteur, en France en particulier, les prouesses techniques sont plutôt malvenues. Le génie de Jonathan Glazer est de réussir à convoquer des moyens inhabituels dans un film très personnel et d'une grande sensibilité sans jamais être dans la démonstration.

Par quelques images suggestives dans la séquence d'ouverture, il nous indique déjà que nous sommes dans la science-fiction, dans un sens qui, on s'en aperçoit très vite, n'est pas du tout limitatif. En effet, après cette séquence nous sommes plongé dans un univers cinématographique qui n'est pas sans faire songer à la tradition du réalisme social à l'anglaise. Alors qu'on voit le personnage de l'extraterrestre se faisant passer pour une terrienne interprété par Scarlett Johansson au volant d'une camionnette, en tenue un peu aguichante, parcourir l'Ecosse, le réalisateur a eu l'excellente idée de filmer des scènes de rue en caméra cachée : la rencontre de ce réalisme contemporain saisissant (voir également la séquence de la boîte de nuit) et de l'imaginaire science fictionnel donne au film son étrange tonalité d'ensemble. Les séquences qui ponctuent le film où notre personnage d'extraterrestre piège ses proies dans une ambiance onirique viennent elles aussi se poser en très fort contraste avec l'environnement des villes moyennes écossaises dans ce qu'elles ont de plus banal, de plus générique. On peut également saisir un contraste entre deux deux grandes parties assez distinctes du film, la première se déroulant dans un univers urbain, donc, et la seconde, alors que notre personnage semble vivre une sorte de "prise de conscience d'elle-même" (comme si elle devenait humaine ou qu'elle en avait la tentation).

Il me semble que l'ensemble du film peut être reçu comme une grande métaphore. Il a en tout cas le caractère imprécis, en suspend des images poétiques. On ne connaîtra pas les enjeux de cette étrange expérimentation à laquelle se livrent des extraterrestres dans un film dans l'ensemble très peu bavard (c'est à la fois reposant et angoissant), mais il me semble que ce qui résume le parcours du personnage principal, une jeune femme qui teste son pouvoir de séduction sur des hommes avant de les faire disparaître, est une chose très humaine, terrestre, qui peut parler à un nombre non négligeable d'hommes. Peut-être faudrait-il aller chercher du côté de la biographie sentimentale de Jonathan Glazer, mais serait-ce très utile ?

A noter également l'accompagnement musical impeccable de Mica Levi, à qui je consacrerais un autre post.

"Martin" de George Romero

DrNoze — 2015-05-22T14:47:28Z

Dans le cadre du cycle Ciné Seventies au Centre des arts d'Enghien-les-Bains, Jean-Baptiste Thoret a présenté, pendant 1h20, Martin (1976), l'étonnant film de vampire de George A. Romero.

Il en profite bien sûr, pour faire le tour de la carrière du célèbre réalisateur de La Nuit des morts vivants et, plus largement, du cinéma d'horreur des années 1970.

La vidéo, ci-dessus, présente l'intégralité de son intervention, le mercredi 3 avril 2013.

On peut retrouver sur la chaine de Cine70s, de nombreuses présentations de films de J.B. Thoret, tout aussi passionnantes, comme Miami Vice, Voyage au bout de l'Enfer ou Taxi Driver.

Nina Simone - Live in Montreux 1976

Pierlo — 2014-11-20T14:16:41Z

Ce concert de Nina Simone à Montreux datant de 1976 est fascinant à regarder dans son intégralité.

Elle parle beaucoup, part dans des gros délires, appelle son ami David Bowie pour savoir s'il est dans la salle, parle de Janis Joplin, réprimande son public (qui ne mérite pas une de ses chansons “I started to write a song about it, but I decided you weren't worthy”, ou commence à jouer un morceau, s'arrête et exhorte une spectatrice à se rasseoir).

En fait elle est dans un drôle d'état, fatiguée, ou saoule, ou high, ou triste, ou les 4, ou plus encore… Elle porte en elle un truc tellement étrange, un truc désespéré mais un peu joyeux, elle semble des fois un peu perdue… et tout ça en public sans filets. c'est assez inédit... et ça fout la chair de poule.

Quand le tout est accessible en ligne, vous n'avez aucune excuse !

Wake in Fright - Ted Kotcheff

daamien — 2014-03-30T17:09:03Z

Un instituteur anglais beau gosse qu'on devine vite un peu arrogant fait son dernier cours de l'année dans un trou perdu dans le désert austral (merci l'éducation nationale !). Notre jeune homme plutôt fauché (merci l'éducation nationale !) passe par la ville de "Yabba" pour pouvoir prendre l'avion et rejoindre pendant les vacances scolaires sa petite amie à Sydney... mais ça, c'était sans compter sur l'hospitalité locale de cette ville paisible où l'on passe le temps en s'enfilant des bières, en jouant à un jeu d'argent particulièrement débile et en chassant les kangourous au pare-choc (attention les amis des bêtes risquent la syncope vagale).

Les bons films des années 70 ont toujours été appréciés pour leur nature viscérale, dérangeante, sèche et désespérée. On croit les avoir tous vus mais ils y en a encore de temps en temps qui font miraculeusement surface pour nous aiguillonner la cervelle. C'est justement le cas du film australien Wake in Fright réalisé par le canadien Ted Kotcheff (Rambo 1 !) et restauré en 2009.

Addiction, Violence et Nihilisme

Direction l'Australie des gentils kangourous et des colons avinés où Kotcheff invente un nouveau genre : le road movie qui fait du surplace. Pour preuve le film s'ouvre sur un travelling absurde qui exécute tranquillement une rotation complète, nous révélant les alentours absolument désertiques du village. Notre malheureux instit (figure de la culture et de la transmission du savoir donc) va dans un curieux conformisme social suivre une trajectoire tragique (mais peut être aussi initiatique) en abandonnant peu à peu toute forme de bienséance, jusqu'au point limite où moralité et identité se dissolvent.
Mais le film de Kotcheff est aussi ambigu et nuancé, le personnage principal peut être assez antipathique, le flic pas très futé est aussi très humain et certains ivrognes se révèlent être des plus lucides...
Pour essayer de donner une vague idée de ce film singulier, on pourrait citer Profession : Reporter d'Antonioni (1975) et Délivrance et ses joyeux rednecks (John Boorman 1972).

Dans l'oeil du kangourou

Si certains tentent encore de nous démontrer que l'homme n'est pas un animal, que notre supériorité rayonnante est légitime etc... cette adaptation de la nouvelle de Kenneth Cook semble plutôt nous dire que nous sommes une drôle d'espèce qui part facilement à la dérive. Le sentiment d'horreur distillé dans le film n'a rien d'holywoodien, il est au contraire ancré dans le quotidien des "sociétés masculines". Kotcheff nous dit d'ailleurs dans une interview que l'australie rurale et virile de son film ressemble fort à certains coins du Canada et des U.S.A.

– le film devait à l'origine être tourné par le grand joseph Losey
– le début de l'histoire dans l'école rappelle étrangement celui de The Last Wave (un autre classique du cinéma australien) sorti en six année plus tard, un clin d'oeil de peter Weir ?
– un critique après la première de Cannes disait grosso modo qu'il y a tellement de transpiration et de poussière dans le film qu'il a dû prendre une douche après le visionnage !

The Devil Master 1977

daamien — 2014-01-26T12:34:26Z

Un groupe de jeune traine dans un cimetière, Il vont vite être impliqués dans une affaire louche avec un prêtre satanique qui tente d'invoquer un démon de l'enfer.

"Forget all the hassle and let's go to the castle."

Voir Devil Master est une obligation, du moins pour les esthètes biberonnés aux films Z de drive-ins dans la mouvance d'oeuvres horrifiques nonsensiques aussi essentielles que, disons par exemple Rose Mary's Baby III, the Vampire StepDaughter (ndlr : !?).

Le film se lance d'ailleurs idéalement avec une intro planante et inquiétante, soutenue magistralement par une b.o. au synthé qui ferait frissonner John Carpenter. Et comment ne pas mentionner la bave aux lèvres ces scènes d'action diaboliques qui n'ont pas leur pareille dans le monde pourtant riche en scène d'action du septième art. Enfin son casting idéal n'aura de cesse de vous subjuguer avec ses étonnants sosies de Frank Zappa et de Metallica (apparemment du chanteur mais mes faibles connaissances en sidérurgie ne me permettent malheureusement pas de confirmer ou d'infirmer cette information). [1]

“The devil made me do it”

Un grand merci donc à Jerry Younkins et Donald Jackson qui ont dirigé, écrit et produit ce first movie de haute volée ainsi qu'à Exhumed Video pour ce VHS-rip plein de saveur qui te comblera sûrement de bonheur.

(à noter l'existence d'un documentaire, intitulé judicieusement the Demon Lover Diary qui relate à merveille l'atmosphère bordélique du tournage, il fût filmé par la copine de Jeff Kreines, le directeur de la photographie)
(à noter que Namely Dennis et Robert Skotak, les deux gus ayant oeuvrés aux costumes et effets très spéciaux participeront plus tard aux plus gros blockbusters de James Cameron !)
(à noter que l'acteur Val Mayerik est auteur de bandes dessinées et co-créateur de Howard the Duck)

[1] Et voici en exclusivité les noms des principaux personnages du film : Damian, Prof. Peckinpah, Tom Frazetta, the Demon...

Mississippi Blues

DrNoze — 2014-01-22T08:44:09Z

En 1983, Bertrand Tavernier prend la mythique route 61 et longe les berges du fleuve Mississippi pour y tourner un documentaire sur le vieux sud des États-Unis d'Amérique et sa culture. Il s'y intéresse notamment à celle du blues et du gospel (mais pas que).

Pour cela il fait appel à Robert Parrish, un "ami américain" originaire du coin et ayant baroudé dans le milieu hollywoodien depuis l'ère du muet. Entre deux ou trois réflexions sur Faulkner, l'histoire du sud, celle de la ségrégation ou encore du cinéma, le film nous plonge en apnée, pour sa partie la plus intéressante, dans de longues séquences musicales.

C'est accompagné de William Ferris (dont on vous parlait ici), qui fait le lien entre les musiciens et l'équipe de Tavernier, et permet ainsi au cinéaste français de filmer des séquence anthologiques, avec le même naturel que celui que l'on trouve dans les films du musicologue/folkloriste. En mode infiltration, dans les églises ou chez l'habitant, on prendra part, d'un côté aux prêches enfiévrés des pasteurs et aux transes des fidèles, et de l'autre à la mélancolie profane des bluesmen amateurs. Comme dans cette mythique séquence où l'équipe de joyeux français se rend chez Son Thomas, un musicien connu de Ferris, pour y apprendre que celui-ci est en voyage. Qu'à cela ne tienne, justement l'oncle de Son et 2 ou 3 voisins passaient par là, guitare sur l'épaule et harmonica dans la poche. Un concert improvisé est alors donné dans le salon.

Un de ces musiciens amateurs, Arthur Oneica (à moins qu'il ne s'agisse de Poppa Neal [1]), ne comprenant pas la langue de ces étranges visiteurs venus les filmer, demande à Parrish d'où ils peuvent bien venir, tous.

- De Paris.
- Paris, Mississippi ?
- Paris, France.
- Oooh... Et quel est le nom de la rue principale là bas ?
- Les Champs Élysées.
- Redis voir.
- Les Champs Élysées.
- Ok.

Oneica lance son pote Joe Cooper à la guitare et démarre un blues improvisé où il est question de traîner sur les "Champs" pour y draguer des poulettes bien coquines mais dont on ne comprend rien à la langue .

Arthur Oneica & Joe Cooper - Champs Elysées Blues - Leland, MS

Hayward Mills - She Left Me - Leland, MS

Gospel, extrait de Mississippi Blues

À la vue de ce documentaire, parfait pour accompagner la lecture du livre/CD/DVD de Bill Ferris, Les Voix du Mississippi, on comprend mieux la passion de Tavernier pour ce sud mythique et pourquoi c'est lui, un français, qui a si bien réussi l'adaptation au cinéma des aventures louisianaises de Dave Robicheaux (Dans la brume électrique).

[1] Sur le livret du DVD, Robert Parrish raconte l'anecdote en le nommant Poppa Neal , mais sur le CD de la B.O. du film il est crédité comme Arthur Oneica.

William Ferris : Les Voix du Mississippi

DrNoze — 2014-01-02T15:44:29Z

Photographie, cinéma, enregistrement, écriture, cours d'université, conférences, peu importe le moyen utilisé par Bill Ferris, tant qu'il permet de partager sa passion pour le folklore du sud des États-Unis d'Amérique, et notamment celui de la culture noire-américaine du Mississippi.

Né au fin fond de l'état du Mississippi en 1942, le folkloriste sera témoin, dès l'enfance, de la violence de la ségrégation et ne cessera de la combattre, à sa façon. Au début des années 60 il entreprend pendant deux décennies d'enregistrer, de photographier et de filmer, le long du fleuve Mississippi, la musique, la parole et les acteurs de cette culture afro-américaine locale.

Ainsi, sur les traces de John et Alan Lomax, armé d'un magnétophone, d'un appareil photo et d'une caméra super 8, Bill Ferris se rend dans les "Juke Joints", ces petits bars où se réunissent les membres de la communauté noire pour y boire, danser, jouer et écouter du blues. Il y écoutera les chansons et les "dirty dozens" (concours d'insultes), mais aussi les histoires vraies ou fantasques des bluesmen amateurs. Il se rend également dans les églises pour y enregistrer les spirituals, les sermons enfiévrés et les transes des fidèles. On le verra aussi dans les pénitenciers et les champs de cotons, filmer et enregistrer les "work chants", ces chants fait pour se donner du coeur à l'ouvrage, et descendant directement des chants d'esclaves à l'origine du blues et du gospel (voire de tout un pan de la musique populaire contemporaine).

Les Voix du Mississippi (Give My Poor Heart Ease : Voices of the Mississippi Blues VO) rassemble dans un livre, un CD et un DVD une sélection d'entretiens, de photographie, d'enregistrements et de films réalisés dans ces années. Une bien belle proposition de livre multi-média où chaque support complète à merveille le précédent.

Les éditions Papa Guédé nous proposent ici une très belle version au design plus travaillé que l'édition américaine. Les Voix du Mississippi est leur premier ouvrage et on espère que la suite sera au niveau.

Les Voix du Mississippi trailer :

Ci dessous Give My Poor Heart Ease : Mississippi Delta Bluesmen, un des excellents documentaires de Bill Ferris que l'on retrouvera en version sous-titré dans le DVD :

Äkta Människor

daamien — 2013-11-20T13:07:28Z

Dans un futur proche, un nouveau service est proposé au consommateur ainsi qu'aux entreprises : les robots humanoïdes "Hubot". Conçus pour répondre obséquieusement à n'importe lequel des besoins de leur propriétaires, ces troublantes machines, dont le port usb permet des mises à jours non officielles, vont elles rester longtemps les larbins de la race animale la plus dégénérée ??

La série Real Humans a été créé par Lars Lundström pour la télévision suédoise en 2012 (la première saison a été diffusée sur Arte un an plus tard, bonne pioche !). Sous ses atours trompeurs de série b, elle remet enfin au goût du jour une science fiction interrogative et provocante plutôt que de se fourvoyer dans des trips cybernétiques esthétisants façon new age ou post Blade Runner.

Déjà le jeu des acteurs robots inspirés des mimes est très réussi et les petits bruitages ajoutés de temps à autres quand ils se déplacent sont très amusants, la mise en scène est assez personnelle pour une série télé et elle dessert à merveille son ton faussement candide (un malaise sourd peut même être tapis derrière une scène pourtant triviale).

L'histoire, bien qu'étant suffisamment surprenante pour nous accrocher est surtout un prétexte car on remarquera très vite que le véritable enjeu de Lundström est d'osculter frontalement les rapports sociaux, les difficultés et les tabous du monde contemporain. Sur ce terrain, cette série grinçante fait feu de tout bois mais la parabole est passionnante.

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"partir de la comédie, du soap, pour se diriger vers le drame, le suspense, presque jusqu'à l'horreur" ici une interview de Lundström pour Arte.