FoxyLounge

Quand Bando a posé les bombes pour se consacrer à la création de labels de funk

DrNoze & Jocelyn Anglemort — 2021-05-27T09:13:25Z

Retour sur le renouveau du funk rétro, des années 1990 à nos jours, de Pure Records à Big Crown en passant par Desco, Soul Fire, Daptone et Truth and Soul. Tous ces labels qui ont fait renaitre le genre ont un point commun : un certain tagueur parisien des années 1980.

Mix : Jocelyn Anglemort

Télécharger

Quand au début des années 1990, Bando raccroche ses bombes il est alors considéré comme le king du graffiti depuis 10 ans sur Paris, et figure parmi les plus connus d'Europe. Le franco-américain est un pionnier, un des premiers au début des années 1980 à avoir importé cette culture typiquement new-yorkaise sur le vieux continent, et son sens du détail jusqu'au-boutiste, voire obsessionnel, en a fait un des fers de lance de la scène française. Avec ses potes des TCK (Mode 2, Boxer...) et leurs concurrents les BBC (Ash, Jay, Skki...) ils maravent littéralement Paris, marquent les grandes heures du terrain vague de La Chapelle et inspirent toute une génération.

Au sein de cette scène naissante, Bando fait alors figure de garant radical d'une vision puriste du graffiti. Il fait la promotion d'un code d'honneur digne du bushido, avec des règles strictes qu'il suit scrupuleusement, comme l'obligation, pour être crédible, de voler ses bombes et de poser sa marque partout, le plus possible et surtout sur les murs illégaux.

Bando

Image : Juxtapoz

– Voir le documentaire Writers

Au début des années 1990, Bando laisse la main à une nouvelle génération sur les dents, prête à tout pour défoncer la capitale et le reste de l'Europe. Car pour lui c'est tout ou rien, et si notre jeune graffiteur, issu de bonne famille, n'est pas dans l'obligation de travailler pour vivre, il a d'autres plans en tête.

Pure Records

Car Philippe Lehman, de son vrai nom, est un grand fan de funk. Et comme on ne se refait pas c'est avec la même rigueur, le même sens du détail et la même obsession de puriste qu'il collectionne les disques de funk, le vrai, le brut, celui de James Brown.

Ainsi il crée au début des années 1990 Pure Records avec Aldo Rosati. Un label qui ne sortira à ses débuts que des compilations de vieux morceaux de funk, ressortant des bacs des tracks oubliées de Robert Moore ou Lee Moses. Puis, se prenant au jeu, ils publieront des productions contemporaines enregistrées par leurs soins dans le pur style old school et qu'ils glisseront discrètement dans leurs compilations au milieu des autres titres, comme les excellents morceaux du Joey Altruda Quartet ou du groupe maison The Soul Providers. Comme il le raconte avec passion au micro de Get Busy, c'est avec du matos de moyenne gamme et des magnétophones quatre pistes, qu'ils s'évertuent à essayer de retrouver le son typiques des enregistrements analogiques des années 1960.

– Voir l'interview de Bando chez Get Busy

Ils vont alors chercher des anciens musiciens ayant mis en pause leur carrière quand la mode à tourné au début des années 1980. Ils produisent notamment quelques 45 tours de Lee Fields et Sharon Jones, alors gardienne de prison (malheureusement décédée en 2016). Persuadés que les vrais fans de vieux funk ne s'intéresseraient pas à des enregistrements récents, nos deux briscards filoutent en les présentant dans un premier temps comme des rééditions de vieux enregistrements oubliés.

Les compilations de Pure Records feront date et seront le point départ d'une longue aventure, celle du renouveau du funk rétro au tournant des années 2000.

Desco Records

Comme le secteur est naturellement limité en France, Lehman s'installe à New York où il monte dans le sous-sol d'un magasin d'électroménager appelé Desco Vacuum Cleaners, un nouveau label avec un autre fou furieux de funk et de soul old school, le bassiste et ingénieur du son Gabe Roth. C'est la naissance de Desco Records, label lui aussi ô combien séminal qui, après les premiers essais de Pure Records, marquera véritablement la scène funk des années 1990 et inspirera de nombreux artistes et labels.

Le groupe protéiforme The Soul Providers, composé notamment de Gabe Roth (Bosco Mann) et de Leon Michels (El Michels Affair), devient le groupe maison du label et continuera de jouer pour Lee Fields, Sharon Jones et certains autres projets annexes.

La suite

Au tournant des années 2000, nos deux larrons se séparent et abandonnent Desco suite à des visions différentes. Quand Gabe Roth, plus attaché aux sonorités soyeuses de la soul continue l'aventure avec Daptone Records (Sharon Jones, Antibalas, Charles Bradley - RIP -), Philippe Lehman, lui, continue de se concentrer sur le bon gros funk bien brut en créant Soul Fire Records (Lee Fields, The Whitefield Brothers).

Gabe Roth dans son studio de Daptone

Image : Tube-Tech

Leon Michels

En 2004, quand Lehman décide de quitter le business de la musique pour s'adonner pleinement à l'exploration de grottes sous-marines en République Dominicaine, Leon Michels et Jeff Silverman prennent la suite avec les labels Truth and Soul (Lee Fields, El Michels Affair), puis, en 2016, Big Crown Records qui élargit sa palette et propose d'autres genres que le funk de puriste.

On ne compte plus aujourd'hui les labels, plus ou moins importants, qui se lancent dans l'aventure de l'édition de soul et funk à l'ancienne, avec éditions vinyles de 33 et 45 tours, et pochettes old school comme Colemine Records ou Now-Again Records le sous label de Stones Throw.

Sélection d'albums :

Une belle sélection d'albums pour entrer en douceur dans le monde magique du retro funk, de Pure Records à Big Crown Records.

The Soul Providers - Gimme The Paw

Pure Records, 1997
Une des premières sorties originales chez Pure Records, alors spécialisé dans les compilations fétichistes de vieux funk. Le premier album des Soul Providers parait une première fois sous le titre Soul Tequila And Eleven Other Funky Favourites au début des années 1990 et délivre un pur funk traditionnel souvent instrumental. On y croise cependant en guest star le chanteur Lee Fields qui continue, après un premier album à la fin des années 1970, à faire un funk bien cru à la James Brown, et qui sera jusqu'à aujourd'hui un des piliers des label Desco, Soul Fire et Truth and Soul. Les Soul Providers rempileront sous la bannière Desco, avec une fausse bande originale pour un film de kung fu qui n'a jamais existé, The Revenge Of Mister Mopoji, à écouter également.

The Daktaris - Soul Explosion

Desco Records, 1998
Enregistré peu de temps après la mort du grand Fela Kuti, cet album fait figure d'hommage au grand maitre de l'afro beat, comme le souligne la note de pochette « This album is respectfully dedicated to the memory of Fela Ransome Kuti, the Godfather of Afro-Beat. ». Le groupe, monté pour l'occasion, était composé de membres des Soul Providers et du futur groupe phare de la scène afrobeat new-yorkaise, Antibalas. Une autre note indiquant que cet album aurait été enregistré au Nigéria a longtemps trompé beaucoup de monde mais elle ne serait finalement qu'une blague. Ce disque a bel et bien été enregistré à New York, très certainement dans les sous-sol d'un magasin d'électroménager. Le titre de la septième piste, Eltsuhg Ibal Lasiti, comportait tout de même un indice qui pouvait dévoiler la supercherie, lu à l'envers il donne « It Is All A Big Hustle ».

The Fabulous Three - The Best of

Truth & Soul, 2014
Encore une arnaque. The Fabulous Three est un concept plus qu'un véritable groupe et n'est pas composé par les cinq gaillards tout droit issus des années 1970 qui posent fièrement sur la pochette. Il s'agit d'une compilation de morceaux jazz funk instrumental enregistrés autour de l'an 2000 par les producteurs multi-instrumentistes Leon Michaels et Jeff Dynamite accompagnés de musiciens comme Quincy Bright et Michael Leonhart. Phillip Lehman y jouera également de la batterie sur certains morceaux.

Bill Ravi Harris & The Prophets - Funky Sitar Man

BBE, 1997
Derrière le pseudonyme de Bill Ravi Harris, le funky sitar man, se cache Gabriel Roth qui, à coté de sa passion dévorante pour le funk, se passionne également depuis son adolescence pour le sitar indien. Avec ses compagnons de Desco, Mike Wagner à la bass et Philippe Lehman à la batterie, ils sortent deux single dans la maison mère, mais c'est finalement chez BBE Records que sortira l'album. Comme on peut s'y attendre avec cette fine équipe on retrouve donc un pur funk minimaliste bien sec, des reprises de Manu DiBango, des Meters et de James Brown, le tout bardé de solos de sitar bien sentis.

Various - Grazing in the Trash Vol.1 et 2

Soul Fire, 2001
Deux compilations qui résument bien les années Soul Fire en réunissant toutes les sorties en 45 tours du label. Soit une ribambelle de tracks funk, souvent instrumentales, au groove puissant et enregistré avec ce grain poisseux qui fait le charme des sorties du label.

Lee Fields & The Expressions - My World

Truth & Soul, 2009
Lee Fields est aujourd'hui une véritable légende du funk et a commencé sa carrière à la fin des années 1960. Après quelques 45 tours il sort son premier album Let's Talk It Over en 1980. Puis la mode change et Lee Fields est contraint de laisser de coté la musique et travaille un temps dans l'immobilier pour subvenir à ses besoins, jusqu'à que ce que les gars de chez Pure viennent lui proposer de revenir en cabine pour pousser sa voix au micro. Une voix puissamment expressive et terriblement funky qui a souvent poussé les commentateurs à le comparer avec James Brown. My World synthétise la collaboration très réussie de Lee Fields avec Leon Michels et Jeff Silverman mais toute sa discographie est évidemment à poncer.

El Michels Affair - Enter The 37th Chamber

Truth & Soul/Fat Beats, 2009
C'est à 16 ans que Leon Michels a commencé sa carrière chez Desco en rejoignant les Soul Providers. Depuis, il est devenu un des moteurs de Soul Fire Records, Truth & Soul Records et aujourd'hui Big Crown Records.
Si Leon Michel est constamment au four et au moulin pour multiplier les projets dans tous les sens, El Michels Affair est certainement le projet le plus personnel du producteur multi instrumentiste. Après s'être fait samplé à droite et à gauche, notamment par Jay-Z et Ghostface Killah, il se retrouve à tourner avec le Wu-Tang Clan. Sur Enter The 37th Chamber, et sa suite Return To The 37th Chamber, il s'affaire sur ses instruments à faire des reprises des morceaux du groupe de Staten Island. Deux pièces maitresses. Le groove gritty, sombre et cinématique de la musique du groupe de Staten Island se marie à la perfection avec celle de Michels. Toute sa discographie vaut également le détour mais on mettra tout particulièrement de côté A Tribute, son album hommage à Isaac Hayes.

The Whitefield Brothers - Earthology

Now-Again Records/Stones Throw Records, 2010
Earthology est le deuxième album du groupe allemand, The Whitefield Brothers, sept ans après In The Raw, leur premier opus sorti chez Soul Fire. Ce dernier, déjà un incontournable du genre, mêlait un bon gros funk à l'ancienne à des influences caribéennes et africaines, mais Earthology accentue encore le métissage en incorporant à sa sauce des sonorités psychédéliques, des ambiances éthiopiques et japonaises et les flots de quelques rappeurs de passage (Edan, Mr. Lif, Percee P…).

Tracklist

The PJs… From Afar - Raekwon and El Michels Affair
Duel Of The Iron Mics - El Michels Affair
The World (Is Going Up In Flames) - Charles Bradley
Gimme The Paw (Feat. Lee Fields) - The Soul Providers
Breakin' Through (Feat. El Michels Affair) - The Whitefield Brothers
Shuvlin' - The Joey Altruda Quartet
Solid Funk - Sugarman 3
Eye For Eye - Mike Jackson and the Soul Providers
Musicawi Silt - The Daktaris
Ain't It Funky Now - Lee Fields & The Explorers
Everglades - JD & the evil's dynamite band
Escapism - Bill Ravi Harris & The Prophet
Answer me Softly Pt.1 - The Fabulous Three
Bumpy's Lament - El Michels Affair
Addis Ababa - Zafari
Soul Dig, Part 1 - The Soul Diggers
Compin' & Smokin' - Calypso King & The Soul Investigators
The Submarine - Mike Jackson & The Soul Providers
Pep's - The Fabulous Three

Textes & sélection : Dirt Noze
Mix : Jocelyn Anglemort

International Anthem

DrNoze — 2021-05-12T13:48:11Z

Petit panorama du label de jazz qui fait bouger les lignes à Chicago, accompagné d'une sélection d'albums à écouter d'urgence.

Ecouter la playlist

Les origines du jazz remontent à la fin du XIXe siècle. Depuis plus de cent ans, ce genre musical, né dans la douleur de la rencontre entre deux cultures, n'a eu de cesse de se diversifier et de multiplier les sous genres : Swing, Bebop, Hard Bop, Free Jazz, Jazz Fusion pour n'en citer que quelques-uns. Si les échanges entre jazz, rap et musiques électroniques ne sont pas nouveaux, depuis une dizaine d'années une nouvelle génération de musiciens tente à nouveau de fusionner ces genres en évitant les rencontres un peu plaquées comme on a pu le faire à une époque avec des projets comme Jazzmatazz. Une génération qui a véritablement pris le temps de digérer l'un et l'autre style pour se les approprier en profondeur.

La bouillonnante scène londonienne, par exemple, a fait couler beaucoup d'encre ces dernières années en réactivant l'esprit de l'Acid Jazz avec ses inspirations très « club », ses morceaux finement produits, ses synthétiseurs et ses batteurs biberonnées à la drum & bass et au dubstep. Pendant ce temps, de l'autre coté de l'Atlantique des scènes tentent d'autres approches, de New-York avec le Onyx Collective, Sly5thAve ou Brandee Younger, à Los Angeles autour du label Brainfeeder de Thundercat, Flying Lotus et Kamasi Washington. Une ville tire également son épingle du jeu avec une scène aux influences et sonorités qui lui sont propres et intimement liées à son histoire : Chicago.

Chicago, terreau de la black music

À Chicago on ne fait pas de la musique uniquement pour amuser la galerie, depuis l'époque tumultueuse des big bands de la prohibition jusqu'à la drill des années 2010, la musique y est une affaire sérieuse. C'est pendant la prohibition que les musiciens de jazz ayant migré du sud ségrégationniste trouvent dans les bars clandestins tenus par la mafia une opportunité de vivre décemment de leur art sans avoir à se plier aux concessions artistiques imposées par les clubs plus classiques [1]. Le jazz s'y urbanise, les sonorités deviennent plus nerveuses et les solos s'y généralisent. Plus tard, Muddy Waters et Howlin' Wolf électrifient leur guitares et y inventent le Chicago Bues et le Rn'B, deux genres qui donneront naissance au Rock n' Roll. On y invente la House Music dans les années 1980 et plus récemment, le footwork et la drill [2].

Makaya McCraven

L'esprit de la Great Black Music et le spectre de l'Art Ensemble of Chicago, véritable institution du free jazz, irriguent toujours fortement la création jazz locale, notamment via le collectif AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) qui en perpétuent les traditions. Ainsi, une armada de jeunes musiciens s'acharnent aujourd'hui à y renouveler le jazz en le mêlant avec des influences modernes, parfois hip-hop et électroniques, mais avec une énergie plus brute qu'en Angleterre ou à Los Angeles, et surtout, en gardant une connection directe avec le free jazz et le jazz modal des années 1960 et 1970. Expérimentations, improvisations, mélanges d'influences diverses, spoken word, afrofuturisme et militantisme politique sont autant d'éléments que l'on retrouve naturellement parmi les ingrédients magiques de cette grande soupe aux parfums divers et variés.

Un label à la culture punk

C'est autour de 2014 que, témoins de l'effervescence de cette scène dont personne ne semblait vouloir s'occuper, deux trentenaires blancs et anciens activistes de la scène punk du mid-west, Scott McNiece et David Allen, décident d'unir leurs forces pour réunir et mettre en valeur ces talents.

Scott McNiece and David Allen

Photo : Mark Pallman

Dans un premier temps, nos deux compères s'occupent principalement de trouver des dates et de promouvoir des concerts avec les moyens et la culture « Do it yourself » hérités de leurs années dans l'underground punk rock, puis, de fil en aiguille, un véritable label fini par se monter. Après six ans d'acharnement et certainement en grande partie grâce au succès de leur artiste phare Makaya McCraven, International Anthem commence à peine à rapporter un peu d'argent. Depuis ses locaux installés dans le South Side de la ville, le label distille des albums aux talents variés et qui n'hésitent pas, comme à la grande époque free des années 1960, à réconcilier le jazz avec l'engagement politique et social.

Il ressort de cette effervescence une véritable culture de label comme on l'aime. On peut voir leur catalogue comme une oeuvre cohérente avec une identité marquée, et des passages de relais entre les artistes et les différents projets. Marquée par le trumpisme, le Covid et le mouvement Black Lives Matter, 2020 a été une année complexe et pleine de défis pour tout le monde, particulièrement pour les minorités et la population noire américaine, mais, comme le disait Scott McNiece en janvier 2020 à Pitchfork, c'est une période très stimulante pour la culture et il est important d'y être une voix prolifique. Programme chargé, donc, et pour le moment bien parti pour International Anthem.

“Part of the idea behind being prolific right now is that 2020 is an important year for culture. There's going to be a lot of energy and emotions and people trying to topple over the fucking fascists running our country. We want to be putting out music that's fueling the fire.”
— - Scott McNiece

Écoutez notre playlist d'introduction à la musique du label de Chicago, disponible sur Spotify, Apple Music, Deezer, Tidal, Youtube et Qobuz.

Sélection d'albums

Une courte sélection d'albums issus de la galaxie International Anthem.

Makaya McCraven - Universal Beeings

International Anthem, 2018
Fils du batteur américain Steve McCraven, collaborateur de longue date d'Archie Shepp, et de la chanteuse hongroise Agnes Zsigmondi, Makaya a grandi dans la musique et le multiculturalisme.
Certainement son album le plus abouti et le plus représentatif, Universal Beeings, et sa suite Universal Beeings E&F Sides, est construit à partir d'une série de sessions improvisées avec des artistes des 4 scènes actuellement les plus actives du renouveau jazz contemporain : Chicago, New York, Los Angeles et Londres. De ces enregistrements accumulées pendant plusieurs années Makaya Mcraven a tiré des boucles qu'il a retravaillées en post production dans son home studio. À la manière d'un producteur de rap il sélectionne, découpe et met en boucle les meilleurs passages pour en faire ressortir la sève.
Le jazz de McCraven est une vraie musique de batteur où tout tourne autour du rythme. Tous les instruments travaillent ici pour et au coeur de la rythmique avec une culture de la boucle chère à la beat music. Malgré le passage par les machines, le batteur s'attache à ce que le résultat conserve un aspect très live et brut de décoffrage. En résulte une musique qui pourra paraitre inachevée à certains mais dont beaucoup rêvaient peut-être depuis longtemps, celle de la rencontre entre l'esprit du free jazz modal de John Coltrane ou Pharoah Sanders et celui du boom bap granuleux de Lord Finesse ou Godfather Don.

Un autre projet du batteur qui vaut le détour pour découvrir son travail est cette relecture de l'excellent dernier album du grand, et regretté, Gil Scott Heron : We're New Again. Où l'on découvre que sa musique fonctionne aussi très bien avec une voix.

Dezron Douglas & Brandee Younger - Force Majeure

International Anthem, 2020
Les deux forces vives de la scène new-yorkaise que sont le contrebassiste Dezron Douglas et la harpiste Brandee Younger, collaborateurs de Ravi Coltrane et Pharoah Sanders, font partie des collaborateurs de l'album Universal Beeings de Makaya McCraven. Ce premier pas dans les corridors du label de Chicago ne sera pas le dernier. Album témoin de cette année 2020, passée pour beaucoup en mode confiné, Force Majeure réunit une sélection de sessions organisées par le couple depuis son appartement new-yorkais d'Harlem, enregistrées avec les moyens du bord et streamées en live sur internet tous les vendredis matins. On y retrouve principalement des reprises qui vont du Gospel Trane d'Alice Coltrane à Never Can Say Goodbye de Gloria Gaynor.
La complicité entre la basse de Dezron et la harpe de Brandee est d'une parfaite évidence, conférant à l'album une énergie positive propre à ensoleiller votre journée. Tout en simplicité et modestie, il n'en reste pas moins, à mon sens, un des albums de jazz les plus réjouissant de 2020.

Alabaster DePlume - To Cy & Lee : Instrumentals Vol. 1

International Anthem, 2020
De son vrai nom Angus Fairbairn, cet ancien punk, aujourd'hui saxophoniste et chanteur adepte du spoken word, a une carrière aux marges du jazz et de la pop avant-gardiste. Son album sorti chez International Anthem réunit une compilation de pièces uniquement instrumentales et enregistrées sur une période de huit ans. Ce volume 1 propose un free jazz planant, aux aspirations feng shui et qui n'hésite pas à se nourrir d'inspirations diverses : ambiant, musiques folkloriques orientales et occidentales, musique de film et même, selon Albastar, de jeux vidéo et d'animation japonaise, comme celle de Joe Hisaishi dont il assure être un admirateur.

Jeff Parker - Suite for Max Brown

International Anthem, 2020
Principalement connu pour être le guitariste – et multi instrumentiste – du groupe de post rock Tortoise, Jeff Parker a toujours eu un background très jazz. Il a notamment joué avec des artistes comme Joshua Redman ou Meshell Ndegeocello. Sur cet album dédié à sa mère Maxine Brown (figurant à 19 ans sur la pochette), le guitariste a dans un premier temps travaillé ses morceaux seul. Il s'enregistre, construit ses rythmiques en se samplant lui-même sur divers instruments de percussion, puis joue de la guitare et des claviers. Dans un deuxième temps, il invite ses amis du label, comme Makaya McCraven ou Rob Mazurek, à improviser dessus. Sa fille Ruby Parker fait également une apparition au chant sur le très beau Build a Nest.

Angel Bat Dawid - The Oracle

International Anthem, 2019
Le premier album de la clarinettiste et chanteuse est, à l'origine, uniquement sorti sur cassette. Le tout enregistré à droite et gauche lors de ses déplacements sur son iPhone puis mixé avec les moyens du bord, The Oracle est un album entièrement joué seule et réalisé dans un esprit do it yourself. Du jazz modal éthéré, improvisé et expérimental, avec des filtres, de l'autotune, du chant et du spoken word, et qui renoue avec l'esprit de la Great Black Music telle qu'elle se pratique à Chicago depuis des décennies tout en l'alliant avec l'énergie brut de la culture home studio contemporaine. Un album qui a beaucoup fait parler de lui et peut-être l'anthem qui a participé à placer le label sur la scène international.

Damon Locks - Where Future Unfolds

International Anthem, 2019
Artiste visuel, éducateur, chanteur, musicien et DJ, Damon Locks est un de ces hurluberlus qui multiplient les talents. C'est un pilier de la culture underground de Chicago depuis les années 1980. En dehors des nombreux projets musicaux dans lesquels il a joué (Trenchmouth, The Exploding Star Orchestra...) il a aussi participé à des ateliers avec des artistes emprisonnés dans la prison de haute sécurité de Stateville et a réalisé un travail graphique pour plusieurs sorties du label International Anthem, notamment Universal Beings de Makaya McCraven. Where Future Unfolds est à l'origine un projet perso concocté à base de samples de discours d'activistes des Droits Civiques américains passés à la moulinette de la boite à rythme. Puis une quinzaine de musiciens, comme Angel Bat Dawid, et d'artistes se sont petit à petit associés au projet jusqu'à monter le Black Monument Ensemble. Finalement, l'album Where Future Unfolds est un enregistrement live de cette formation qui mêle l'esprit du Artistic Heritage Ensemble de Phil Cohran et de l'album Attica Blues d'Archie Shepp à celui du It Takes A Nation of Millions to Hold Us Back de Public Enemy. Une rencontre singulièrement réussie entre l'activisme politique, la poésie, le gospel, le jazz et les boites à rythmes.

[1] Lire à ce sujet le livre Le Jazz et les gangsters

[2] Une Histoire de la musique noire à Chicago : #312SOUL, An Unfinished Retrospective of Chicago's Black Music History

Little Danny : The Lonely Beat

DrNoze & Jocelyn Anglemort — 2017-10-16T10:15:45Z

Une centaine de 45 tours des années 1940 pour dessouder du bookmaker véreux au fond d'une ruelle glauque, avant d'aller s'en jeter un dans un bar exotique.

Mix : J. Anglemort

– Télécharger le mix

DJ sur la célèbre web radio WFMU, surnommée la "meilleure radio du monde" par tout un tas de mélomanes un tantinet pointus et passionnés de vieilleries, Little Danny est avant tout, et comme nombre de ses collègues, un collectionneur obsessionnel. L'objet de sa marotte est la musique populaire américaine d'après-guerre qui mélange allègrement jazz, mambo et rock&roll avec des influences exotiques ou cinématographiques. Outre son émission sur WFMU, il partage occasionnellement mixes et compilations à télécharger sur son blog Office Naps.

Ainsi l'excellente compilation A mambo, Latin jazz and exotica-ish sampler réunit-elle une vingtaine de perles introuvables et finement sélectionnées de ce jazz latin ou teinté d'exotisme issues du label de Los Angeles, Discos Corona/Crown Records. Une musique très nocturne et mystérieuse aux accents sud-américains et caribéens qui faisait fureur dans la Californie d'après-guerre.

À côté de son blog, Little Danny propose aussi une série de sites au concept proche du jukebox, réunissant chacun une centaine de 45 tours, tous plus obscurs les uns que les autres, autour d'une même thématique "après-guerre".

On pourra ainsi se plonger dans la vague "exotica" grâce à "The Exotica Project", dans le rock folk des petites villes avec Nowhere Town, 100 Lost Places and Spaces ou encore dans les origines du rythm & blues avec The Bluesville Jukebox, Clubland Jazz Hip Instrumentals. Et enfin, avec The Lonely Beat, celui qui nous intéresse ici, vous pourrez voyager dans les bas fonds de la ville sans fard de la deuxième moitié des années 1940. Une des particularités de ces projets est la possibilité de naviguer par mot-clés dans la multitude de titres proposés. Ainsi, pour The Lonely Beat, vous pourrez choisir parmi des propositions comme "Crime", "Muted Trumpet", "Walking Bassline", "Suspens" ou encore "Femme Fatale".

The Lonely Beat, 100 Themes for the Naked City

Avec The Lonely Beat, 100 Themes for the Naked City, Little Danny tente de capturer une série d'images, de motifs et de thèmes spécifiques à la vie urbaine de cette période, aussi bien réels que reconstitués par le prisme de la culture populaire.

The Naked City, la ville nue, est un des nombreux surnoms de New York, mais c'est aussi un terme générique pour désigner l'idée de cette ville moderne, clinquante, violente et décadente, célébrée dans cette période de l'après-guerre. On la retrouve, omniprésente dans la culture populaire d'alors, sous différentes identités, "Metropolis", "gangland Gotham", "the Asphalt Jungle", "bohemia" ou encore "the mean streets".

The Naked City (La Cité sans voiles) est également le titre d'un film de Jules Dassin qui marqua la fin des années 1940, notamment pour sa forme hors du commun qui tente de dépeindre, avec un aspect presque documentaire, les méthodes d'investigation de la police de l'époque. Le film donnera naissance dix ans plus tard à une série télévisée dans laquelle toute une nouvelle génération de comédiens, de Gene Hackman à Christopher Walken et Dustin Hoffman, en passant par Robert Duvall et Dennis Hopper, fera ses premiers pas. The Naked City c'est encore le titre d'un livre de photographies d'Arthur Fellig (Weegee) sorti ces même années. Un livre qui fera date en mettant à nu les nuits de New York. Des cadavres encerclés par la police y croiseront gangsters endimanchés, musique tonitruante, alcool frelaté, célébrités excentriques, clowns tristes et prostituées fatiguées dans une froide et magnifique sarabande.

Ces grosses guitares basses, ces trompettes bouchées, et ces rythmiques chaloupées avec balais et maracas rappellent à nos oreilles du XXIe siècle le cinéma de cette époque, les films noir, ceux de gangsters, mais aussi, plus proche de nous, la musique des films de Tarantino ou les thèmes composés par Angelo Badalamenti pour Twin Peaks. Enfin, cette compilation donnera à manger au producteur de rap new-yorkais des années 1990 qui sommeille en chacun de nous, et bon nombre de passages lui donneront envie de les mettre en boucle pour en faire des démos à envoyer à Stretch et Bobbito.

Textes & Artworks : Dirty Noze
Mix : Jocelyn Anglemort
Photographie : Weegee

Dungeon Synth, the Dark Paths

DrNoze — 2017-05-19T11:38:13Z

Une sélection d'albums, un mix et un focus autour de cette bien sinistre scène qui serpente quelque part entre noise, ambient, black metal, musique de jeux vidéo et folklores médiévaux.

Musique de film sans film, bandes originales pour dépression chronique, lectures lovecraftiennes ou séances nocturnes de Jeux de rôle sur table, la Dungeon Synth est une musique, souvent bricolée avec des bouts de ficelles, et qui hésite entre grâce minimaliste, soif d'expérimentations et jeux de références à la frontière du mauvais goût.

Mix : Jocelyn Anglemort

Genre musical à la croisée des chemins, la dungeon synth est perdue sur une terre aride, quelque part entre la musique de film, tendance heroic fantasy (Conan), et l'ambient la plus sombre. Ce sous-genre du black metal, dont les inspirations se veulent également visuelles et littéraires, est en effet tiraillé dans plusieurs directions. Si le black metal en a été le terreau, l'ambient, l'IDM, la noise expérimentale, la musique de film et de jeu vidéo, le classique et la folk médiévale en sont les points cardinaux.

À tel point que la Dungeon Synth a à son tour elle-même généré de nombreux sous-genres. "Dark Ambient" pour les morceaux pionniers, très liés au metal, "Winter Synth" pour les ambiances glaciales et synthétiques, "Dungeon Noise" pour les projets les plus bruitistes et expérimentaux, "Idyllic Synth" pour ceux aux consonances pastorales, on en trouve bien d'autres. Malgré un genre très codifé on retrouve une certaine liberté d'expression dans la multiplicité de ces sous-genre, ainsi que dans les formats, certains morceaux pouvant durer plus d'une heure, quand d'autres feront moins d'une minute.

Le genre est né au début des années 1990, au départ sous l'éthiquette dark ambient, avec les side projects de certains musiciens issus de la scène black metal, comme Burzum et Mortiis. L'idée est alors d'étirer sur la longueur ces intros ou interludes aux accents cinématiques qui parsemaient les albums de l'époque, pour en faire de véritables projets. Sous-scène d'une sous-scène elle-même déjà très underground à l'époque, la dungeon synth est une véritable musique de niche, extrêmement souterraine.

Avec son esprit très « do it yourself », la dungeon synth glorifie l'amateurisme et ne se diffusera d'ailleurs, dans un premier temps, pratiquement que sur des cassettes audio. Il n'est pas rare alors, que celles-ci, enregistrées à la maison sur du matériel de fortune, soient simplement qualifiées de « demos » et que les morceaux se retrouvent sobrement intitulées "untitled".

À la suite des pionniers dans années 1990, une nouvelle vague de musiciens a repris le flambeau dans les années 2000, et plus particulièrement aux début des années 2010 grâce à l'avénement de la plate-forme de diffusion Bandcamp. Si cette nouvelle vague de dungeon synth se diffuse aujourd'hui principalement sous forme de fichiers numériques, le support cassette y est également toujours très présent. Plus qu'un gimmick, la basse fidélité est en effet souvent un élément constitutif de cette musique qui joue sur la nostalgie des temps anciens. Comble du fétichisme, certains musiciens vont jusqu'à préciser sur la page de présentation de l'album que les fichiers audio sont le « rip officiel » de la cassette.

Certains artistes semblent vouloir se délester de cet aspect low-fi, voire de la dimension sombre issue du black metal, pour s'aventurer vers des compositions plus bucoliques et/ou épiques, qui pourront prendre des allures de grands orchestres philharmoniques (comme le français Erang). Mais une autre, celle qui va nous intéresser ici, tente, elle, bien au contraire de retrouver les sonorités poussiéreuses et malades des années 1990 et de pousser plus avant l'aspect avant-gardiste et minimal de cette musique qui n'est jamais aussi bonne que quand elle arrive à allier au sein d'une même œuvre une dimension très expérimentale, parfois presque conceptuelle, et une autre, plus narrative, sensible et presque désuète.

Une sélection de neuf projets sortis ces dernières années, et qui, plutôt dans une veine sombre, low-fi et expérimentale, sortent du lot.

Ungl'Unl'Rrlh'Chchch ‎– Ungl'Unl'Rrlh'Chchch (2001)
Situé sur les bordures expérimentales du genre, cet unique et mystérieux projet réédité en 2014 (Probablement un side project de Trollmann av Ildtoppberg ) est une pièce de maître encensée par la communauté et qui présente un travail remarquable sur les textures sonores et de nombreuses variations de styles. Le titre « Ungl' Unl' Rrlh' Chchch » est une phrase tirée de la nouvelle L'étranger de H.P. Lovecraft et l'album pourrait, en effet, être la bande son parfaite de l'oeuvre lovecraftienne. Chaque morceau possède une véritable personnalité et un style qui lui est propre. De lentes mélopées vrombissantes et vides de mélodies qui tirent vers la drone et l'ambient, un piano dissonant qui improvise des mélodies inspirées de la musique contemporaine, des orgues saturés et des coeurs angoissants pour une célébration morbide, et, pour clôturer l'album une pure pièce de noise.
– Ungl'unl'rrlh'chchch sur Bandcamp

Ungl'unl'rrlh'chchch by Ungl'unl'rrlh'chchch

Old Tower - The Book of Ages (2015)
Le premier projet d'Old Tower, sorti en 2015, avec son minimalisme low-fi, sonne comme un retour aux sources. Un classicisme dark ambient qui tente de rester au plus proche de l'esprit des cassettes poussiéreuses circulant sous le manteau dans les années 1990. Présenté comme un seul morceau de 14 minutes et consistant en trois mouvements, il nous embarque dans un voyage intérieur vers des contrées mystérieuses. Depuis, Old Tower sort régulièrement de nouveaux albums tous recommandables.
– The Book Of Ages sur Bandcamp

The Book Of Ages by Old Tower

Abandoned Places - The Funereal Call (2016)
Dernier projet censé clôturer la série mystérieuse et très remarquée Abandoned Places, cet unique morceau monolithique de 77 mn est un bijou de cohésion minimaliste, un véritable monochrome noir dont la lumière ne s'échappe pas et au fond duquel le temps semble s'être arrêté. L'auteur prolifique de cette série de 8 albums serait également derrière de nombreux autres projets très intéressants dont Mystic Towers, Erdstall ou encore Turonian.
– The Funereal Call sur Bandcamp

The Funereal Call by Abandoned Places

Soy Fan Del Dark – SFDD (2016)
La musique de SFDD est ascétique. Chaque morceau se présente comme une miniature, une courte vignette présentant un élément de dungeon synth mis en boucle. Le résultat est rachitique, sombre et hypnotique. Les rythmiques sont sèches et les motifs répétitifs et monochromes. Avant ça Soy Fan Del dark avait déjà sorti un projet assez différent en collaboration avec Bilhazia, un artiste qui penche plutôt vers la tendance expérimentale de la beat scene (comme DTCPU ou Ras G). Soy Fan y lâchait cinq pistes saturées de guitares déjà très répétitives.
– SFDD sur Bandcamp

SFDD by Soy Fan Del Dark

Apothecarium – Demo II (2016)
Après une première courte demo parue en janvier 2016, Apothecarium revient quelques mois plus tard avec un nouvel opus au sein de la très bonne équipe de Moonworshipper Records. Apothecarium continue, avec Demo II, à débroussailler les mêmes sombres sous-bois qu'auparavant, mais en ayant bien pris soin d'aiguiser encore un peu plus ses outils. Ses orgues fatiguées, sentant la poussière et l'humus, aspirent à la lumière et nous jouent leurs mélodies imprégnées de nostalgie, mais sans toutefois être complètement dénuées d'espoir.
– Demo II sur Bandcamp

Demo II by Apothecarium

Ranseur – Obsidian Throne (2016)
La musique de Ranseur, tout comme ses pochettes (qu'il dessine lui-même), est très minimaliste et plutôt atypique dans la galaxie dungeon synth. Chaque morceau se compose de petites ritournelles qui gesticulent étrangement sur un lit de souffle noise. Si elles peuvent faire écho aux restes de musiques folkloriques médiévales que l'on retrouve souvent dans la dungeon synth, ces mélodies aux relents extra-terrestres nous rappellent également certaines oeuvres de Sun Ra et paraissent finalement plus provenir d'une autre dimension que de notre bon vieux Moyen-Âge (même passé à la moulinette de J. R. R. Tolkien).
– Obsidian Throne sur Bandcamp

Obsidian Throne by Ranseur

Foolish Fire – The Culture of Loss (2016)
Des corbeaux, du vent, un clocher et un orgue. The Culture of Loss est un projet plutôt mineur et atypique de ces dernières années. Malgré son amateurisme et sa simplicité, il tranche par un radicalisme formel et un minimalisme réjouissant. Les deux amples morceaux qui le composent sont constitués de longues plages d'ambiance survolées d'un unique orgue improvisant des litanies dépressive. Il nous transporte dans un univers sombre et désolé, peuplé de charniers et de potences. Grief as a Passion, la suite de The Culture of Loss vient de tout juste de sortir.
– The Culture of Loss sur Bandcamp

The Culture of Loss by Foolish Fire

Brutus Greenshield - Demo (2017)
La première demo de Brutus Greenshield est une cassette dans l'esprit des années 1990, avec son souffle, ses sombres orgues imprégnées de mystère et ses bruitages d'ambiance. Derrière des mélodies empreintes de nostalgie à la forte puissance évocatrice, on peut discerner le crépitement des feux de bois sous la canopée aux bruits des épées qui s'entrechoquent. Sur sa page Bandcamp, un tag « dungeon jazz » retient l'attention au milieu des éternels « dungeon synth », « dark ambient » et autres « dwarf synth ». On ne trouvera pas de swing, de solo de saxophone ou de contrebasse dans la demo de Brutus Greenshield, on reste bien dans du pur dungeon synth orthodoxe. Mais on y dénichera peut-être un certain sens de la composition et des arrangements plus poussés qu'à l'accoutumée.
– Demo sur Bandcamp

Demo by Brutus Greenshield

Einhorn – Demo I (2017)
Une des forces de la Dungeon Synth en tant que genre est de rendre accessible des styles musicaux qui peuvent frôler l'expérimental le plus hermétique, en y apportant une dimension narrative et sensuelle. La musique de Einhorn (side project de Tyrannus ) en est l'exemple parfait. Demo I, avec ses deux longs morceaux, arrive à ajouter à la noise la plus extrême, une sensibilité particulière et invite l'auditeur à parcourir les espaces sonores les plus fous tout en maintenant constamment un pied dans le réel, ou du moins dans cette réalité imaginaire, peuplée de licornes et de donjons démoniaques. On retrouve d'ailleurs également ce mélange des genres dans les références affirmées dans les titres des morceaux. Quand le premier, The Captive Unicorn, puise son inspiration dans une série de tapisseries de la renaissance, le second, Durlag's Tower, revisite, quant à lui, un épisode du jeu vidéo Baldur's Gate.
The Tyrant's Tower, qui contient la suite de Durlag's Tower est également à écouter.
– Demo I sur Bandcamp

Demo I by Einhorn

Liste des titres du mix :

Foolish Fire – I : Pilgrimage (Edit)
Old Tower – The Rise of the Specter Part I (Edit)
Spectral Kingdom – Spectral Kingdom (Edit)
Turonian – Skeletal Memory (Edit)
Brutus Greenshield – The Battle Made His Shield Red (Edit)
Blood Tower – Hidden in the Wallpaper (Edit)
Ungl'unl'rrlh'chchch – Azathoth (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled 1 (Edit)
Blood Tower – I Heard Terrible Noises Coming From the Attic (Edit)
YEARNER – Evenings (In Remembrance) (Edit)
Mystic Towers – Caverns of Crystal (Edit)
Cloak & Daggere – Fading Presence (Edit)
Apothecarium – Wet Feet of the Gatherer (Edit)
Soy Fan Del Dark – Untitled (Edit)
Abandoned Places – Kalynthia (Edit)
Lost Chateau Of Montague – I (Edit)
Abandoned Places – The Funereal Call (Edit)
Voormithadreth – Ornava (Edit)
Roman Master – I Died Because I Was Weak (Edit)

Pour aller plus loin :
– Dungeon Synth Blog
– Dungeon Excavation
– Asmodian Coven

BARABARA : Entretien

DrNoze — 2015-12-01T07:02:16Z

On a posé quelques questions au barbouze. Il nous parle de sa musique, de ses influences, de la route et de son univers.

Suite à notre article sur BARABARA et son excellent premier EP, on lui a posé quelques question sur Twitter.

Entretien avec BARABARA

Foxylounge : Qui est BARABARA ? Quelle est la signification de ton pseudo ?

BARABARA : BARABARA ça veut dire la route en kiswahili, la langue régionale de l'Afrique de l'Est. Au début de ma vie au Kenya, il y a dix ans de ça, alors que je zonais aux alentours, j'entendais souvent autour de moi « barabara, barabara » sans savoir ce que ça voulait dire, jusqu'à ce que je demande et qu'on me dise : « ça veut dire la route ». Voilà, je me suis dit : « s'il y a un mec qui s'est fait appeler The Streets, je peux bien me faire appeler BARABARA ».

J'aimais pas traîner seulement jusqu'au bout de la rue, j'aimais traîner là où il y avait de l'espace, de la vue, là où on respire, on ventile, là où on peut voir la ligne d'horizon. Et puis j'ai BEAUCOUP mais beaucoup trop voyagé sur les routes. Des fois je me dis que si j'avais mal fini, j'aurais fini Punk à chien près d'un Monoprix de la ville de Rennes. Quand je suis sur la route, j'ai l'impression d'être au bon moment au bon endroit ; le fait d'aller quelque part, c'est simple, ça donne du sens à la vie. J'adore me retrouver dans une station service sur l'autoroute. En France c'est là où je me sens le mieux

Tu es originaire d'où ? Et pourquoi tu es parti en Afrique ?

Je suis originaire d'un bled de la campagne du sud des Yvelines à la limite de l'Eure-et-loir. J'ai grandi au bord d'une route départementale.

Je suis parti en Afrique parce que j'allais pas passer ma vie entre les Yvelines et l'Eure-et-Loir sur les routes départementales haha ; j'avais envie de voir du paysage et aussi j'avais envie de faire un métier qui me rende utile aux autres. Ce qui m'a amené à travailler sur la mise en œuvre de projets humanitaires. Après quand je rentre chez mon père ça m'empêche pas de passer mon temps dans la voiture sur les petites routes.

On retrouve l'Afrique de l'Est dans tes morceaux, et cette idée de la route. Dans tes clips, on te voit boxer, marcher sur la route, il y a beaucoup de toi dans « le barbouze » ?

Le barbouze oui c'est moi ; il était une fois le barbouze j'y raconte mon histoire, avec des métaphores mais c'est mon histoire. Un morceau comme l'épisode de l'autobus, mot pour mot, c'est que des bouts de mon histoire entre l'Afrique et le nord du Canada. En 2011 j'étais au Soudan du Sud et les conditions là-bas étaient plutôt dures. C'est le genre de pays quand tu le regardes, tu te demandes c'est quel avenir qu'est possible ici ? On dirait que la fin du monde y a déjà eu lieu. Dans ma vie aussi j'étais dans une impasse. Du coup je suis parti 3 mois en Amérique du Nord et je me suis installé au Nord du Québec, au dessus du 50ème parallèle, sur la route 138 qui longe le St Laurent et qui s'arrête à Natashquan. Je suis allé jusque là et après j'ai fait le vide un mois devant la baie du St Laurent. Quand je suis rentré dans le bus qui me redescendait à Québec, je me suis dit que j'allais raconter mon histoire. L'EP j'ai commencé à l'écrire sur la route quand je suis retourné au Soudan du Sud.

Pour la boxe, j'en fais depuis 15 ans maintenant, ma femme est boxeuse professionnelle, mes filles boxent. Bref c'est une affaire de famille. La boxe c'est ma plus grande passion. Si je devais faire un choix entre le rap et la boxe je garderais la boxe.

À l'écoute de ton EP, on pense beaucoup à Serge Gainsbourg et Alain Bashung. D'ailleurs il me semble que tu cites Bashung dans La Fin.

Oui pour Bashung je cite Vertiges de l'amour et Osez Joséphine. Pour Gainsbourg je lui fais aussi un clin d'œil en référence à Mon Légionnaire dans la 25eme heure : "on m'avait retrouvé dans le Delta et j'avais les yeux grands ouverts dans le ciel passaient des nuages ». Dans ma dernière chanson je cite même Isabelle Adjani qui chante Pull Marine, une chanson qu'avait écrite Gainsbourg qui à ce qui parait est l'allégorie d'une gorge profonde.

Je n'avais pas remarqué la référence au Légionnaire. Pourtant c'est clair que j'ai pensé à ce morceau en écoutant le Barbouze. Il n'y a pas aussi une référence à Renaud quelque-part ? Il me semble que tu dis « Où c'est qu'j'ai mis mon flingue à un moment, non ?

Ah oui, c'est vrai mais « Bordel, où est-ce que j'ai mis mon flingue ? » c'est presque passé dans le domaine public haha.

Ton flow est assez sobre, mais il reste malgré tout très expressif, très narratif. Il pourrait même se rapprocher parfois du « spoken word » (sans en prendre les défauts). C'est particulièrement dans ces moments là, je trouve, qu'on sent la filiation avec Gainsbourg et surtout Bashung. Est-ce que c'est volontaire ?

Oui le flow sobre c'est volontaire, j'aime pas en faire des tonnes. C'est comme pour les rimes, j'évite d'en faire des tonnes, les multisyllabiques la plupart du temps elles sont faites juste pour sonner, pour la forme, y a pas vraiment de fond, ça en jette et c'est tout. ça m'intéresse pas. A propos de Spoken Word ou Slam, en 2004, j'avais trainé dans quelques bars sur le boulevard de Belleville et vers la rue Oberkampf y avait une faune incroyable, des retraités, des jeunes, des gens de la rue, des cadres propres sur eux. Et puis une fois que Grand Corps Malade a sorti son truc, c'est devenu hype, c'est devenu bobo. Du Spoken Word j'en ai fait aussi ici au Kenya et puis c'est toujours la même chose y a une petite clique d'imposteurs à chapeaux qui finit par récupérer et corrompre le truc. Donc oui, avoir pris le micro sans rien d'autre ça a dû influer sur le caractère sobre du flow. Le problème du Spoken Word, c'est toute cette emphase lyrique d'opérette qui a fini par prendre le dessus. J'ai rappé dans la rue, au parc, comme tout le monde qui fumait du shit à l'époque. Si tu rappais pas, tu faisais la beatbox. Je fais du rap parce que c'est le format contemporain de la poésie et parce que j'aime les grosses lignes de basse.

Concernant tes influence en matière de rap français, dans ma chronique je fais référence à Booba et MC Jean Gab'1, mais je ne suis pas sûr de moi sur ce coup. Tu te reconnais dans ces artistes ?

Booba et Gab'1 c'est bien vu parce que je me retrouve dans ce que tu dis. Et c'est marrant d'ailleurs de lire 'pose virile', ou 'parler direct', parce que c'est les intentions. Booba, c'est difficile de pas être influencé par Booba, parce qu'on l'a tous écouté, par contre MC Jean Gab'1 il a pas influencé tout le monde, mais moi si. Son album Ma Vie je l'ai beaucoup écouté.

Quels sont les autres artistes qui t'ont le plus influencé ?

AKH sur le Black Album, Oxmo Puccino sur l'album L'amour est mort et Booba sur des morceaux comme Tallac, l'intro de Panthéon, la vie en rouge sur Autopsie Vol.3 je crois, Salade, tomates oignons, etc… tous ces classiques. Après il y a Joey Rres-sta, il me fait penser à un de mes oncles, je saurais pas dire, de mon oncle ou de lui qui m'a influencé, mais là c'est plus le personnage, des mecs entiers, sanguins, ils s'en battent les couilles, ils sont toujours prêts à mettre un coup de tête. Il y a des gens, leur message aux autres, ils le passent de la manière dont ils mènent leur vie.

Après, les rappeurs qui m'ont influencé, ils sont beaucoup d'autres horizons et c'est dû aux voyages. On écoute la musique de la communauté dans laquelle on vit, il y a La Mala Rodriguez, Mucho Muchacho et Solo los Solo en Espagne, Racionnais MC's et MV Bill au Brésil, Tego Calderón de Puerto Rico, Roots Manuva et Braintax pour l'U.K. Pour les États-Unis, Cypress Hill, RZA du Wu Tang, Rampage du Flip Mode Squad et Gucci Mane.

Je donne pas ces noms pour faire style. Je tombais sur l'album d'un de ces artistes et je le saignais pendant des mois. Mais ça c'était avant qu'on écoute la musique sur internet. On zappait moins vite à l'époque.

Ah ouais et j'aime beaucoup ce que fait Rick Ross et Riski.
Et Peewee Longway et Future. Bon je m'arrête là.

Tes références sont très variées. Je ne connais pas du tout les groupes espagnols et sud américains dont tu parles par contre.

Ça fait obscur ces noms mais c'est des artistes reconnus dans leur pays. Et ca vaut le coup de taper leurs noms sur YouTube.

On pourrait aussi te comparer à Bernard Lavilliers. Tu en penses quoi ?

Pour Bernard Lavilliers c'est David Gourmette qui dit ca, je pense, plus pour le côté mec de la zone qui est parti sous les tropiques, bref pour la démarche. Après j'ai pas écouté la musique de Lavilliers, sauf ses singles sur Nostalgie, genre On the road again. D'ailleurs mon prochain EP, je vais l'appeler Sur la route (encore) mais c'est plus en référence à Sur la route de Kerouac et La Route de la faim de Ben Okri (qui est un putain de classique de la littérature contemporaine du même acabit que Cent ans de solitude de Garcia Marquez). Mais je trouve ca cool de faire des clins d'œil à la chanson française parce que c'est notre héritage. Au début des 1990 on écoutait pas de rap, on écoutait Francis Cabrel. Avec mon père dans le combi sur la route, quand on réparait la bagnole ou quand on bricolait on était branché sur radio Nostalgie. Ca passait des titres comme Brigitte Bardot - la plage ensoleillée

Les beats sur lesquels tu rappes sont assez particuliers. On y sent plus une influence des sonorités britanniques, très dubstep, que du rap américain, non ?

Dans mes influences musicales, y a The Cure, The Clash, Pink Floyd, le TripHop de Portishead et Archive, le reggae de Steel Pulse, le dub de Dub Syndicate, c'est tous des anglais. Donc oui, j'accroche aux sonorités britanniques. Mais les producteurs de mon EP sont tous d'obscurs ricains. J'ai aussi écouté du reggae et du dub jamaïcain. L'Archology de Lee Scratch Perry, je l'ai saigné. Dans le HipHop, un type qui m'a beaucoup marqué c'est Prefuse 73 qui est à l'origine de la glitch et RJD2. Ce que j'ai toujours écouté aussi c'est le blues électrique de Muddy Waters. Après y a des trucs éclectiques comme Paolo Conte qui est un artiste de Jazz variété italienne, l'ambient des séries café del Mar d'Ibiza, la Tarrashinha d'Angola... J'ai 37 piges, j'ai écouté de la musique bien trop longtemps. Je suis rincé.

Pour les prods je cherche une vibe bien particulière, je les trouve sur soundcloud avec les hashtags #glitch #dub #bass #downtempo #ambient #chill #glitchhop #trapdub . je fouille, j'y passe des soirées entières, c'est une perte de temps incroyable.

Comment travailles-tu sur la production ? Avec qui collabores-tu ?

Haha je travaille tout seul. Avant que j'enregistre mon EP, un ingé son au Kenya, m'a envoyé un texto avec une liste du matériel que je devais acheter et l'adresse de la boutique à Nairobi : une carte son externe, un micro Shüre, avec le rond qu'on met devant, un trépied et la version Protools de base. Et je me suis démerdé avec ca. Je devais enregistrer la nuit chez moi parce que la journée y avait trop de bruit dehors et le soir les voisins mettent leur télé à fond de volume. Le peu de mixage qu'il y a je me suis débrouillé à équaliser comme je pouvais. J'ai fait un peu de progrès depuis avec mon dernier morceau. Mais j'aime pas passer du temps sur des aspects techniques, les tutoriels très peu pour moi, donc c'est souvent fait à l'arrache. Par contre pour poser la voix, je prends le temps qu'il faut jusqu'à ce que je trouve le ton, le grain et l'interprétation qui sonnent juste.

Ton prochain projet Sur la route (encore), tu en es où ? Tu as une date de sortie ? Est-ce que En Attendant le lever du soleil en fera partie ?

Sur la route (encore) je me suis mis à chercher des prods il y a trois mois. Là je creuse toujours. Je pense que ça va mettre au moins un an à se faire. EA2LDS c'est l'épilogue d'il était une fois le barbouze, comme dans les films, BARABARA rangé des bagnoles, mais pas tout à fait. Comme l'EP était très sombre, je voulais un truc qui aille vers la lumière. Et puis ça annonce le prochain EP vu qu'on repart sur la route. C'est une transition.

Donc, on peut s'attendre à un prochain épisode plus heureux ?

J'ai aucune idée de quoi je vais parler dans le prochain épisode. Plus heureux je sais pas, mais je voudrais qu'il soit plus rock n'roll en tout cas. Je vais me remettre à écrire dès que je reprends la route. Je me fais pas trop d'illusion, je vais sans doute repartir comme en quarante au Sud Soudan.

Merci.

– Relire la chronique
– Et télécharger Il était une fois le barbouze sur CaptchaMag

$uicideboy$

DrNoze & Jocelyn Anglemort — 2015-10-12T08:26:21Z

Les deux cousins suicidaires de la Nouvelle Orléans, avec leur "devil shyt" cloudy, ne sont que la partie émergée d'une scène foisonnante qui revisite le rap démoniaque de la Three 6 Mafia.

$crim (AKA Yung Chri$t, Slick Sloth...) et Oddy Nuff (AKA Ruby Da Cherry, Da Snow Leopard), le duo de rappeurs louisianais revisite l'héritage sataniste du rap de Memphis des années 1990, tendance Triple 6 Mafia, comme l'ont fait Bones ou les membres du Raider Klan avant eux, en y ajoutant une bonne dose de sensibilité, de culture geek et d'ironie. En l'espace de deux ans, les $uicideboy$ ont réussi à créer une oeuvre solide et conséquente qui passe de moins en moins inaperçu.

Le spleen du bayou

La technique rapologique des deux garçons suicidaires reste simple et dans la tradition d'un rap de genre. Mais en surjouant, au ralenti, le "double time" typique de Lord Infamous, en poussant plus avant les mélodies caverneuse de Koopsta Knicca, et en ajoutant à la sauce des hurlements guturaux venus du metal, ils font avancer, malgré tout, le genre et l'emmène dans de nouvelles directions. Les arrangements vocaux sont très construits, et les flows des deux compères sont riches et versatiles. Cela s'en ressent particulièrement dans leurs dernières livraisons. Ils marient dans leurs morceaux, leur lugubre passion pour le Three 6 Mafia, les opiacés et la codéine, avec des références à une culture internet faites d'anime, d'aliens et de théories du complot.

Les beats, tous concoctés de main de sorcier par $crim (celui avec les mèches), sont de leur côté, de tout premier choix. Également bien calés sur les railles du genre, ils sont clairement basés sur les recettes qui ont fait le succès de DJ Paul (abondemment cité et samplé) et du Memphis des années 1990. Cependant nos deux chevelus aux croix à l'envers, y ajoutent un feeling "cloudy" et des sonorités "fleur bleue", donnant à leurs ballades suicidaires une saveur doucâtre qui les rends plutôt conviviales.

4. What does the theme of suicide represent in your name, lyrical content, and overall aesthetic ?
Kill yourself.

– A Selfie with $uicideboy$ (Internet Hippy)

Si la musique du duo, moite et bourbeuse, évoque à la perfection le climat de leur région, les visuels du groupe, et leur clips vidéos, concoctés par Oddy Nuff (celui avec la grosse chevelure), ne sont pas en reste. Ils rejouent une imagerie rap gothique, faites de spleens désabusés et de descentes difficiles autour de piscines fanées, en surimpression de bayou sous dégradations VHS.

Kill Yourself

$crim a commencé à mixer à l'age de 13 ans. De clubs en mixtapes, il finit par se faire une réputation dans les milieux indépendants. Ce qui l'amena à signer un contrat d'un an avec le label Universal Republic, comme producteur maison. Il y aurait notamment produit le beat pour Ain't Worried About Nothin, le hit de French Montana. En 2013, il met cependant fin à un contrat avantageux, mais qui ne lui permettait pas de travailler sur des projets plus personnels.

Comme on est décidément bien mieux en famille, il décide alors de s'allier à son cousin, Oddy Nuff, également musicien et qui fait du bruit depuis une dizaine d'années, comme batteur et vidéaste, dans la scène punk-rock de la Nouvelle Orléans. Ils échafaudent ensembles le projet $uicideboy$ qui mixera les imageries metal et rap. $crim s'occupera de la production, Oddy Nuff de l'imagerie, et tout deux rapperont, non sans une bonne grosse dose d'ironie, des lyrics cyniques et désabusées jusqu'à l'absurde, sous les masques d'une ribambelles d'alter egos. En découlera en 2014 une série de mixtapes bien nommée KILL YOURSELF, qui sera diffusée très régulièrement sur leur Bandcamp, et qui compte à ce jour 10 épisodes.

All of this pussy the devil
All of this cash is the devil
All of this ash is the devil
All of these pills is the devil
All of this lean is the devil
I wont go to heaven

– $uicideboy$

Afin de rester complètement indépendants, les deux compères montent ensemble la structure G*59 Records, qui accompagnera également le rappeur Ramirxz (voir ci-dessous).

En cette année 2015, nos rappeurs gothiques sont en forme, ils continuent à nous livrer pas moins d'un projet par mois, souvent au format court (entre cinq et sept morceaux pour beaucoup), et dont la qualité ne fait que s'affirmer de sortie en sortie. La dernière en date, My Liver Will Handle What My Heart Can't, est plus fournie qu'à l'accoutumée. Elle est également plus sombre et violente que les précédentes.

My Liver Will Handle What My Heart Can't by $uicideboy$

Mais toutes sont recommandables et on conseillera à l'auditeur curieux, mais à l'emplois du temps chargé, de commencer avec les projets courts, comme, par exemple, $outh $ide $uicide (en compagnie de Pouya) ou Black $uicide Side C (avec Black Smurf), qui sont une bonne porte d'entrée à l'univers des $uicideboy$.

Cependant, chaque projet est vraiment de qualité et possède au minimum une tuerie. Et rapidement, on se surprend à attendre, comme pour une bonne série, la prochaine livraison, et notre dose de spleen du bayou.

– Bandcamp
– Tumblr
– G*59

En 2015, une foule de jeunes musiciens nagent dans les mêmes eaux boueuses que les $uicideboy$. On a demandé à Jocelyn Anglemort, éminent spécialiste de la question et dont les nombreux mixes font la part belle au rap satanique du sud des États-Unis, de nous faire une visite guidée.

La voici, accompagnée d'une sélection de titres à télécharger :

– Télécharger la musique

Pour plus de diablerie

Planqués derrière des appellations comme "trill" , "phonk", et marqués par une imagerie satanique un peu cheap, on retrouve une montagne de rappeurs/producteurs low-fi biberonnés aux sorties Hypnotize Minds, à Tommy Wright III et Playa Fly, ce son crado et vampirique du Tennessee.

Abrogé de contraintes géographiques, Soundcloud et Bandcamp en regorgent. Heureusement, dans les ténèbres du web, certains brillent plus que d'autres. Sélection.

⁃ Smug Mang a grandi dans une réserve indienne à la frontière canadienne, son empoisonnement aux Xanax bars décuple la léthargie souvent symptomatique de cette scène. Je conseille le projet Depressed Millionaire, et en cette triste actualité le morceau « Samurai » avec son sample de Koopsta Knicca.

⁃ Bukkweat Bill, texan élevé en Floride, c'est un peu le Fetty Wap que l'on ne peut pas domestiquer, celui qui produit la plupart de ses morceaux, les poches toujours bien remplies de cailloux.

⁃ SCHEMAPOSSE c'est le rappeur/producteur JGRXXN qui invite son répertoire téléphonique pour composer des mixtapes. Compilations indispensables, et peut-être un des rosters les plus intéressants du moment (DJ KILLA C, Zootleggz, SmokeOutDog..).

⁃ Mr Sisco (Détroit) est, malgré son jeune âge, déjà assis une discographie qui fait mal au crâne, et qui mériterait à elle seule un article, aussi bien en tant que rappeur qu'à la production. Pour commencer, je conseille l'album Detroit Gucci Mane et le double-disque More Than Just Beatz, un chouette best-of, et pour approfondir voici une très bonne interview en français (par Jean-Pierre Labarthe).

⁃ Dj Smokey est surtout connu comme producteur pour Yung Simmie (désormais en beef, j'ai peur que l'intérêt pour le rappeur chute rapidement). Gorgés de samples, toutes ses k7 sont des tueries. La BO d'une arrivée extra-terrestre où tout le monde s'allume à la psilocybine en jouant à Mario Kart. L'avenir, c'est lui.

⁃ La particularité de xoxaineDEEZY c'est son côté "smoof" et "laidback". Moins caverneux que les autres artistes cités ici, on retrouve tout de même de longues et lourdes basslines pour accompagner ses histoires de fumette et de cadavres.

⁃ G.O.D.S est un collectif qui regroupe 11 rappers et producteurs basés un peu n'importe où sur la planète. Mention spéciale à Fukkit (Floride) pour son très-bon-mais-trop-court Miami Hotboy et au très productif californien Ramirxz.

⁃ SO6ix c'est Locodunit et Lil Infamous, le fils de Lord Infamous, qui perpétuent la tradition familiale avec un mimétisme assez fou. Le projet a évidemment sa limite, c'est un peu Rap Game Gérald Dahan où on rappe sur les instru' de la Triple Six en déroulant les flows et thèmes des aînés. Mais comme watching me est un incroyable tube, ça suffit à s'y intéresser.

⁃ Baker x Phonk c'est toujours la même histoire. Quand ce ne sont pas de géniaux et ténébreux instrumentaux, on y parle de Nashville, son diable, sa dope, son sang qui coule, etc.. Ici on invente pas la machine à courber les bananes, mais la tape Night Breed est une tuerie.

⁃ Black Smurf pose sa voix éraillée à la Garou sur des instru' rappelant Philip Glass, mélodies enfantines et échos déchirants. Pas vraiment dans l'esprit d'une sortie à Walibi schtroumpf.

⁃ Enfin, je me devais quand même de parler de Chris Travis, Yung Simmie, Denzel Curry, Key Nyata, Spaceghostpurrp, soit le Raider Klan et le reste de la FLoride, sûrement les plus visibles de cette scène. Alors j'ai choisi un morceau de Robb Bank$, parce que son tout frais Year Of The Savage est excellent, et aussi parce que c'est sans doute celui qui possède l'espérance de vie la plus courte.

– Télécharger la musique

Portrait : Metro Boomin

DrNoze — 2015-09-15T08:30:05Z

En 2015, Metro Boomin, du haut de ses 21 ans, est un producteur qui compte sur la scène rap. En cinq ans, il s'est fait un nom, a enchainé les tubes avec les meilleurs, et a participé de manière active a définir ce qu'est un beat de rap aujourd'hui.

Avec ses synthétiseurs affolants et ses rythmiques fines et complexes, bardées d'énormes basses et de mitraillettes de caisses claires, la musique de Metro Boomin poursuit clairement l'héritage de Shawty Redd, mais aussi de Lex Luger et de Zaytoven. Sa musique peut paraitre inquiétante et martiale au premier abord, mais elle s'avère pourtant, au final, plutôt chaleureuse et accueillante.

Ses productions, à la première écoute, pourraient passer pour de la trap de club efficace mais générique. Elles font pourtant évoluer le genre de l'intérieur en en modifiant les structures, et en le frottant à d'autres influences. Ses morceaux sont ainsi souvent composés de différents mouvements, et proposent des architectures musicales complexes, aptes a pousser les rappeurs à sortir le meilleur d'eux-mêmes.

Avec ses compagnons de route, comme Sonny Digital, Southside ou TM88, Metro Boomin a participé a redéfinir le son d'Atlanta, une des scènes les plus influentes de ces 10 dernières années.

From St. Louis

Le jeune Leland Wayne grandi à St. Louis, dans le Missouri, avec sa mère où il passa une enfance calme et sans histoire. Passionné de musique depuis très jeune, il joue tout d'abord de la guitare dans un groupe avec des potes de son école. Mais il lâchera cependant rapidement l'affaire, car la musique qui le fait vraiment rêver c'est celle de tous ces rappeurs qu'il écoute alors en boucle.

Il décide donc de se consacrer au rap et c'est, au début dans l'unique but de s'accompagner, qu'il confectionne ses premiers beats. Il fait alors l'apprentissage de Frooty Loops, logiciel qu'il utilise toujours aujourd'hui, et se prend rapidement au jeu de la production. C'est finalement vers 13 ans qu'il abandonne définitivement le rap, pour se consacrer sérieusement au beatmaking.

La conception de beats deviendra alors une véritable obsession pour Leland. Il passera dorénavant tout son temps libre a composer, un casque sur les oreilles et les yeux fixés sur l'écran de son ordinateur portable.

Leland Wayne est a cette époque un fan de Mannie Fresh et de tout son travail de producteur pour le label Cash Money. Il adore également le controversé Soulja Boy, ses délires un peu fous et sa façon décontracté de démocratiser le rap. Mais pour lui, le son du moment c'est véritablement celui de la scène trap d'Atlanta. Ce sont les beats de Zaytoven et Lex Luger, et ces rappeurs avec un grain de folie, comme Gucci Mane ou OJ Da Juiceman, qui l'influenceront le plus.

To Atlanta

La capital de la Géorgie est alors la Mecque du rap et les jeunes producteurs en herbe qui rêvent de gloire regardent Atlanta de la même façon que les apprentis comédiens regardent Hollywood. Leland sait que si il veut faire carrière dans le rap il faudra y aller à un moment ou à un autre, la seule question c'est quand.

Dès qu'il a un instant, il traque les acteurs de la scène d'Atlanta sur les réseaux sociaux. Il envoie des beats a tout le monde, tout le temps. A force d'insistance il finit par se faire remarquer dans le milieu, comme étant "ce gamin qui casse les couilles à tout le monde sur Twitter". Ce qui finira par porter ses fruits.

C'est finalement OJ Da Juiceman qui sera le premier rappeur reconnu, à poser sa voix sur une instru concoctée par le jeune Metro Boomin. Convaincu par sa prestation, l'homme "jus d'orange" lui confira 6 titres sur son Cook Muzik en 2011, et le présentera à Gucci Mane, son ami d'enfance. Leland a alors 17 ans et cette année sera certainement un des tournants les plus important de sa vie.

Gucci Mane est, au tournant des années 2010, un pilier incontournable de la scène rap d'Atlanta, sa pierre angulaire. De Waka Flocka Flame à Young Thug, en passant par Young Scooter, le "Big Guwop" à toujours su dénicher les talents et leur donner une exposition, dans ses nombreuses mixtapes ou sur son label, le 1017 Brick Squad. Derrière la figure du gangster au bord de la folie, Gucci est une vraie bête de travail qui, quand il n'est pas derrière les bareaux, passe littéralement sa vie, nuit et jour, en studio. Et c'est dans son studio que défile alors, quotidiennement, le meilleur de la scène trap d'ATL.

Metro Boomin, qui signe à l'époque ses beats Metro ou Metro Beatz, profite de ses vacances scolaires pour les passer à Atlanta et c'est donc chez Gucci que le jeune lycéen rencontrera le gratin de la scène trap. Il se retrouvera rapidement à faire des beats pour de plus en plus de monde, dont trois titres pour Alley Boy sur Definition Of F*ck Shit en 2011. Il décidera de s'installer en 2012 à Atlanta pour y faire des études de commerce en parallèle de sa carrière musicale. C'est également là qu'il fera la rencontre de Future.

– Voir une interview du jeune Metro Beatz à 17 ans

Future

2011 est également une année charnière pour un autre personnage très important de la scène d'Atlanta. Cela fait une bonne dizaine d'année que Future gravite autour de la Dungeon Family, a écrire pour les autres ou a lâcher un refrain par-ci, par-là, mais c'est bien en 2011, avec les mixtapes Dirty Sprite et True Story, qu'il commence sérieusement à se faire un nom.

Début 2012, Future vient de sortir Pluto, son premier album studio, et est une figure montante d'Atlanta quand il fait la rencontre du jeune Metro. Il sortiront rapidement Hard, un single qui marquera le début d'une longue et fructueuse collaboration.

Ils sortiront ensemble de nombreux morceaux marquants, comme le très efficace Karate Chop, le complexe Maison Margiela, l'explosif et étonnant Chanel Vintage ou encore le romantique Honest qui donnera son nom à son troisième album. Rebaptisant au passage un projet qui était annoncé avec le nom de Future Hendrix depuis des lustres.

C'est d'ailleurs après l'énorme succès de Karate Chop, que Metro Boomin décidera de quitter la fac pour de bon, n'arrivant plus à tenir le rythme entre ses études et sa carrière musicale, qui prendra à ce moment là une vitesse superieure.

Want Some More

Avant d'avoir sa propre maison et son home studio personnel, il habitera dans un premier temps chez le producteur Sonny Digital, qui le prendra sous son aile, lui fera office de grand frère et achèvera sa formation. Il travaillera alors souvent en co-production avec les beatmakers gravitants autour de Sonny et du collectif de producteurs 808 Mafia.

Définitivement social et aimant le travail collectif, il partagera plus tard avec ses amis producteurs, des gens comme Sonny Digital, Spinz ou Southside, une maison dont chaque pièce est transformée en studio. Véritable bouillonnement d'influences, c'est de cette maison que sortiront certainement la plupart des innovations formelles qui feront ce qu'est devenue aujourd'hui la "nouvelle" trap music.

Il y a toujours du passage au studio, c'est tout le temps un peu la fête, et ça sent la weed dans toutes pièces. Metro possède une personnalité studieuse, il ne boit pas et ne se drogue pas. Mais la présence de tout ces fêtards quand il travaille ne le dérange pas, bien au contraire. La façon dont tous ces rappeurs réagissent à la musique qu'il est en train de composer est, selon lui, un élément important de son processus de création.

" It helps watching a lot of rappers reactions, like watching what in a beat makes them wanna align with it. Certain things you have to watch them and see what really gets the oohs and ahhs out of them, and you come back harder with that. »

– Metro Boomin, The Fader

Si Metro Boomin a commencé sa carrière en envoyant aux rappeurs des beats par email, ce qu'il préfère avant tout est le travail de studio avec les rappeurs. Il aime particulièrement les rappeurs n'hésitent pas a rester enfermés dans un studio pendants des dizaines d'heures pour peaufiner un morceau, comme Future et sa célèbre Batcave.

Et ce sont ces allers-retours entre le rappeur et le producteur qui font le sel des meilleurs titres de Metro. C'est cette façon qu'ont les mélodies et les rythmiques de paraitre littéralement tourner autour du rappeur, pour le titiller et le pousser a vraiment se donner à fond.

Young Thug

Metro Boomin est fidèle et aime le travail à long terme avec les rappeurs. Un autre rappeur avec lequel il aura une collaboration fructueuse, c'est Young Thug, qu'il rencontrera également chez Gucci Mane. La spontanéité de l'un se mariera parfaitement avec le perfectionnisme de l'autre.

Il semble évident, à leur écoute, que des morceaux comme Can't See Em, ou Some More, sortis tous deux sur la mixtape de 19 and Boomin, sont le résultat d'un véritable travail d'équipe. On entend les heures passées, à deux dans le studio, à travailler sur les beats et la voix, à faire des modifications jusqu'à ce que l'ensemble fonctionne parfaitement.

Rapidement les deux compères se trouvent des affinités artistiques, et la folie créatrice du rappeur poussera le producteur a sortir ses meilleures productions. Une affinité qui les poussera à travailler ensemble sur un projet commun annoncé sous le nom de Metro Thuggin, et qui est repoussé régulièrement depuis plus d'un an.

Everybody who asks me about Metro Thuggin, don't ask me anymore, ask @300

— Metro Boomin (@MetroBoomin) 15 Août 2015

La sortie de ce projet est certainement compromise par les équipes de management de Young Thug (Cash Money et 300 Entertainment) qui semblent préférer donner à leur protégé d'autres couleurs musicales. Celle, notamment de London on the Track sur la mixtape Rich Gang : The Tour, Part 1, puis celle de Wheezy pour l'album numérique Barter 6.

Si la mixtape ne sort pas, nos deux compères lâchent régulièrement des singles, qui, comme The Blanguage, Warrior, Speed Racer ou Free Gucci (hommage au mentor incarcéré), sont à chaque fois de véritables tueries. De quoi faire déjà, un très bon petit EP.

Some More to come

Depuis que Gucci Mane est en prison, il manque certainement un point de gravitation pour les nouveaux talents d'Atlanta. Mike WiLL Made-It tente de prendre ce rôle, mais Metro Boomin à également une bonne oreille. Il montre une ouverture d'esprit particulière en misant sur le farfelu ILoveMakonnen.

Il adore son délire, une "bedroom pop" étrange et teintée de rap, et lui propose de faire ensemble, des morceaux plus carrés. Il le présente à Sonny Digital et au reste de ses amis producteurs. Deux mixtapes, I Drink More Water 4 et I Love Makonnen, sortiront, en juin 2014, de ces collaborations. Elles rencontreront en un été un étonnant succès.

À la toute fin 2014, sa participation, en co-production avec Zaytoven, à un titre de l'album The Pinkprint, de Nicki Minaj, sonne comme une consécration et l'intronise dans le monde du rap mainstream. D'autant plus que le titre du morceau, Want Some More, comme une sorte d'hommage, reprend la signature que Metro Boomin pose sur ses instrus.

Si Metro Thuggin tarde a pointer le bout de son nez, sa collaboration avec Future semble se resserrer de plus en plus. À l'été 2015, il participe à pas moins de 11 titres sur les 13 que contient Dirty Sprite 2, incontestablement un des albums les plus marquants de l'année.

Un autre projet passé à la trape est son projet solo, 20 & Boomin, originalement prévu pour septembre 2014 (à l'occasion de son anniversaire), et qui devait faire suite à l'excellente mixtape 19 & Boomin. Cette dernière était sorti l'année précédente et avait été très remarquée. C'est clairement cette dernière qui l'avait propulsé sur le devant de la scène et l'avait fait connaitre du public. Peut-être passera-t-il directement à 21 & Boomin ?

Mais le jeune producteur n'en est plus à avoir besoin de sortir ce genre de projet solo pour se promouvoir. Aujourd'hui Metro Boomin s'affiche dans les clips, rempli les salles de spectacles, et est devenu à son tour, un modèle pour une nouvelle génération de producteurs.

Illustrations : DirtNoze

Dean Blunt

Pierlo — 2014-11-17T08:25:57Z

Partir à la découverte du londonien Dean Blunt est une véritable quête. On cherche, on fouille de blogs en blogs pour tomber sur des infos éparses, des bouts de mixtape et de tracks, et de nombreuses vidéos étranges, mais peu d'infos sur son parcours.

Ses faits d'arme remontent au duo anglais expatrié à Berlin, Hype Williams formé avec sa compagne de l'époque Inga Copeland avec qui il a enregistré une série de mixtapes expérimentales et les albums One Nation (2011 - Hippos in Tank) et Black is Beautiful (2012 - Hyperdub).

(on reconnaît parmi tant, des bouts de Biz Markie, une note adressée à Drake sur do roids and kill e'ryting)

Pour l'anecdote, on apprendra que ce dernier a été enregistré dans une période trouble pour le couple déjanté : Inga Copeland était au camp de formation de l'équipe féminine d'Arsenal pendant que Dean Blunt se retrouvait impliqué dans une affaire de pillage de 16 taxidermistes londoniens en une nuit en quête de… ratons-laveurs empaillés.

Parallèlement il publie en 2012 son 1er album solo The Narcissist II (Hippos in Tank) qui le confirme en génial alchimiste expérimental. Il pose sa voix profonde et calme, et celle soyeuse de Inga Copeland sur un magma de petites mélodies de synthé lo-fi et des samples piochés ça et là. Impossible de se repérer dans cet épais brouillard toxique, il n'y a qu'à se laisser embarquer.

En 2013, à la suite de sa rupture avec Inga Copeland, il publie le génial The Redeemer (Hippos in Tank). Le brouillard s'est dissipé, laissant place à la mélancolie. L'album, très construit dans sa continuité repose sur des fondations faites de collages bizarroïdes. L'ambiance est crépusculaire et habitée par une certaine sagesse. Un vrai petit bijou qu'il dira avoir façonné en utilisant The Narcissist II comme outil.

Black Metal

Black Metal est sorti ce mois de novembre 2014 sur le plus "sérieux" label Rough Trade. il succède clairement à The Redeemer. Les premiers morceaux sont des ballades douces amères sur des arrangements instrumentaux guitare-basse-batterie qui font penser à la pop indé de Mazzy Star.

Puis il nous embarque dans des endroits ténébreux, la chanteuse Joanne Robertson distille sa voix stellaire, les instruments déraillent laissant s'imposer la boîte à rythme et le sampler, le brouillard revient, on passe de l'ambient au dub au noise. Un sax 80's fait son apparition et les balises disparaissent.

Pour le détail, Dean Blunt a pris grand soin de préserver le mystère jusque dans le packaging, en ne mettant ni visuels ni quelconques informations, titres ou crédits. Tout est noir : de la pochette aux rondelles des vinyles.

Le style de Dean Blunt s'affirme et se confirme au grès des ces 3 albums qui pourraient former une sorte de triptyque à écouter d'affilée et en boucle... Et se laisser happer par le mystère.

Aphex Twin, Syro, Warp et la vente de disques en 2014

Silvan — 2014-09-24T10:33:04Z

C'est probablement l'évènement du mois dans tous les médias de culture électronique : la sortie du nouvel album d'Aphex Twin, Syro, le 22 septembre. Pour cause, Richard D. James – considéré comme un papa de l'IDM (Intelligent Dance Music) – n'avait pas sorti d'album depuis 13 ans.

Quand on est novice en la matière, une écoute d'Aphex Twin ça se passe souvent comme ça :

On commence par être déstabilisé par les sons kitchs ou le manque de repères rythmiques et mélodiques stables. On trouve ensuite un certain confort (le mot est tout relatif car parfois ça fait quand même bien saigner les oreilles) dans un beat qui s'installe ou dans une suite harmonique et on est ainsi conduit vers un final où la surprise s'est complètement faite oublier. On finit par entrer dans son monde et y est bien. C'est dansant ou rassurant, un peu violent aussi, mais on pourrait rester là pendant un moment parce que l'ambiance est à la fois tendue et rassurante. Et c'est ça qui est bien...

Au final, tout cela s'est passé sans que l'on s'en rende vraiment compte. On commence toujours l'écoute en se disant : « ah ouais, c'est barré ! » et on la termine souvent en se disant « c'est génial ! », sans être trop capable de dire à quel moment on s'est fait embrigader.

C'est peut-être la marque du génie de cet Anglais ; la capacité à brouiller les pistes entre ce qui est complexe et ce qui est évident.

À l'écoute de Syro, j'ai eu exactement cette réaction. Un simple coup d'œil au nom des pistes avant l'écoute et on comprend vite le genre de la maison (par exemple : « 4 bit 9d api+e+6 », « Fz pseudotimestretch+e+3 » ou bien encore « S950tx16wasr10 (Earth Portal Mix) »). Puis on en ressort en se disant qu'il est encore capable de faire les choses bien, même après tant de temps.

Voilà le premier morceau de l'album :

Aphex Twin - minipops 67 [120.2][source field mix]

Bref, c'est un bon album dont on aurait pu faire une chronique détaillée mais internet en regorge et il y a certainement bien d'autres choses à dire.

Ce qui a été vraiment marquant, au moment de cette sortie, c'est le plan de communication orchestré par Warp qui en dit long sur la santé du label et sur un certain rapport à la musique aujourd'hui.

Dans l'ordre, ce plan de communication donne ceci :

En juin dernier : La vente sur eBay d'un exemplaire de Caustic Window (pour $46.300) à Markus « Notch » Persson, créateur de Minecraft. Album inconnu de l'artiste, il était sorti en 4 exemplaires de test en 1994 et venait d'apparaître mystérieusement sur eBay ;
Mi-août, un dirigeable survole l'Oval Space, dans l'Est de Londres ;
Deux jours après, la tracklist est disponible depuis un lien vers le deep-web ;
Début septembre, un vinyle avec un superbe artwork sort à son tour. Il contient notamment une page faisant figurer l'intégralité des instruments utilisés pour la production de l'album ainsi qu'une liste des notes de frais de l'album ;
Au même moment, des séances d'écoutes sont organisées dans plusieurs endroits branchés à travers le monde.

Est-ce vraiment un coup de génie comme l'ont dit les Inrocks ? Aphex Twin n'a pas sorti d'album en treize ans, Warp peine à faire renaître l'étincelle qui faisait vibrer le label à ses débuts et un grand coup marketing aux antipodes de l'image du musicien réservé et solitaire « tient du coup de génie » ?

Personnellement, j'ai trouvé ça complètement disproportionné. D'une part, parce qu'on attise le vieux mythe du génie musical ; celui du type qui est capable de faire naître des pépites quand il veut, de sortir de l'ombre et de révolutionner le monde de la musique alors que ce genre de type n'existe pas. D'autre part, bien que la musique d'Aphex Twin soit relativement singulière dans le paysage musical électronique, Syro est un bon vieil album d'Aphex Twin. Il ressemble énormément à ce qu'il a pu faire auparavant (à la différence du duo anglais d'Autechre qui a réussi un album vraiment original en 2013, avec Exai) et ne nécessitait pas un tel coup marketing car l'album déçoit nécessairement, bien qu'il soit très bon. Syro n'est malheureusement pas une nouvelle révolution musicale portée par ce grand artiste. Rien ne nécessitait de faire tant de promo et surtout de sortir la vilaine arme du buzz.

Warp a connu son heure de gloire et bien que le label semble se maintenir en forme, ça commence à faire quelques temps que je n'ai pas été vraiment enthousiaste à l'égard d'une de leurs sorties (ce n'est peut-être que mon avis). Quand Richard D. James leur annonce qu'il veut sortir un nouvel album, on imagine bien leur réaction. Leur prestige est né en partie du travail d'Aphex Twin au sein de leur label et un gros plan de communication s'impose, c'est peut-être le renouveau de Warp qui est au tournant !

Là est le problème. Suivant la politique du buzz, le label se dit qu'il doit trouver des stratégies de communication pour faire parler de l'album. Pourquoi ? Ne peuvent-ils pas assumer ce réel contre-pied – résolument indépendant – qu'ils avaient à leurs débuts et favoriser une communication lente, respectant l'image de leur artiste ?

Aphex Twin est quelqu'un d'ambitieux mais toujours discret, très peu présent dans les médias et extrêmement posé dans les rares interviews qu'il donne. Il disait à Tsugi : « Si je n'étais pas aussi timide, je me verrais bien à la place de Beyoncé ». Et bien sûr, que fait le service communication de Warp pour être en accord avec cette image ? Il déploie un gros dirigeable au dessus de Londres... Tout va bien, pourquoi ne pas mettre des t-shirts Aphex Twin au pandas dans les zoo du pays ?

Considéraient-ils que la notoriété du personnage ne suffisait pas ? Aphex Twin a clairement marqué l'histoire de la musique, c'est une certitude. Pourquoi utiliser de vieux artifices quand on n'a pas besoin de ça pour alimenter les légendes autour de l'artiste ?

La même année, le Wu-Tang Clan sortait Once Upon a Time in Shaolin, un album à exemplaire unique enregistré sur six ans et mis en vente aux enchères (une première offre ayant fixé l'estimation à 5 millions d'euros...). L'année précédente, Beyoncé sortait un « album-visuel » sans aucune annonce préalable et dans le plus grand secret pour jouer sur l'effet de buzz. Les Daft Punk sortaient un album de pop/funk en jouant sur l'image de leur éternel casque – qu'ils diffusaient dans un clip vidéo de 15 secondes en introduction de l'émission Saturday Night Live. De la même manière, il y a quelques jours seulement, U2 imposait son nouvel album dans la bibliothèque iTunes de tous les propriétaires d'iPhone, ce qui n'a pas été du gout de tout le monde. Est-ce comme ça qu'on vend des disques en 2014 ? On diffuse aux médias une information simple et « choc » en attendant que le buzz fasse son effet ? Que U2 et Daft Punk jouent le jeu, on le comprend assez facilement puisqu'ils sont dans de grosses maisons de disques et que cette technique de marketing agressif a de bonnes raisons d'y avoir une place. Mais quand les « labels indépendants » s'y mettent, c'est décevant. Ils se retrouvent à défendre – volontairement ou non – le fameux adage : « Faites ce que je dis, pas ce que je fais ».

Tout ça me donne le sentiment d'être face à un vrai choc culturel. D'un côté, Aphex Twin resté en marge des années 90-2000, celui qui prend son temps pour faire de la musique, qui tourne les médias en bourrique, qui joue complètement de l'image qu'il renvoie (et qui s'en fout probablement pas mal), qui vit sa vie tranquillement et fait ce qu'il aime. De l'autre côté, le label Warp, perché en 2014 voire 2015, qui se doit d'aller plus vite que les autres pour dénicher les meilleurs artistes avant les autres, commencer à faire le buzz et vendre de la musique (très cher en l'occurrence).

Ce choc est assez douloureux car il impose un rythme à la création, à la diffusion et à l'écoute. Si on suit la dynamique des buzz, on écoutera l'album jusqu'à ce qu'un autre buzz apparaisse, etc. En un sens, il faut créer de la musique vite et tout donner maintenant car demain, ça sera trop tard.

La prochaine fois Richard, sors ton album en solo et mets le simplement sur internet. Tu n'as pas besoin d'un buzz.

Lab Waste : Itinéraire

Klaus Felitz — 2014-02-11T13:20:13Z

Lab Waste est la combinaison crev-electro-rap de deux entités sonores distinctes : Giovanni Marks (aka Subtitle) et Thavius Beck (aka Adlib), tout deux basés à L.A et comptant des collaborations avec Nocando & Busdriver (Flash Bang Grenada), Saul Williams, Daedalus ou encore Madlib.

À coup de hit-tracks hybrides, la combinaison Lab Waste marque encore la scène abstract californienne, suffisamment pour tendre plus qu'une oreille.

2005

Il arrive parfois qu'un album imprime son temps, qu'il l'ouvre vers des perspectives innatendues, des terrioires aux enjeux renouvelés.

Zwarte Achteground, du tandem/combo/duo Lab Waste a ainsi imprimé l'oreille d'une texture neuve à la science combinatoire fulgurante, « le keyboard tâché de sang » pour reprendre le hit song de Giovanni Marks/Subtitle, frère-robot de Thavius Beck/Adlib formant comme Voltron, Lab Waste.

Lurk'd Model'd EP by GET CREV LABS

If you hear this message you apparently still alive

Zwarte Achteground sonne fort et vite comme la plupart des exploits électroniques du groupe, une succession de tableaux impliquant le public à la manière d'une œuvre, le langage performatif allié à une crev-wave (Giovanni Marks) aux séquences épiques (Thavius Beck), un drive-by électronique orchestré de L.A à Berlin avec en guise de tir de sommation un track intitulé Get The Signal, titre-phare de l'album dans lequel les flows s'allient pour former œuvre, instinctivement à l'avant-garde.

Vocoder, Wave & Frequencies

L.A est ainsi, à travers l'album, le bastion de ce que l'on peut entreprendre de plus audacieux, la zone la plus ouverte aux turbulences des fréquences electro-wave aux accents de vocoder préparés. Le 2-men gang élève le jeu et ce, dans une vive allégresse dans laquelle la question est celle de redéfinir la scène hip-hop californienne depuis l'ère g-funk. Ils y parviennent, dans un geste manifeste, et, placent une référence du genre au moment où l'on voit à l'est El-P et son label Definitive Jux en pleine ascension.

African American Pyscho/The Most Beautifull Ugly

Séparement, ils livrent l'année dernière, en 2013, African American Psycho (Giovanni Marks) et deux années auparavant The Most Beautifull Ugly (Thavius Beck), deux opus qui placent (encore) les deux pionniers de L.A comme précurseurs incontournables du genre.

AFRICAN AMERICAN PSYCHO by GET CREV LABS

The Future is Behind Us

Des fréquences lanscinantes épiques puis indicibles aux accents noise et lo-fi, la fréquence Lab Waste se situe dans la transition d'un real-talk rap à un rap incisif à l'ironie acide, imprégnant l'épiderme d'un souvenir de marathon de danse dont le tandem en serait l'étendard.

Dès-lors, ayant traversé le temps en tant que novateur, Lab Waste imbrique et fabrique sans la moindre retenue des perspectives futuristes avec un matériau brut typé 80's, avec lasers, vocoder et MPC, et cela dans le vif d'un rap à moitié zombie, typique de notre époque.

La froide consistance de leur morceau et leur process aux frontières d'une exposition de genre nous amènent à penser le rap comme un instrument composite, une never-ending sequence ou un continuous loop à l'instar d'un GZA, qui livre à l'auditeur une matière sonore hautement esthétique dans le croisement des époques.