FoxyLounge

International Anthem

DrNoze — 2021-05-12T13:48:11Z

Petit panorama du label de jazz qui fait bouger les lignes à Chicago, accompagné d'une sélection d'albums à écouter d'urgence.

Ecouter la playlist

Les origines du jazz remontent à la fin du XIXe siècle. Depuis plus de cent ans, ce genre musical, né dans la douleur de la rencontre entre deux cultures, n'a eu de cesse de se diversifier et de multiplier les sous genres : Swing, Bebop, Hard Bop, Free Jazz, Jazz Fusion pour n'en citer que quelques-uns. Si les échanges entre jazz, rap et musiques électroniques ne sont pas nouveaux, depuis une dizaine d'années une nouvelle génération de musiciens tente à nouveau de fusionner ces genres en évitant les rencontres un peu plaquées comme on a pu le faire à une époque avec des projets comme Jazzmatazz. Une génération qui a véritablement pris le temps de digérer l'un et l'autre style pour se les approprier en profondeur.

La bouillonnante scène londonienne, par exemple, a fait couler beaucoup d'encre ces dernières années en réactivant l'esprit de l'Acid Jazz avec ses inspirations très « club », ses morceaux finement produits, ses synthétiseurs et ses batteurs biberonnées à la drum & bass et au dubstep. Pendant ce temps, de l'autre coté de l'Atlantique des scènes tentent d'autres approches, de New-York avec le Onyx Collective, Sly5thAve ou Brandee Younger, à Los Angeles autour du label Brainfeeder de Thundercat, Flying Lotus et Kamasi Washington. Une ville tire également son épingle du jeu avec une scène aux influences et sonorités qui lui sont propres et intimement liées à son histoire : Chicago.

Chicago, terreau de la black music

À Chicago on ne fait pas de la musique uniquement pour amuser la galerie, depuis l'époque tumultueuse des big bands de la prohibition jusqu'à la drill des années 2010, la musique y est une affaire sérieuse. C'est pendant la prohibition que les musiciens de jazz ayant migré du sud ségrégationniste trouvent dans les bars clandestins tenus par la mafia une opportunité de vivre décemment de leur art sans avoir à se plier aux concessions artistiques imposées par les clubs plus classiques [1]. Le jazz s'y urbanise, les sonorités deviennent plus nerveuses et les solos s'y généralisent. Plus tard, Muddy Waters et Howlin' Wolf électrifient leur guitares et y inventent le Chicago Bues et le Rn'B, deux genres qui donneront naissance au Rock n' Roll. On y invente la House Music dans les années 1980 et plus récemment, le footwork et la drill [2].

Makaya McCraven

L'esprit de la Great Black Music et le spectre de l'Art Ensemble of Chicago, véritable institution du free jazz, irriguent toujours fortement la création jazz locale, notamment via le collectif AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) qui en perpétuent les traditions. Ainsi, une armada de jeunes musiciens s'acharnent aujourd'hui à y renouveler le jazz en le mêlant avec des influences modernes, parfois hip-hop et électroniques, mais avec une énergie plus brute qu'en Angleterre ou à Los Angeles, et surtout, en gardant une connection directe avec le free jazz et le jazz modal des années 1960 et 1970. Expérimentations, improvisations, mélanges d'influences diverses, spoken word, afrofuturisme et militantisme politique sont autant d'éléments que l'on retrouve naturellement parmi les ingrédients magiques de cette grande soupe aux parfums divers et variés.

Un label à la culture punk

C'est autour de 2014 que, témoins de l'effervescence de cette scène dont personne ne semblait vouloir s'occuper, deux trentenaires blancs et anciens activistes de la scène punk du mid-west, Scott McNiece et David Allen, décident d'unir leurs forces pour réunir et mettre en valeur ces talents.

Scott McNiece and David Allen

Photo : Mark Pallman

Dans un premier temps, nos deux compères s'occupent principalement de trouver des dates et de promouvoir des concerts avec les moyens et la culture « Do it yourself » hérités de leurs années dans l'underground punk rock, puis, de fil en aiguille, un véritable label fini par se monter. Après six ans d'acharnement et certainement en grande partie grâce au succès de leur artiste phare Makaya McCraven, International Anthem commence à peine à rapporter un peu d'argent. Depuis ses locaux installés dans le South Side de la ville, le label distille des albums aux talents variés et qui n'hésitent pas, comme à la grande époque free des années 1960, à réconcilier le jazz avec l'engagement politique et social.

Il ressort de cette effervescence une véritable culture de label comme on l'aime. On peut voir leur catalogue comme une oeuvre cohérente avec une identité marquée, et des passages de relais entre les artistes et les différents projets. Marquée par le trumpisme, le Covid et le mouvement Black Lives Matter, 2020 a été une année complexe et pleine de défis pour tout le monde, particulièrement pour les minorités et la population noire américaine, mais, comme le disait Scott McNiece en janvier 2020 à Pitchfork, c'est une période très stimulante pour la culture et il est important d'y être une voix prolifique. Programme chargé, donc, et pour le moment bien parti pour International Anthem.

“Part of the idea behind being prolific right now is that 2020 is an important year for culture. There's going to be a lot of energy and emotions and people trying to topple over the fucking fascists running our country. We want to be putting out music that's fueling the fire.”
— - Scott McNiece

Écoutez notre playlist d'introduction à la musique du label de Chicago, disponible sur Spotify, Apple Music, Deezer, Tidal, Youtube et Qobuz.

Sélection d'albums

Une courte sélection d'albums issus de la galaxie International Anthem.

Makaya McCraven - Universal Beeings

International Anthem, 2018
Fils du batteur américain Steve McCraven, collaborateur de longue date d'Archie Shepp, et de la chanteuse hongroise Agnes Zsigmondi, Makaya a grandi dans la musique et le multiculturalisme.
Certainement son album le plus abouti et le plus représentatif, Universal Beeings, et sa suite Universal Beeings E&F Sides, est construit à partir d'une série de sessions improvisées avec des artistes des 4 scènes actuellement les plus actives du renouveau jazz contemporain : Chicago, New York, Los Angeles et Londres. De ces enregistrements accumulées pendant plusieurs années Makaya Mcraven a tiré des boucles qu'il a retravaillées en post production dans son home studio. À la manière d'un producteur de rap il sélectionne, découpe et met en boucle les meilleurs passages pour en faire ressortir la sève.
Le jazz de McCraven est une vraie musique de batteur où tout tourne autour du rythme. Tous les instruments travaillent ici pour et au coeur de la rythmique avec une culture de la boucle chère à la beat music. Malgré le passage par les machines, le batteur s'attache à ce que le résultat conserve un aspect très live et brut de décoffrage. En résulte une musique qui pourra paraitre inachevée à certains mais dont beaucoup rêvaient peut-être depuis longtemps, celle de la rencontre entre l'esprit du free jazz modal de John Coltrane ou Pharoah Sanders et celui du boom bap granuleux de Lord Finesse ou Godfather Don.

Un autre projet du batteur qui vaut le détour pour découvrir son travail est cette relecture de l'excellent dernier album du grand, et regretté, Gil Scott Heron : We're New Again. Où l'on découvre que sa musique fonctionne aussi très bien avec une voix.

Dezron Douglas & Brandee Younger - Force Majeure

International Anthem, 2020
Les deux forces vives de la scène new-yorkaise que sont le contrebassiste Dezron Douglas et la harpiste Brandee Younger, collaborateurs de Ravi Coltrane et Pharoah Sanders, font partie des collaborateurs de l'album Universal Beeings de Makaya McCraven. Ce premier pas dans les corridors du label de Chicago ne sera pas le dernier. Album témoin de cette année 2020, passée pour beaucoup en mode confiné, Force Majeure réunit une sélection de sessions organisées par le couple depuis son appartement new-yorkais d'Harlem, enregistrées avec les moyens du bord et streamées en live sur internet tous les vendredis matins. On y retrouve principalement des reprises qui vont du Gospel Trane d'Alice Coltrane à Never Can Say Goodbye de Gloria Gaynor.
La complicité entre la basse de Dezron et la harpe de Brandee est d'une parfaite évidence, conférant à l'album une énergie positive propre à ensoleiller votre journée. Tout en simplicité et modestie, il n'en reste pas moins, à mon sens, un des albums de jazz les plus réjouissant de 2020.

Alabaster DePlume - To Cy & Lee : Instrumentals Vol. 1

International Anthem, 2020
De son vrai nom Angus Fairbairn, cet ancien punk, aujourd'hui saxophoniste et chanteur adepte du spoken word, a une carrière aux marges du jazz et de la pop avant-gardiste. Son album sorti chez International Anthem réunit une compilation de pièces uniquement instrumentales et enregistrées sur une période de huit ans. Ce volume 1 propose un free jazz planant, aux aspirations feng shui et qui n'hésite pas à se nourrir d'inspirations diverses : ambiant, musiques folkloriques orientales et occidentales, musique de film et même, selon Albastar, de jeux vidéo et d'animation japonaise, comme celle de Joe Hisaishi dont il assure être un admirateur.

Jeff Parker - Suite for Max Brown

International Anthem, 2020
Principalement connu pour être le guitariste – et multi instrumentiste – du groupe de post rock Tortoise, Jeff Parker a toujours eu un background très jazz. Il a notamment joué avec des artistes comme Joshua Redman ou Meshell Ndegeocello. Sur cet album dédié à sa mère Maxine Brown (figurant à 19 ans sur la pochette), le guitariste a dans un premier temps travaillé ses morceaux seul. Il s'enregistre, construit ses rythmiques en se samplant lui-même sur divers instruments de percussion, puis joue de la guitare et des claviers. Dans un deuxième temps, il invite ses amis du label, comme Makaya McCraven ou Rob Mazurek, à improviser dessus. Sa fille Ruby Parker fait également une apparition au chant sur le très beau Build a Nest.

Angel Bat Dawid - The Oracle

International Anthem, 2019
Le premier album de la clarinettiste et chanteuse est, à l'origine, uniquement sorti sur cassette. Le tout enregistré à droite et gauche lors de ses déplacements sur son iPhone puis mixé avec les moyens du bord, The Oracle est un album entièrement joué seule et réalisé dans un esprit do it yourself. Du jazz modal éthéré, improvisé et expérimental, avec des filtres, de l'autotune, du chant et du spoken word, et qui renoue avec l'esprit de la Great Black Music telle qu'elle se pratique à Chicago depuis des décennies tout en l'alliant avec l'énergie brut de la culture home studio contemporaine. Un album qui a beaucoup fait parler de lui et peut-être l'anthem qui a participé à placer le label sur la scène international.

Damon Locks - Where Future Unfolds

International Anthem, 2019
Artiste visuel, éducateur, chanteur, musicien et DJ, Damon Locks est un de ces hurluberlus qui multiplient les talents. C'est un pilier de la culture underground de Chicago depuis les années 1980. En dehors des nombreux projets musicaux dans lesquels il a joué (Trenchmouth, The Exploding Star Orchestra...) il a aussi participé à des ateliers avec des artistes emprisonnés dans la prison de haute sécurité de Stateville et a réalisé un travail graphique pour plusieurs sorties du label International Anthem, notamment Universal Beings de Makaya McCraven. Where Future Unfolds est à l'origine un projet perso concocté à base de samples de discours d'activistes des Droits Civiques américains passés à la moulinette de la boite à rythme. Puis une quinzaine de musiciens, comme Angel Bat Dawid, et d'artistes se sont petit à petit associés au projet jusqu'à monter le Black Monument Ensemble. Finalement, l'album Where Future Unfolds est un enregistrement live de cette formation qui mêle l'esprit du Artistic Heritage Ensemble de Phil Cohran et de l'album Attica Blues d'Archie Shepp à celui du It Takes A Nation of Millions to Hold Us Back de Public Enemy. Une rencontre singulièrement réussie entre l'activisme politique, la poésie, le gospel, le jazz et les boites à rythmes.

[1] Lire à ce sujet le livre Le Jazz et les gangsters

[2] Une Histoire de la musique noire à Chicago : #312SOUL, An Unfinished Retrospective of Chicago's Black Music History

Trench Coat Towers

Mugen le druide — 2016-04-27T06:08:36Z

Riff Raff revient aux affaires avec Trench Coat Towers...

Après s'être transformé en véritable tas de muscle pour intégrer la ligue de catch américaine, après avoir acheté le Codein Castle dont il rêvait pour 1 gros million de Benjamin Franklin, après avoir publié un livre de poème (Neon Vibes), RiFF RAFF laisse place à son alter ego musical, JODY HiGHROLLER, et revient dans le domaine qu'il maîtrise le mieux : le rap.

Son premier album Neon Icon, semble déjà bien loin. Maintes fois repoussé, son sophomore album Peach Panther devrait arriver dans les prochains mois. Quelques featurings plutôt ronflants alimentaient les rumeurs autour de ce projet, et il semble même qu'un album de rock pourrait lui succéder (Purple Panther). En attendant, Kokayne Dawkins a décidé de faire quelques collaborations, pas toutes de très bon goût. Il n'y a rien à retenir a part la sympathique Doctor Peper.

Heureusement en novembre dernier, Jody 3 Moons a sorti un EP de 4 titres : Trench Coat Towers.

Le Wesley Snipes blanc entame le divertissement avec un “I pass you the ball you broke my assist ” qui tombe à pic en pleine période de playoffs. Sur Brick off the balcony le rappeur nous rappel son amour pour la balle orange, mais RiFF RAFF ne manque pas d'idées : il se verrait tout aussi bien jouer QB pour Florida State, en sirotant quelques litres de potion magique entre chaque quart-temps. L'occasion de rappeler qu'il n'est pas seulement là pour amuser la galerie, et que quand il s'agit de kicker, le bougre en à encore sous le capot.

Ultraviolet rays, I'm flossing candy gray,
Cool whip coupes, sky blue berry braids.

Même si c'est finalement assez rare, Kokayne Dawkins excelle aussi pour chantonner sur les refrains : celui de Smile rentre dans la tête aussi vite que l'air d'une comptine pour enfants. Ce qui différencie l'adulte de l'enfant c'est la taille de ses jouets : quoi de plus logique qu'une jolie Rolex pour retrouver le sourire ?

Quelques flacons de sirop et une pluie de pilules feraient aussi l'affaire. La fête se termine sur Poppin' Pills : une bien belle manière de conclure l'EP tout en rappelant fièrement ses racines qui puisent dans le "Lone Star", l'état ou tout est plus grand comme dit l'adage. Pas radin pour un sou, on a même droit à ce qui semble être le premier single de Peach Panter : Carlos Slim.

En bonus NeoN DeReK JeTeR, un petit un featuring avec Lil Yatchy, qui se retrouvera sûrement sur Peach Panther #RapGameMufasa :

Hylics

DrNoze — 2016-04-23T15:09:15Z

Un JRPG occidental, punk, brut, surréaliste, en mode pâte à modeler faxée.

Mason Lindroth, originaire du New Jersey, est, sur la scène du jeu indépendant, un artiste à ranger à part. L'univers graphique très personnel de ses jeux, que l'on peut retrouver également dans ses illustrations, ses gifs ou ses films d'animations, fait plus écho à l'esthétique des fanzines post punk du début des années 1990, qu'à l'histoire du jeu vidéo. On avait déjà parlé vite fait de Mason Lindroth à propos de son mini jeu en noir et blanc, Journalière, sorti en 2013. Il a aussi réalisé, toute une série de jeux minimalistes, toujours dans le même esprit visuel et qui méritent également d'y jeter un oeil.

Comme cet étonant Beachcomber, que l'on peut pratiquer assez rapidement, et dans le navigateur, par ici.

Beachcomber

Si tous ces jeux, pour la plupart réalisés rapidement à l'occasion de "dev jams", sont courts et relativement simple, Mason Lindroth sort en 2015, avec Hylics , un jeu bien plus aboutit. Hylics est basé, au niveau de sa structure et du gameplay, sur les codes du RPG à la japonaise, mais ce dernier n'en a pas les codes visuels. On y retrouve son univers fait de modelages surréalistes en terre cuite que l'on aurait malicieusement photographié avec une gameboy, puis envoyé par fax, pour enfin être re-colorisé en 1 bit sur Apple II.

"I'll be honest with you, I haven't got a clue what's going on in it. [...] [Hylics] is basically a malaria dream about sausages or something."
— Rock Paper Shotgun

Si le rendu visuel est unique, l'univers et le scenario n'en sont pas moins absurdes, voir incompréhensibles et les systèmes de combat abracadabrants. On circule ainsi, entre la vie et la mort, dans des mondes incroyables, aux étonnantes architectures modernistes, brutes et surréalistes, pour poursuivre des quêtes auxquelles on ne comprends pas grand chose, mais où l'humour est toujours présent.

La musique, que l'on imagine facilement réalisée par Mason Lindroth (je n'ai pas trouvé de confirmation), est composée de ballades post-rock, bruitistes et expérimentales. Elle est elle aussi très bien et vous pouvez l'écouter par là, ou la télécharger par ici.

– Télécharger Hylics sur Itch.io (ou sur Steam)

Le jeu coute 3€, soit le prix d'une bière et promet deux heures d'un voyage halluciné en terre inconnue. Mais si vous ne possédez pas, pour une raison ou une autre, d'ordinateur tournant sous Windows, et que vous voulez malgré tout y jeter un oeil, nous vous recommandons ce sympathique let's play :

The Last Wave, de Peter Weir (1977)

Yann — 2016-04-16T06:33:03Z

Comme dans beaucoup d'autres domaines culturels, on trouve dans le cinéma australien, qui n'est apparu en tant que tel que dans les années 70, des pépites lorgnant pesamment du côté de Hollywood mais qu'un côté "couleur locale" pare d'une étrangeté tout à fait bienvenue...

A voir la filmographie de Peter Weir, on se rend vite compte que ce dernier a tenté, avec plus ou moins de succès, de combiner une oeuvre d'auteur à la réalisation de blockbusters qui rapportent des sous, entre le flan hyper consensuel (Green card (1990), Le cercle des poètes disparus (1989)) et le film grand public pouvant s'accommoder de regards un peu exigeants (The Truman Show (1998), qui doit quand même beaucoup à la présence dans le rôle principal de Jim Carrey et au scénario d'Andrew Niccol, réalisateur du plutôt bon Bienvenue à Gattaca (1997) (c'est un avis personnel).

Appartenant à la période la plus "auteuriste" de Weir (les débuts, en gros les années 70), La dernière vague raconte la crise mystico-existentielle d'un avocat de Sydney, David Burton, interprété par un Richard Chamberlain (mais si, vous savez : le prêtre de Les oiseaux se cachent pour mourir !) qui a tout à fait la tête de l'emploi, amené à défendre des aborigènes sur ce qui s'avère être un crime tribal (le meurtre d'un des leurs). Désarmé face aux lois séculaires d'un peuple spolié de ses terres, le blambec va, en gros, de scènes oniriques en mystérieux phénomènes météorologiques en passant par des apparitions mystiques, se lancer dans la quête du "sauvage" qui est en lui, et entrer en empathie avec un peuple auquel il avait été jusqu'alors indifférent.

Sur ce scénario-prétexte, Weir brode des images au fantastique plutôt séduisant : à retenir la scène d'ouragan en ouverture, une autre où notre héros pris dans un embouteillage se trouve au détour d'une petite sieste dans un environnement totalement immergé.

Un film aux intentions maladroites donc, qui par les bienfaits d'une image très maîtrise en devient un objet attachant. A voir.

12 O'Clock Boys

Mugen le druide — 2016-03-18T16:06:26Z

Un documentaire touchant sur le fameux gang de motards de Baltimore.

Après avoir vu le trailer, difficile de ne pas vouloir jeter un œil curieux sur ce documentaire. Parce qu'il parle de Baltimore, sans doute. Ceux qui connaissent la ville à travers la série The Wire auront forcément envie de replonger dans les rues de la ville iconique du Maryland, mais ce n'est pas la seule raison. Pour être bon, un documentaire doit intégrer dans sa recette trois ingrédients : de belles images, des personnages attachants et surtout un point de vue. Et Lofty Nathan, le jeune réalisateur de ce 12 O'Clock Boys (2014) a produit là un projet qui rassemble ces trois qualités.

Druid Hill Park - North Baltimore

On découvre durant plus d'une heure ce véritable gang à travers le regard d'un enfant qui n'a d'yeux que pour ses aînés en motocross, Pug. Impossible de ne pas repenser à Walace en voyant ses tresses. Ce petit bonhomme est aussi la voix narrative de ce film : une très bonne idée tant ce gosse est attachant. Intelligent, malicieux et plein de vie, on découvre en suivant ses pas un bout de la vie de ses quartiers que tout le monde fuit et ont découvre ce qui est devenue presque une sous-culture a cet endroit du globe : les dirt bikes.

12 O'Clock est donc le nom de cette grande famille qui terrorise le centre-ville de Baltimore. Des jeunes noirs assis sur des motocross ou des gros quads, qui passent leurs journées à rouler sur la roue arrière et à filmer leurs exploits. Comme des chorégraphies sauvages, bruyantes certes, mais pas tout à fait illégale. Et puis finalement, il n'y a pas tellement d'autres choses a foutre d'intéressant de ce côté la de la ville, sauf si vous voulez vendre de la poudre ou mettre des filles sur le trottoir.

Just sit back, look casual...

Comme dans toutes les histoire pour enfants, il y a un grand monstre, un héros et une princesse. Le héros c'est the pack et tout ses grands chevaliers a motos. C'est ce convoi sauvage qui nait et meurs tout les dimanches dans les rues de Baltimore, synonyme aussi d'une accalmie éphémère entre les quartiers est et ouest de la ville. Depuis leurs plus jeunes âge, ces gamins chassent the pack comme on chasse une chimère. Pour le voir défiler, l'entendre, en rêvant un jour d'avoir le privilège de l'intégrer. L'ironie du sort, c'est que ce pack est lui aussi chassé, par un monstre encore plus gros : l'état, incarné par the bird.

L'oiseau haut dans le ciel, c'est cet hélicoptère noir de la police de Baltimore qui scrutent sans cesse ceux qui fourmillent dans les rues et les pourchassent. Puisque les brigades au sol n'ont officiellement pas le droit d'engager de poursuite avec les motocross pour des questions de sécurité, la mairie a décidé d'investir dans la surveillance et la traque. Rien ne change, les gentils contre les méchants, les lois américaines et leurs applications douteuses et ce qu'elles génèrent comme problèmes dans les rues : accidents mortels, bavures dissimulés et toutes les confrontations qui en découlent. Et ici ont a les avis des premiers concernés. L'officier Lemon, ancien officier de la police, Superman et Steven : le support player qui aide ses amis a entretenir leurs motos et prend sous son aile les petits aux dents longues.

A y regarder de plus près, ces pions on un rôle semblable dans la partie mais ne sont pas du même coté de l'échiquier. Que ce soit la famille de Pug, Coco et Tibba, les membres des 12 O'Clock Boys ou les autres personnages qu'on aperçoit durant le film, ils méritent tous une attention particulière et il faut reconnaître que le montage, la bande son et les images sont souvent très bien choisis et rendent certains passages presque harmonieux.

The Wire with wheelies

Finalement ce grand oiseau finira tatoué sur le bras de ce petit sauvageons de Pug. Dans cette Amérique on a de l'encre sur la peau a 10 ans, un grillz a 13 et un YZ a 16. Le tableau de la misère sociale est bien la, flottant comme un spectre au dessus de toutes ces vies. Des jeunes mères esseulés, des enterrements et des embrouilles a chaque corner contrastent avec ces gosses en Polo Ralph, qui regardent des VHS et connaissent les noms de leurs idoles par cœur, comme des fans de NBA. Lofty Nathan a le mérite d'assumer son point de vue : il à filmé pendant presque trois ans avant de pouvoir nous raconter cette belle histoire. It's something you love, you're gonna do it anyway...

Précédemment publié sur le défunt blog de La Caverne de Mugen.

Conway The Machine - Reject 2

DrNoze — 2016-03-11T11:16:49Z

Retour sur un des meilleurs albums de rap boom bap de 2015.

En 2015, deux frères originaires de Buffalo et aujourd'hui installés à Atlanta, Westside Gunn et Conway The Machine, perpétuent via le label Griselda Records l'esprit du gangsta rap new-yorkais des années 1990. Un rap de rue violent, sombre et gorgé de soul, comme le pratiquait à l'époque Nas ou Mobb Deep. La volonté des frangins est clairement de réconcilier la rue avec les sonorités de cette période, Westside Gunn se qualifie d'ailleurs lui-même de street backpacker [1].

Après deux excellentes mixtapes avec son frelot sorties courant 2015 (Griselda Ghost, et Hall & Nash) et la série des Hitler Wears Hermes de Westside Gunn, Conway sortira en fin 2015 Reject 2, son premier album.

Reject 2

Entièrement produit par l'excellent Daringer, Reject 2, qui fait suite à The Devil's Reject, est d'une cohérence exemplaire et dégage, tout au long de ses dix pistes, une ambiance nocturne, sombre et désillusionnée, dont la moiteur nous renvoie aux ballades crépusculaires du film Taxi Driver. Sur ce support nostalgique, Conway crache des textes douloureux et sans espoirs. Son flow lent et désabusé sort de sa bouche tordue, presqu'à angle droit, une déformation probablement dû aux balles qu'il a reçu dans le cou, et dont il expose les cicatrices sur sa pochette.

I got too many guns, and not enough drama

Avec ce projet, Conway semble, au premier abord, creuser la brèche entamée par Roc Marciano (Marci Beaucoup) ou Ka et Preservation (Dr. Yen Lo). En effet, on retrouve dans Reject 2 un flow désabusé, simple et sans emphase, sur des beats gorgés de soul des années 1970 et concoctés par un producteur unique. Tout comme les instrumentations de Preservation et Roc Marciano, celles de Daringer sont lentes, nocturnes et poisseuses, la rythmique y est simple et en retrait, voir pratiquement absente sur certains titres (Rex Ryan). Et il n'est pas rare qu'une note soit étirée en longueur, sur la totalité du morceau, comme pour suspendre le temps (Salute Me).

Quand on lance l'album, le premier titre, 1000 Corpse, avec ses gros coups de guitare, secs et lugubres, fait automatiquement penser à Dr. Yen Lo, à tel point qu'il sonne pratiquement comme un hommage.

Mais au fil des écoutes, l'aspect copycat disparaît peu à peu et l'album prend sa personnalité. La voix de Conway, avec son grain soul, est bien plus musicale et chaleureuse que celle de Ka. Le propos, et la musique, y sont bien plus directes. Ici pas de concept élaboré ou de métaphores à tiroirs, Conway pose juste ses tripes sur la table. Comme il expose ses cicatrices sur la pochette du disque, sans chichi.

De son côté, Westside Gunn sort aujourd'hui, le 11 mars 2016, Flygod, son premier album.

[1] "Backpacker" est un terme, plutôt péjoratif, utilisé à l'encontre des fans de hip-hop, souvent issus de milieux bourgeois, se réclamant d'un "vrai" hip-hop, fidèle aux valeurs originales du mouvement.

SOPHIE – Cute or not cute ?

Silvan — 2016-01-18T12:12:13Z

En fin d'année dernière, SOPHIE sortait son premier album Product, une compilation de huit titres promise au label Numbers. L'occasion pour nous de découvrir cette musique enrobée de couleurs flashy et de latex.

Pour en faire une rapide présentation, SOPHIE aka Samuel Long est un producteur anglais de musique pop/électronique dont l'univers esthétique se situe aussi bien du côté kawaii de la J-pop que du côté SM de la culture porn.
Côté ressemblances, on trouve quelques liens évidents avec Hudson Mohawke (Warp) et Rustie (Numbers), mais surtout une grande proximité avec les membres du collectif PC Music (Hannah Diamond, EasyFun et GFOTY, par exemple), fondé par A.G. Cook et avec lequel il a collaboré par le passé (Hey QT et Yelle Remix).

Dans l'écoute et dans ses rares manifestations, SOPHIE nous met face à une étrange sensation et on se demande s'il faut se contenter d'apprécier (ou détester) une forme de revival poussif de la dance ou si la démarche n'est pas beaucoup plus élaborée que ça. Faut-il prendre au sérieux son côté cute déstructuré ou faut-il plutôt y voir une sorte d'esprit malsain et dérangeant ?

Alors SOPHIE, « Cute or not cute ? »

À mon sens – après avoir poncé les Internets en quête de réponse –, c'est la vraie question autour de laquelle est forgé le personnage de Samuel Long. C'est probablement cette ambiguïté qu'il cherche à cultiver dans sa musique – montrant tant le visage joyeux et innocent de la pop et de l'EDM que son aspect excessif et sans limites.

L'influence de la pop culture des années 90-2000 est très claire et se retrouve dans ses collaborations (avec Namie Amuro et même en juin dernier avec Madonna) et remixes (avec la chanteuse française oubliée Yelle, par exemple).
Musicalement, ça se manifeste par des synthés, des accords majeurs, des rythmes dansants, des formats courts, les structures classiques de la pop, des mélodies catchy, des voix pitchées à l'hélium imitant celles de petites filles et des paroles qui tournent autour de l'amour, des fêtes et du sexe.

Jusque là, aucun problème et la référence assumée à la sexualité n'étonne pas vraiment compte tenu du fait que la culture pop en a été abreuvée et n'hésite pas à l'afficher clairement. Cela ne suffit peut-être pas à considérer qu'il est malsain (quoique la question se pose parfois légitimement à l'égard de la pop, mais c'est un autre débat). On pourrait même très judicieusement nous dire que cette attitude n'est pas si nouvelle que ça et qu'il y a bien longtemps que les chanteuses en jupes plissées émoustillent un public pas toujours présent pour la musique… On nous rappellera alors très justement que des artistes comme Britney Spears ou Miley Cyrus apparaissent régulièrement sous les traits de lycéennes délurées (voire de petite fille), tout en étant conscientes du fait qu'elles choquent souvent le grand public – ou du moins ses représentants les plus puritains.

Mais la différence, c'est qu'avec SOPHIE, tout est suggéré. Il n'y a pas de mise en scène de jeunes filles dans ses clips, ni de paroles trop explicites. L'ambiance qui se dégage de sa musique n'est pas seulement « cute » ou simplement décalée et pseudo choquante (à la manière de Miley Cyrus qui fait bien ce qu'elle veut avec ses seins). Elle est aussi intentionnellement brutale et violente.

En effet, le mélange semble délibérément malsain et pas vraiment destiné au même public que Britney ou Miley – bien que SOPHIE ait collaboré avec des popstars. C'est un public plus âgé qui est visé ; un public qui a vu apparaître Internet et qui en connaît les pires aspects, qui a grandi en écoutant (ou en subissant) la pop et la dance des années 90-2000, et qui se demande bien comment on peut continuer de faire un truc pareil aujourd'hui. C'est avant tout du cynisme qu'il y a dans la musique de SOPHIE. Ce cynisme se manifeste par l'ajout de larsen, l'utilisation de sons synthétiques rappelant le bruit du latex ou de bulles qui éclatent, de saturations, de rythmes violents et de structures parfois complètement imprévisibles et hachées.

Tout ceci nous conduit à porter un nouveau regard sur la musique de notre enfance/adolescence et nous sommes partagés entre le désir de prendre notre voisin dans les bras en chantant les paroles à tue-tête, et celui de nous mettre à mosher salement.

En fait, SOPHIE semble s'amuser à mettre les gens dans cette situation très embarrassante, un peu comme s'il proposait à un groupe de lycéennes japonaises consentantes de faire une petite vidéo bondage amateur dans un cave, tout en devant garder le sourire.

Les interventions et interviews de SOPHIE contribuent également à ce flou esthétique. Par leur rareté d'abord ; SOPHIE évite clairement de trop communiquer sur sa musique et quand il le fait, il préfère répondre à ses fans ou bien donner des interviews techy. Par sa discrétion ensuite ; en effet, dans ce genre musical, nous sommes moins surpris de retrouver une égérie colorée et à la plastique « parfaite » comme Hannah Diamond ou QT, que de nous retrouver face à un homme discret, travaillant peu son image et ne se montrant jamais dans sa communication visuelle (sauf derrière ce bras couvert de latex, comme dans la photo de couverture). À l'instar de son ami A.G. Cook qui semble assumer son image normcore, Samuel Long préfère (pour l'instant) ne pas trop jouer sur son apparence, mais plutôt sur l'image de sa musique. Ainsi, lors de son DJ Set pour Boiler Room, il demandera à une drag queen de le personnifier derrière les platines tandis qu'il se contentera de jouer le garde du corps.

Pour couronner le tout, l'achat de la version physique de « Product » est accompagné d'un « silicon product » qui n'est autre qu'un sex-toy à deux têtes dont l'une est lisse et l'autre est en relief – un objet parfaitement à l'image de sa musique.

Écouter l'album « Product » en intégralité.

Jusqu'à la nausée (SOPHIE, PC Music et assimilés) :
SOPHIE – Physical
SOPHIE – GET HIGHER et UNISIL (morceaux bonus de la version japonaise et du « Silicon Product »)
GFOTY – Friday Night (SOPHIE Remix)
Charli XCX – Vroom Vroom (prod. par SOPHIE)
Le1f – Koi (prod. par SOPHIE)
LIZ – When I Rule the World (prod. par SOPHIE)
PC Music Volume 1

Young Thug is real

Pierlo — 2015-12-07T07:59:25Z

Compte rendu subjectif du concert de Young Thug à Anvers. Le showcase en club, ou la meilleur façon de consommer du rap live en 2015.

En ce début de mois de novembre cafardeux, Young Thug avait annoncé une mini tournée de clubs en Europe. Dans les heureux élus figurait un club anversois qui m'était complètement inconnu : Ikon. Ni une ni deux, j'ai motivé une poignée de potes trentenaires aguerris des concerts en tous genres, mais peu habitués aux showcases, et prêts à risquer la soirée dans l'inconnu total pour constater l'existence du nouveau prince du rap. Je n'espérais d'ailleurs pas grand chose de plus que cette simple constatation. Mais rien que cela en valait la peine.

23h : Nous voilà donc arrivés à destination dans une sinistre zone industrielle au bord du canal. Le lieu parfait où imaginer un règlement de compte à la Michael Mann.

Arrivés tard pour un concert mais tôt pour les noctambules habitués des clubs, nous avons été dans les premiers à pénétrer dans un lieu ultra sécurisé d'une froideur extrême. Ce genre d'endroit vide est aussi chaleureux qu'un garage de banlieue en pleine nuit. Les rares personnes arrivées aussi tôt que nous déambulaient comme des fantômes entre les tables réservées ; le son convenu et les quelques lights réchauffaient difficilement l'atmosphère. Il allait falloir s'armer de patience.

00h30 : Doucement le flux des post ados fraîchement pubères s'est densifié. Dress code de rigueur : on sort ses Lacoste et Ralph Lauren, cheveux méga gominés, avec sa bitch en mini-minijupe ou leggings léopard pendue au bras.

La soirée commençait à être intéressante. La relève de DJ accompagné d'un MC vociférant les punchlines de A$ap Rocky, Gucci Mane, Booba, Drake ou Kaaris chauffait à blanc l'audience de grands connaisseurs qui hurlaient toutes les lyrics. Le balcon VIP était plein de blacks plantureuses qui toisaient la plèbe un verre de champ' à la main. La soirée battait son plein, et aurait pu penser que tout ce petit monde avait oublié que le clou de la soirée n'avait toujours pas eu lieu.

2h30 : Soudainement la pénombre est tombée, les basses se mirent à faire trembler les murs, et sur une plateforme à 3 mètres du sol le prince dauphin a fait son apparition comme un félin affamé tout de cuir vêtu, lunettes noires et bagouses à chaque doigt. Cette entrée implacable avait tout de celle d'une rock star.

Impossible de résister à l'euphorie ambiante et au charisme sidérant de Young Thug.

Il a expédié ses tracks favoris à un rythme effréné des morceaux phares du Rich Gang à Check au "summer hit" I Know There's Gonna Be (Good Times) de Jamie xx. Les morceaux sont balancés tels quels, avec les vocaux, sur lesquels Young Thug se contente de renchérir. Il n'en faut vraiment pas plus pour mettre le feu aux poudres. Le DJ, alerte, était prêt à dégainer un nouveau son dès que Thugger se lançait. Ce qui m'a marqué dans ce show c'est que c'est le DJ qui suivait et réagissait au moindre frémissement, à la moindre syllabe.

Le show aura duré en tout et pour tout 35 min, soit une éternité à l'échelle du plaisir pris dans un live de rap. Avant de partir nous avons été ravis par un joli booty shake lascif au milieu du dance floor magnifiquement exécuté par une créature voluptueuse.

Nous étions comblés et pouvions affirmer : Young Thug existe !

RP Boo : Fingers, Bank Pads & Shoe Prints

DrNoze — 2015-11-25T08:45:24Z

RP Boo a sorti cette année un deuxième album chez Planet Mu, l'occasion idéale pour se re-plonger dans sa musique si rêche, et pourtant chaleureuse.

La musique de RP Boo, Kavain Space dans le civil, n'est pas séduisante. Elle n'a clairement pas le panache ni le groove ultra efficace et directement assimilable que pouvait avoir le regretté DJ Rashad, ou que perpétuent DJ Spinn ou Traxman, pour les vétérans, ou encore DJ Taye pour la nouvelle génération.

On attribut a RP Boo la paternité de ce sous-genre, sautillant et claudiquant, de la juke music de Chicago. Le footwork et la juke sont tout deux les deux faces d'une même pièce. On a coutume de dire que la juke est conçue pour faire bouger les culs, quand le rôle du footwork, lui, est de faire faire bouger les pieds. Autour de l'année 2000, les danseurs avaient pris l'habitude de faire des concours de passes de jeux de jambes (footwork) dans le fonds des clubs. Lui-même autant danseur que producteur de juke, Kavain Space commence à cette époque a tripoter les samples pour casser les rythmiques traditionnelles de la juke et de la ghetto house, dans le but de les rendre plus surprenantes et excitantes pour les danseurs. Le footwork était né. Planet Mu a d'ailleurs édité cette année un EP, sous le titre Classics Vol. 1, qui présentait ces premiers morceaux à la limite de l'expérimentation et qui ont acquis un statut "culte".

Depuis RP Boo amélioré la recette mais est toujours resté fidèle à sa musique, rèche et technique. Même quand Rashad et ses compères du collectif Teklife ont emmené le footwork vers un public plus large en l'adoucissant, et en le saupoudrant de douceurs soul et funk, Boo, en bon artisan un peu buté, est resté sur sa ligne. La ligne dure.

Fingers, Bank Pads & Shoe Prints

Fingers, Bank Pads & Shoe Prints, à l'instar de Legacy, son précédent opus chez Planet Mu, est plus une compilation de morceaux composés ces dix dernières années. La sélection est cette fois-ci plus resserrée, et encore plus pointue que lors de son premier projet. Cet album est très bien résumé par l'histoire que nous raconte son titre : D'un côté, il y a des doigts qui pianotent à toute vitesse sur des pads de MPC, et, à l'autre bout de la chaine, il y a des chaussures qui sautillent et virevoltent à la vitesse de l'éclair sur les sols en lino. Quand la session a été bien folle, et que les danseurs se sont donnés à fond, le frottement des chaussures laissent sur le lino des traces noires. Ces traces, RP Boo, les considère comme le meilleurs des remerciements de la part des danseurs.

I use my fingers to press on bank pads of the drum machine, and then I see people just enjoying their time on a dance floor, and it was done. What do I see as a "thanks" for coming and having a great time and the "thank you" we leave behind ? Shoe prints : evidence of a groovy time on the floor. Fingers, Bank Pads & Shoe Prints !

— RP Boo @ Complex

Non, la musique de Kavain Space n'est, en effet, pas très séduisante, au premier abord en tout cas. Il faudra probablement que le béotien se fasse un minimum violence pour entrer dans ses boucles sèches et ses samples vocaux répétitifs. Mais, comme dans d'autres domaines, les musiques qui ne se donnent pas facilement sont peut-être celles qui provoquent le plus plaisir sur le long terme. Et sous peu, l'auditeur curieux, une fois habitué au language de Boo, ne pourra qu'être pris par la magie hypnotique de ces rythmiques atypiques.

Si Kavain parait ne penser qu'aux danseurs lors de la création de ses morceaux à l'allure très scientifique et technologique, il n'est cependant pas nécessaire d'être un athlète du jeux de jambe pour pouvoir en apprécier la musique à sa juste valeur. Comme dit plus haut, RP Boo se pose en artisan méticuleux, et s'il concocte des beats aux effets hypnotiques, avec le même sérieux et la même dévotion que Walter White, le chimiste de Breaking Bad, met dans la composition de sa méthamphétamine, vous ne devriez pas ressentir les effets négatifs de cette dernière. Les centaines de micro-breaks et autres contre-temps enlacés dans des boucles légèrement décalées, en agissant directement sur vos synapses, devraient rapidement augmenter, pour votre plus grand plaisir, votre taux d'endorphines et de Midi-chlorien.

Du bonheur à l'état pur.

BARABARA : En Attendant le lever du soleil

DrNoze — 2015-11-09T07:13:54Z

BARABARA nous propose un excellent clip pour illustrer le très bon En Attendant le lever du soleil, produit par Mark Dawson et sorti précédemment sur son Soundcloud.

Filmé par BARABARA et réalisé par Thomas Schira, on y retrouve les thèmes chers au rappeur : l'Afrique de l'Est, la nuit, le sexe, l'alcool et la boxe, comme autant d'échappatoires à la folie destructrice des hommes. À moins que cela ne soit pour anesthésier ses propres démons.

En espérant qu'En Attendant le lever du soleil ne soit que le signe avant coureur d'un projet plus important à venir.

Il était une fois le barbouze

C'est l'occasion de se replonger dans le très bon premier EP du bonhomme, sorti en 2014, Il était une fois le barbouze. Un projet injustement passé trop inaperçu, et dans lequel BARABARA raconte en huit titres la ballade métaphysique, poétique et schizophrène, du Barbouze, alter ego du rappeur aux prises avec son double, sur fond de fin du monde.

C'est peu de dire que notre homme ne fait pas du rap léger. Il est difficile de danser dessus, ou alors au petit matin, titubant au fond d'un bar de nuit. Au premier abord, à une écoute inattentive et distraite, le rap de BARABARA peut sembler lourd et peu entrainant, et il est aisé de passer à côté de ce diamant brut sans y prêter attention. Et si ses poses viriles, la crudité de ses textes, et sa façon de malaxer certains mots comme on racle un vieux glaviot, peut faire penser à Booba, si son accent, sa diction, simple et directe, peut aussi parfois nous rappeler vaguement MC Jean Gab'1, l'écoute d'Il était une fois le barbouze, ne peut que nous ramener à certains grands noms de la chanson française.

L'écriture, la diction, ou encore certains aspects des productions, rappellent évidemment Serge Gainsbourg, période L'Homme à tête de choux, mais aussi Alain Bashung, que le rappeur aux gants de boxe cite d'ailleurs dans l'épilogue de l'album, le bien nommé La Fin.

– On peut télécharger gratuitement Il etait une fois le barbouze sur le site CaptchaMag.net.

– Lire l'entretien qu'il a bien voulu nous accorder.