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Ces chinois qui ont fait le reggae

DrNoze — 2016-05-30T14:06:06Z

On croise sur beaucoup de disques jamaïcains des noms à consonance asiatique tels que Kong, Lee, Hoo Kim ou Chen. Au début, on n'y fait pas vraiment attention, à cette étrangeté géo-patronymique. On se dit que ce sont des cas isolés, voire qu'il s'agit de pseudonymes choisis dans la foulée d'un film de kung-fu (comme Lone Ranger ou Josey Wales pour les films de cowboys). Mais à force de les voir s'accumuler, et de relever l'importance des gus qui les portent, on finit par se demander : qu'est-ce qu'autant de chinois font dans la musique jamaïcaine, dès le début ? Quelle est l'influence de cette minorité ethnique dans le développement de la musique locale ? Et surtout : d'où vient cette connexion musicale sino-yardie improbable et insoupçonnée (du moins par moi) ? Ces trois questions appellent des réponses que je suis incapable de fournir, de vrais travaux universitaires. Mais je vais quand même tenter un embryon de réponse par ce post, avec mes modestes moyens, en dressant quelques portraits de sino-jamaïcains influents, après vous avoir fait un rapide topo sur l'implantation de communautés chinoises à yard. J'espère n'offenser personne en regroupant sous un caractère ethnique tous ces personnages, qui m'intéressent évidemment bien plus que simplement pour leurs origines.

Évacuons d'abord : comment une communauté de chinois s'est-elle formée en Jamaïque ? Très grossièrement : au début du 19e siècle, les propriétaires terriens britanniques (aka Le Capital, en marxiste) cherchent de la main d'œuvre bon marché pour travailler dans les plantations de leurs colonies caribéennes. Des bateaux de travailleurs chinois, la plupart descendants de Hakka, sont alors envoyés et débarquent sur la côte jamaïcaine (circa 1854). Les premiers arrivent très pauvres dans des conditions misérables, ils forment la première « vague » (d'autres vagues succéderont ainsi jusqu'en 1940, avant que le gouvernement mette le holà). A force de sueur (et d'un tas d'autres facteurs trop longs et trop subtils pour être développés sur un billet de blog), une bonne partie de ces chinois parvient à s'extirper de sa condition d'exploité ; en clair, ils sortent des plantations et ouvrent des petits commerces : épiceries, cordonneries, marchands de glaces, etc.. En Jamaïque, on va “chez le chinois” comme on va “chez l'arabe” en France, c'est-à-dire à l'épicerie du coin de la rue. Cette position sociale, combinée à l'implantation géographique des chinois dans l'île, explique pour une bonne part le rapprochement de certains représentants de la communauté de la musique. Comme le note Fred Celimène dans ce livre, et contrairement aux autres minorités de l'ïle (syriens, libanais, juifs…), « les quelques 3000 chinois avaient pour caractéristique une grande dispersion pour ce qui est de l'occupation de l'espace urbain ». Ce qui, au lieu de les ghettoïser dans des quartiers ethnicisés, les fond dans la population jamaïcaine, et engendre plusieurs générations de chinois-jamaïquains, de chinois métissés. A la fin des années 50, l'industrie musicale est balbutiante. Mais la musique populaire sent trop fort le ghetto pour intéresser les notables jamaïcains. La place est donc libre pour notre classe moyenne de travailleurs chinois. En voici quelques remarquables exemples :
Tom the great Sebastian

Selon la légende, Tom the Great Sebastian est le tout premier sound-system jamaïcain, fondé à la fin des années 40 par… Thomas WONG , un quincaillier sino-jamaïcain. Rendez-vous compte : le tout premier sound-system de l'ïle, le “all-time giant”, le précurseur d'une façon de jouer la musique typiquement jamaïcaine… est d'ascendance chinoise. Pour éviter de payer des bands entiers de musiciens, Tom Wong se met à jouer des disques de rythme & blues glanés en Amérique sur de grosses enceintes qu'il modifie lui-même et pose dans la rue, et invite Count Machucky à animer ces extraordinaires et avant-gardistes sessions. Là vous vous dites “ça fait beaucoup de ressemblances, Coxsone n'a rien inventé”… Mais je vous prierais de rester polis.

Leslie Kong

Au début des années 60, la famille Kong, Leslie et ses deux frères, tient un singulier commerce sur orange street : un glacier-disquaire qué s'appelorio Beverley's. Très vite, Leslie se passionne pour les disques qu'il vend, et aménage un studio au-dessus de la boutique de glace. Commence alors la glorieuse histoire du label Beverley : difficile de rendre grâce en trois lignes à l'importantissime catalogue qu'il produira entre 61 et 71 (sa mort) mais on peut évoquer, en vrac, ses collaborations avec Desmond Dekker (qui signe chez lui une chanson inspirée du docteur Fu Man Chu, personnage de fiction asiatique inventé par le romancier Sax Rohmer1), Jimmy Cliff, Bob Marley(dont il produit les 2 premiers singles), ou The Maytals. Qu'il me soit permis de citer arbitrairement deux chansons de la discographie Beverley, qui constituent à elles seules de solides preuves de la qualité ET de l'influence de ce studio : le mythique Caution de Bob, et le non-moins fameux Night and Day de Toots & the Maytals. And the list goes on and on…

Patricia et Vincent Chin

Patricia et Vincent, les deux premiers protagonistes de la dynastie-reggae des Chin. A la fin des années 50, Vincent est réparateur de jukeboxs : de ce poste d'observation privilégié de la musique, lui vient l'idée de profiter plus directement du succès des disques qu'il voit défiler dans les machines qu'il bricole. Ainsi en 1959, il ouvre avec sa femme Patricia un premier magasin qu'il nomme Randy's. Très vite, en 1960, il utilise Federal (l'un des seuls studios alors établit sur l'île) pour s'essayer à la production : lors de sa première session, il enregistre, entre autres, Bunny & Skitter et Rico Rodriguez. Ma foi, l'affaire est bien lancée. La suite vous la connaissez : le magasin déménage au 17 North Parade, devient cette incontournable plaque tournante du 45 tours (surmontée de la célèbre punchline « Name it, we have it »), et Vinc' et Patou poursuivent leur travail de production dans le studio du 1er étage, enregistrant les meilleurs chanteurs et musiciens : Don Drummond, Lord Creator, Ken Boothe, Alton Ellis, Stranger Cole, The Gaylads etc… Les plus grands producteurs de l'île utilisent aussi le studio Randy's, de Bunny Lee (tient, un Lee ?) à Niney, en passant par Phill Pratt. Plus tard, émigré aux Etats-Unis, le couple créé VP qui est encore aujourd'hui le plus énorme et incontesté producteur et distributeur de musique caribéenne. Leur fils, Clive Chin, est lui aussi actif à Randy's dès les années 70. Il produit et arrange, par exemple, l'immense album à succès Java Java.

Byron Lee

Byron Aloysius Lee est un pionnier de la musique jamaïcaine. Dès 1957, avec quelques acolytes (Baba Brooks, Lester Sterling…), il fonde The Dragonaires, groupe dont il est le leader. Avec cette formation, Byron lee va d'abord backer quelques prestigieux artistes américains, tel que Sam Cooke, Ray Charles ou Chuck Berry lors de leurs tournées caribéennes. Le groupe fait même en 1962 une courte apparition dans James Bond vs Doctor No, et est envoyé en 64 aux USA pour défendre la naissante musique folklorique jamaïcaine, aka le ska. A la fin des années 60, avec l'éclosion du reggae, Byron rachète à Edward Seaga le studio W.I.R.L, qu'il rebaptise Dynamics. Si sa propre production musicale des 70's ne m'intéresse pas des masses (il fait principalement des reprises mielleuses, et du soca) la quantité de merveilles qui portent la mention DYNA (Dynamics studio) sur la matrice est suffisamment impressionnante pour s'incliner devant Byron. Son frère, Neville, est lui à la tête d'un des plus gros distributeurs de l'île, Sonic Sound.

Justin Yap

Justin Yap n'a pas fait long feu dans la musique jamaïcaine : à peine quelques années, de 62 à 65, avant d'émigrer, comme beaucoup de chinois-jamaicains, aux states : mais les quelques disques qu'il laisse derrière lui sont tout simplement mythiques ! Son nom évoque invariablement chez l'amateur de ska les meilleurs enregistrements de Don Drummond. La légende raconte qu'en Novembre 1964, Justin loue Studio One à Coxsone pour toute une journée et une nuit : il s'enferme dans le studio avec les Skatalites et y passe 18heures d'affilées. C'est pendant cette mémorable session que sont enregistrés « Chinatown », « Ringo » ou « Confucius ». Si j'avais une machine à remonter le temps, c'est à CETTE session de 18h que j'assisterais. Rien à foutre de la découverte de l'électricité, ou de l'invention du téléphone.

Stephen Cheng

Je n'ai pas la moindre info sur Stephen Cheng. Mais je ne pouvais pas me fendre d'un billet sur les chinois-du-reggae sans évoquer l'immense et obscure boucherie qu'est son Always Together. Il s'agit en fait d'une chanson traditionnelle chinoise, Girls of Ali Mountain ou (Ali Shan de Gu Niang), rejouée à la sauce deep rocksteady par Byron Lee et ces Dragonaires. One off ! J'en profite pour placer une pirouette, et vous signaler l'existence d'un documentaire, justement baptisé d'après cette chanson “Always Together- chinese jamaicain in reggae”, et réalisé par Generoso Fierro. Docu dont je n'ai réussi qu'à voir le trailer, malheureusement… Si un lecteur de passage possède un DVD et veut bien faire tourner, il bénéficiera de ma gratitude éternelle.

The Mighty Vikings
Parmi tous les bands qui se forment dans les années 60, the Mighty vikings est certainement celui où sévissent le plus de sino-jamaicains : sur les 3 chanteurs du groupe, deux sont des Wong, Sonny et Victor. Le bassiste Phil Chen, musicien réputé de sessions, n'est lui non plus jamais très loin. Les Vikings comptent également dans leurs rangs des personnages tels que Derrick Harriott ou Hux Brown, et remportent pour une année (63 ou 64 selon les sources) le titre de meilleurs ska-band de l'île. Ils se produisent principalement dans les hôtels et clubs de Kingston, ce qui explique pourquoi la trace discographique qu'ils laissent n'est pas énorme.

Dickie Wong

Encore un Wong. Celui-ci s'appelle Dickie et ce n'est pas la première fois que je vous en parle dans ces colonnes. Dickie est le propriétaire d'un club sur Red Hill road, le Tit for Tat. C'est dans ce club que se fonde l'une des formations les plus déterminantes du reggae : les Skin Flesh & Bones, réunissant des musiciens comme Sly Dunbar à la batterie, Lloyd Parks à la basse ou Ranchie McLean à la guitare. Grosso modo, une préfiguration des Revolutionaries. Sur le label du même nom que son club, Tit for Tat, Dickie Wong édite une grosse dizaine de 45 tours, principalement des (bonnes) covers de titres américains, et obtient quelques hits majeurs, comme la reprise par Al Brown du Here I am baby d'Al Green, ou le I bet you don't know de Dave Robinson.

Herman Chin-Loy

A la fin des années 60, Herman et son demi-frère Lloyd ouvrent Aquarius record store sur Half Way Tree. L'histoire est semblable à celles de Leslie Kong ou Vincent Chin : au dessus de la boutique familiale, ils aménagent (avec l'aide d'un ingénieur gallois) le premier studio 24 pistes de l'île. C'est ici qu'Herman découvre Horace Swaby, et le baptise du nom générique qu'il donnait alors à tous ses claviéristes : Augustus Pablo. Il est de fait pour beaucoup dans la popularisation du mélodica sur les disques jamaïcains. On doit notamment à Herman et son Aquarius l'énorme Arise Black Man d'Alton Ellis, et parmi les meilleurs morceaux de Lloyd Charmers et ses Hippy Boys.

Mikey & Geoffrey Chung

Les frères Chung commencent leur carrière en pleine fièvre rocksteady, et forment avec Lennox Robinson The Ministrels, groupe à qui l'on doit l'abyssale So Weary. Puis, Mikey à la guitare et Geoffrey au clavier, fondent the Now Generation, l'un des plus importants band de studio des 70's . Dès 72, ils travaillent pour tous les producteurs et figurent sur un nombre affolant de merveilles. Vous seriez vous même étonné du nombre de disques dans votre collection signés Now-Gen ! Herman Chin-Loy, justement, est l'un des premiers à utiliser le groupe en session ; mais Glen Brown, Bunny Lee, Lee Scratch Perry, Harry Mudie,Lloyd Charmers, ou encore Derrick Harriott profiteront eux aussi du son soulful des frères Chung. Citons à nouveau arbitrairement quelques chansons dont ils sont responsables : le très bel instrumental réédité récemment par Pressure Sound, Cup of tea, et cette incroyable tuerie que Geoffrey chante lui même :

Tony Chin

Tony Chin est un guitariste, membre fondateur des Soul Syndicate, avec notamment Earl ‘China' Smith, Carlton ‘Santa' Davis, ou George ‘Fully' Fullwood. Pas besoin d'insister sur l'importance des Soul Syndicate, simplement rappeler que le son caractéristique de ce band servit à des producteurs tel que Keith ‘le dentiste' Hudson, Niney The Observer, et à des chanteurs comme Tony Tuff, ou Horace Andy. Je vous renvoie à l'excellent documentaire qui existe sur l'épopée Soul Syndycate , Word sound & Power. Dans le génial extrait de ce film que je vous colle ci-dessous, on voit Tony dans son grand pattes d'eph' assurer la guitare rythmique pour Tony Tuff.

Joseph ‘Jo jo' Hoo Kim (et ses frères Ernest, Paul et Kenneth)

Joseph Hoo Kim et ses 3 frères sont eux aussi issus d'une famille d'entrepreneurs chinois. D'abord impliqués dans le business des machines à sous, les 4 frères sont obligés de se reconvertir après que le gouvernement passe une loi pour interdire les jeux d'argents. Ils sont le parfait exemple de ce que je décrivais plus haut, à savoir que la musique représentait alors pour cette middle class d'entrepreneurs une opportunité contingente de faire du business. En 1972, Joseph rachète la console 4 pistes de Dynamics et fonde sur Maxfield Avenue ce qui deviendra au cours des 70's le plus important studio de l'île : Channel One. Le home-band, The Revolutionaries, composé de l'emblématique paire Sly and Robbie, incarne à lui seul tout le son rockers de la deuxième moitié des70's. Il serait plus rapide d'énumérer les artistes qui n'ont pas été backés par eux. Les Roots Radics, d'Errol ‘Flabba' Holt et Sytle Scott, évolueront eux aussi dans l'écrin des Hoo Kim, de la fin des 70's à la première partie des 80's, produisant entre ses murs et sans contestation possible le plus lourd early-dancehall qui soit. Emigrés aux states à la fin des 70's à la suite du violent meurtre d'un des frères, Paul, les Hoo Kim s'occuperont à distance de moins en moins du studio de Maxfield Avenue, qui connaîtra une mort lente et douloureuse de l'avènement du digital au début des années 90. Mais une vie ne suffirait pas à faire le tour de tout ce qui s'est enregistré à cette adresse.

Leonard ‘Santic' Chin

Je n'ai pas réussi à confirmer sur internet que ce Chin là faisait partie de la même dynastie que Vincent et Patricia. Mais pour le présenter rapidement, il fut lui aussi un producteur, moins prolifique certes que d'autres cités précédemment, mais responsable de très belles chansons avec Horace Andy ou Augustus Pablo. Une compilation de Pressure Sound présente très bien son travail, Down Santic Way.

I-Kong

Je terminerai cette liste non-exhaustive par un autre Kong, Errol, neveu de Leslie. Errol Kong est plus connu sous ses alias, Ricky Storme ou I-Kong. Il débute sa carrière au sein des Jamaicans, mais c'est avec son album solo The Way It Is, paru en 79 (mais enregistré plus tôt dans les 70's) qu'il se distingue particulièrement. Tellement qu'une bande de Suisses, les Najavibes, (et alors qu'il n'avait rien sorti depuis) est allée le chercher en Jamaïque pour enregistrer avec lui un nouvel album, A little Walk, paru l'année dernière (et dont je vous parlais ici).

Voilà quelques portraits susceptibles de nous faire mesurer l'importance des chinois-jamaicains dans le développement du son yardie. Vous le remarquez, tous ces protagonistes sont loin d'être des seconds couteaux. C'est à se demander ce que serait devenue la musique jamaïcaine sans eux. Bien sûr, il serait faux de penser que les relations entre descendants de chinois et d'africains furent toujours parfaitement cordiales. A plusieurs reprises des riots “anti-chinese” éclatèrent sur l'île. Prince Buster publia une série de chansons pour reprocher à Derrick Morgan d'aller enregistrer pour le “Chiney-man” (“Are you a blackman, or a chiney-man ?”). Et le départ massif des sino-jamaicains vers les USA à la fin des 70's témoigne de la difficulté pour eux de rester à yard dans les conditions d'ultra-violence de l'époque. Mais malgré toutes ces vicissitudes, l'empreinte sur la musique est éternelle, et nous permet à nous, pauvres passionnés du 21e siècle, de nous retourner sur cette singulière histoire de migration, et de contempler son spectacle, ses rebonds, ses grimaces… et ses miracles.
(1) merci à Yannick Maréchal pour la correction

Voir en ligne : Lire sur Killers Without Fillers

Entretien avec DJOB

DrNoze — 2016-05-30T14:00:48Z

DJOB est un writer français qui domine l'illustration et l'animation. Avec un style simple et très agréable aux yeux il nous offre des compositions formées par deux ou trois couleurs qui coexistent avec des fins traits contribuant à la curieuse évolution du graffiti Européen. Sans plus tarder on vous invite a découvrir un artiste qui nous laisse beaucoup d'information délicieuse pour les aimants des arts.

Pour commencer l'interview, peut tu nous dire qui est Djob, d'où tu viens et comment tu t'es passioné par la peinture ?

Je me prenomme Jonathan Djob Nkondo, j'ai 26 ans,je suis ne a Paris, j'ai grandi en banlieue parisienne.

J'ai decouvert le graffiti a 12 ans ou du moins il m'a semble accesible vers ses eaux la. Avant de reellement peindre a la bombe sur un mur je faisais des stickers au scotch double face que je donnais a mes camarades de classe sur lesquels je gribouillais des persos faisant du skateboard ou du roller et posant devant des blazes farfelus, tres inspire par Jet set radio.

Mes potes Asone,Hama et Akbar m'y ont inities au college, on a passe pas mal de temps dans des terrains vagues et usines desaffectees,a errer, tester des styles,chercher des concepts, rencontrer des gens.... Graffer a cote des cours c'etait comme avoir une double vie, parfois faire des trucs illegaux, pas conventionnels ca en faisait un passe temps assez atypique .C'est ce qui m'a le plus plu je pense.

Changer de ville n'est pas toujours une décision facile, qu'est-ce qui t'a motivé pour bouger de Paris à Londres ?

Je suis plutot solitaire et curieux, et puis j'avais des connaissances qui vivaient deja a Londres. Ca a facilite la transition.De plus ce n'est qu'a deux heures de train de Paris.

Comment vois tu la scène du graffiti en Angleterre comparée à celle de la France ?

Je ne sais pas trop comment ca se passe dans toute l'Angleterre, mais j'ai l'impression que la scene Francaise est un peu plus curieuse dans l'ensemble.

Dans tes oeuvres on voit les acronymes MJ RF et EB, peux-tu nous révéler ces mystères ?

Ce sont les acronymes de crews parmi lequels j'ai evolue au cours des dernieres annees.(Rolling Fever et Moderne Jazz, gardons EB secret pour ne pas trop se faire de mal...) Une belle ribambelle de potes un peu eparpille en France avec qui je partage une conception du graffiti. Ca fait pas mal de monde a dedicacer sur une piece et mauvais tagueur que je suis je prefere me contenter d'ecrire ces lettres.

Tes pièces se composent d'une combinaison de lettres simples, personages et couleurs un peu a la Rothko, quelles sont tes sources d'inspiration Djob ?

Oui ca se simplifie de plus en plus d'ailleurs.J'essaye d'aller a l'essentiel du concept. De gros applats de couleurs la plus part du temps et quelques traits.J'ai plus trop d'idees de persos en ce moment alors je me concentre sur les lettragres. C'est toujours des formes tres epure, tres geometrique.

Je suis inspire par la musique et le quotidien en generalet par pas un grand nombre d'artistes du cinema d'animation, de la peinture, de l'illustration, de la litterature... : Leyendecker, Schiele, Le Corbusier, Otomo, Miyazaki, Takehiko Inoue, Crumb,Joe Madureira, Romita Junior, Philip K Dick, Kafka,Hirokazu Kore-Eda, KItano,Hitchcock.... Le travail de mon entourage, autant les graffeurs que les animateurs m'inspire aussi.

On retrouve ce style dans tes designs, mais aussi des touches de Manga japonais, quel a été le premier contact avec cette culture ?

Je dessine depuis que je suis gosse. J'ai passe pas mal de temps a regarder la tv, a essayer de redessiner les grands classiques du dessin anime que tout le monde connait ( Tortues Ninjas, Dragon ball Z, Mighty max....) Puis l'aternative a la tv pour moi a l'epoque c'etait la bibliotheque. J'ai ete influence par beaucoup de genre artistiques sur differents mediums au cours de ma jeunesse mais je pense que le manga format papier a ete un element declencheur. Le premier manga que j'ai du lire devait etre Gunnm de Yukito Kishiro. Tout ces details dessines,ces meandres de mecaniques,le cote cyber punk, les bastons et puis la beaute des dessins...C'etait magnifique. Les questions fusaient dans ma tete, a savoir comment la trame etait faite ou quels outils etaient utilises. J'avais vraiment pour objectif, non pas de faire du manga mais d'atteindre ce niveau de dessin. A cote de ca je lisais aussi Gon, Fly, Akira, Bone, et beaucoup de bandes dessinees belge tel que Tintin, Spirou, Les quatres As... Je me suis interesse aux comics americains genre Spiderman, X men,The Darkness, Battle chasers un peu plus tard....A cet age tout me paraissait interessant.Tout etait a prendre, j'avais aucun prejuges sur tels dessins, tels genres ou telles histoires. Je pense que mon travail ou plutot ce que j'aimerai apporter a mon travail, c'est un melting pot de tout ca. Autant dans le graffiti, que dans l'illustration ou l'animation.

Quant'aux personnages, on peut facilement identifier un goût particulier pour les mains, des grandes mains avec des anneaux, ceci à-t-il une explication ?

Oui les mains c'est un detail interessant a voir et a dessiner, tu peux le sentir chez Schiele d'ailleurs, ca en dit plus qu'on ne le croit sur une humeur, un etat d'esprit a mon avis.Tu peux t'imaginer des histoires en les regardant,a la facon dont elles bougent, comment elles sont posees ou avec des details comme cet anneaux que j'ajoutais a certains personnages par exemple.Je n'y reflechi pas specialement en fait.

Je viens de decouvrir le travail d' Alejendro Cascallana que vous avez interviewe recement. Cette serie de photos postees sur instagram est une belle initiative :http://instagram.com/alejandrocascallana

Artistes contemporains que tu aimes bien ?

Takeuma

Ghostshrimp

Geoff Mcfetridge

Barry Mcgee

Joan Cornella

Connor Willumsen

Dans ton travail il y a aussi des animations gif et video, pour pas mal d'artistes c'est une évolution importante, Avec quel support tu prèfères travailler, la rue, les designs ou la video ?

Après avoir etudié le graphisme et l'illustration j'ai etudié l'animation.Le support papier c'est vraiment le support sur lequel je me sens le plus a l'aise. C'est la base de tout a mes yeux.

Londres à developpé une culture de Nightclubs et basement parties underground très intéressante, mais quels seraient les 5 songs qui feraient danser le plus Djob lors d'une soirée ?

Ca risque de mettre un froid sur la piste de danse, mais ma liste serait :

''Sprung'' de Serengeti et Doseone

''At Home in the sea'' de Javelin

''Blood on green'' de Buck 65

''Sailing'' de Junk science et Cool calm pete

''Demon dance'' de Stevie Pre

Si vous étiéz miss France lors du concours miss Universe, quel seraient tes mesures pour améliorer le monde ?

Wow, c'est peine perdue.

Tu veux ajouter quelquechose ?

Merci

De la part de tout l'equipe UNDERMAD on veut remercier DJOB d'avoir fait l'interview possible, ça fait plaisir de parler avec des artistes qui ont tant de talent ! On suivra tes futurs travaux de tout près ! Vous pouvez voir ses designs ici.

Voir en ligne : Lire sur Undermad

Gsulf MODERNE JAZZ

DrNoze — 2016-05-30T13:56:28Z

Dans le graffiti, un peu comme en musique, en matière de style, il y a les meneurs ou leader d'opinion, les suiveurs et puis il y a les défricheurs, plus portés sur l'expérimentation. Gsulf fait plutôt partie de cette dernière catégorie. Avec son crew, les MODERNE JAZZ, il s'applique à tenter d'oublier les règles du graffiti classique pour réinventer quelque chose d'autre.

Entretien avec Gsulf

Peux-tu te présenter ?

Je m'appelle Mathieu, j'habite à Paris et j'ai 32 ans… Je suis né à Bordeaux et j'ai grandi dans sa banlieue proche. J'ai eu une scolarité et une enfance normale, j'ai fait des conneries sans être un dur à cuir. J'ai vu apparaitre les premiers tags et graffitis dans les rues de Bordeaux quand j'étais enfant, ils ont produit sur moi une forte impression, j'ai complètement idéalisé les graffeurs que je voyais comme des sortes de zorros des temps modernes : des mecs qui imposaient à voir des peintures super actuelles, gratuitement et en prenant des risques, un « beau gâchis ».

Ma perception romantique d'alors, j'avais 10 ans, a pas mal évolué depuis. Dès que j'ai vu ces premiers graffitis j'ai commencé à les copier, en classe, dans mes cahiers. Je suis resté à Bordeaux jusqu'à mes 19 ans, j'y ai passé mes dernières années en école d'arts appliqués où j'ai côtoyé pas mal de taggeurs, sans peindre moi-même. Je me suis cantonné à pomper leurs trucs, sur papier, à m'entraîner.

Il faut dire que j'étais pas doué, du coup j'ai longtemps préféré m'abstenir de peindre plutôt qu'imposer aux passants et devoir assumer des tags que je trouvais moi-même nuls. Quand je dis assumer c'était surtout vis-à-vis des mecs avec qui je traînais, ils étaient bons, à cette période Bordeaux était super en graffiti, il se passait plein de choses. J'étais d'ailleurs hyper admiratif de ce que je voyais dans la rue, sans parvenir à faire de hiérarchisation, je trouvais tout mortel.

Les rares peintures que j'ai fait à cette période étaient en terrain avec mon copain Nico (Barrome). Lui n'était pas un graffeur, il ne se sentait pas concerné par tout ça, il voulait juste s'amuser. Il m'a engrené dans nos premières peintures, qui par chance ne sont pas sorties de dossiers enfouis dans des vieux disques durs !

Nico et moi sommes ensuite allés finir nos études ensemble à Troyes, une ville bien plus petite, avec des tonnes de terrains vierges et sans arracheur de dents du graff enclins à me faire douter. On y a beaucoup peint, ramené des copains de Bordeaux, fais de nouvelles rencontres et créé le groupe Jeanspezial.

Tu fais partie des Moderne Jazz, peux-tu en dire quelques mots ?

Oui, alors pareil, je pourrai me contenter de citer les noms des mecs de Moderne Jazz (Akbar, Torpen, Frida, Bise, Christ, Opar, Royer, Ishem, Matti, Joris, Rubio, Djob, Maze, Outside et moi), mais ce serait moins parlant que la petite histoire, donc je vais encore m'étaler.

A Troyes donc, je peignais avec mes copains Jeanspez qui eux, dans la grande majorité, ne faisaient pas de lettres mais, des « scènes illustrées » (en fait, je ne sais pas comment définir les peintures des Jeanspez et je me refuse à les étiqueter « street art » qui pour moi renvoies à une esthétique super craignos avec des thématiques rebelo/adolescento/bien pensante/nazebrok/C215 qui ne peut avoir qu'un public de débiles à fleur de peau).

Après avoir passé pas mal de temps à peindre de jolis « jeanspez » au milieu de scènes remplies de persos et même si j'en garde de super souvenirs et que j'ai pris du plaisir à le faire, j'ai commencé à ne plus m'épanouir dans ce rôle.

J'ai commencé à mener une recherche en graffitis de mon côté et j'ai arrêté de participer aux fresques collectives, je suis passé par une période graffitis « connardos » épaulé par Aoek et Muerte.

Puis j'ai rencontré CT, Kurz, Opar et Rubio qui m'ont amené vers une peinture plus minimale, en aplats, centré sur le dessin de lettres, mais toujours un peu rigolotes et un jour, j'ai arrêté les contours.

Ca peut sembler anecdotique comme ça mais c'était il y a presque 10 ans et à ce moment là c'était une sacrée rupture et j'étais un peu tout seul à défricher dans ce sens-là.

J'ai ensuite déménagé à Paris, toujours avec Nico, mais aussi Seb (Touache) rencontré à Troyes et Joris (Goulenok). Paris et le graffiti c'était toute une mythologie pour moi, avec ses dinosaures, ses reustas, ses jeunes tueurs, ses cailleras de l'enfer et sans les aprems barbeucue/peinture en terrains. J'ai fait un peu de peinture en arrivant, mais sans vraiment me plaire dans cette nouvelle ambiance un peu tendue ou il fallait recouvrir untel… la seule super rencontre a été Turbo et sa bande.

J'ai peu à peu ralenti, laissant mes recherches où elles étaient et me désintéressant du reste, j'ai arrêté de regarder l'internet. Puis j'ai reçu un an plus tard, une invitation envoyée par Torpen que je ne connaissais pas, pour un djam à Brest. J'y suis allé et j'ai découvert plusieurs mecs (Frida, Bise, Torpen, Djob, Royer), plus jeunes, qui tentaient des trucs vraiment cools et j'y voyais là (en filigrane et chacun à sa manière) une sorte continuité de ce que j'avais laissé en plan en pensant que ça n'intéressait que moi.

Ça m'a remis dedans, on s'est super bien entendu et comme chacun était éparpillé aux quatre coins de France, j'ai créé un forum pour qu'on puisse rester en contact et échanger. Le forum s'est appelé Moderne Jazz et chacun a commencé à écrire ça à côté de ses peintures. Et sinon pour moi les « moderne jazz » c'est vraiment un groupe de tueurs (désolé pour l'auto-promo) ! Et même si je peux comprendre que ça ne plaise pas à tout le monde, je suis super impressionné par chacun dans son registre et par la manière que tout le monde à d'aller de l'avant sans renier le graffiti traditionnel.

Et je suis bien fier d'en faire partie. <3

Parfois en voyant tes pièces, j'ai l'impression de voir une rencontre entre un peintre du début du 20e (Matisse, Picasso, même Cezanne) et un flop. Quelles sont tes influences ?

Avant tout, j'adore le graffiti et plein d'auteurs ont eu une influence (que j'espère pas trop évidente) sur moi, j'admire les CAP en particulier, plein de parisiens plus ou moins classiques (Gues, Honet, O'clock, les FMK de l'époque, Seb en fait, les PAL, Turbo et les CE/HDA, 9.10do et l'univers des 4TH…) des bordelais (Rekm, Usine et tous les TT, les XMN, CV, Pum, Riot, Dallas & End, Runner & Tanger, les tags fous de Drek, d'Obra, les fats d'Ovoler, les tags de Clebar…), Nug, Uzi, Que, plein de mecs de l'est… Obisk et Jiem, Siao, les tags d'Iser, Skidd, Guano, Mentos, Akbar, Kegr…Tous les balèzes défricheurs en fait.

J'adore le graffiti mais j'aime aussi la peinture en général et moderne en particulier et je m'autorise à en réinterpréter certains trucs sur mur. A vrai dire je ne suis pas très érudit, j'écoutais pas trop en histoire de l'art et une expo ou un reportage à vite fait de m'impressionner et de m'ouvrir des portes.

Il y a un décalage entre les remplissages bruts et des tracès trés minimalistes. Quelle est la part de préméditation et celle de spontanéité ? Prépares-tu beaucoup avant de peindre un mur ?

En général je ne prépare pas et je fais avec ce que j'ai sous la main. Parfois j'ai quand même l'idée d'un truc que je veux essayer, ou une photo quelconque dans mon téléphone que j'avais prise en pensant que ça pouvait me guider sur une peinture. Mais je n'arrive jamais avec un plan d'attaque tout prêt, un sketch et pile les couleurs qu'il faut.
Anecdote à l'appui : ma première peinture sans contour c'était avec Opar et c'était pas prévu : il m'avait invité à peindre à Bordeaux et je n'avais pas de matériel, il m'a dit qu'il s'occupait de tout. Je l'ai rejoint sur un spot vierge, il m'a tendu un carton, il n'y avait que des bombes noirs. Je l'ai regardé et il a répliqué « t'inquiètes j'ai aussi une fin de bleu clair », c'était en 2007 et je me suis remis à faire des contours que très récemment.

Autre exemple nul : j'ai récemment été peindre avec des fins de bombes de toutes les couleurs (chose qui ne m'arrive jamais, j'essaye d'utiliser une palette réduite en général). J'ai finalement fait une de mes peinture préférée, qui a aussi laissé sa marque sur les suivantes.

Pour répondre à la question sur la spontanéité et l'expérimentation, c'est vrai sur la forme, je tente des trucs et je ne m'interdit pas grand-chose. Mais je pars toujours de mon enchainement GS, j'ai longtemps été content d'avoir trouvé ce petit truc rien qu'à moi, cette phase avec le petit Z entre le G et le S qui se touchent. Ça me permettait de décliner à loisir et d'essayer plein de choses niveau remplissage et texture, tout en ayant ce fil conducteur qui me permettait de garder une petite cohérence.

Mais à force c'est devenu automatique et je n'arrive plus à m'en défaire, je n'ai plus aucune idée de forme de GS et ça me lasse. Du coup mes dernières peintures ne sont pas des Gsulf.

Que penses-tu du graffiti actuel ? du street art ?

J'ai l'impression qu'on est un peu arrivé au bout de la maitrise perfectionniste de l'outil spray (aplats parfaits, dégradés, traits constants qui ne coulent pas, fumés de fat cap voluptueux…). Les fabricants de bombes ont bossé dans le sens de la propreté depuis des années, les graffeurs avec. Pendant ce temps, on a un peu oublié ce que la peinture à la bombe pouvait apporter plastiquement, on a très peu questionné l'outil (peindre de loin, faire de faux aplats, des crachotis…). Jusqu'à très récemment, un trait pas parfait est resté le trait d'un mec qui ne sait pas peindre, un trait de toy, alors que ça peut être bien plus expressif, avoir une âme. A la manière des peintures des pionniers cainris que je trouve souvent bien plus personnelles et plus fortes que des graffs super techniques, nickels, mais aseptisés.

Pour en revenir au matos c'est d'ailleurs assez marrant de constater que maintenant, les mecs et moi le premier, vont mettre des caps d'origine sur des 94 pour recréer les défauts des spray originelles que les ingénieurs ont mis 15 ans à gommer.

Et concernant le street art, j'ai abordé le sujet un peu plus haut, je n'ai pas grand chose à en dire… J'ai l'impression que le mot a été inventé récemment pour vendre des drouilles à des joueurs de foot ou des stars blindées qui ne pompent que dalle et malheureusement, le crétin moyen suit. C'est aussi un mot bien utile pour enrhumer les employés de mairies et leur vendre des projets bien nazes, en leur donnant l'impression de faire un truc de jeune. Ça me fait un peu penser au mot « fun ».

Voir en ligne : Lire sur Bogashi

DJ Paypal's Footwork of the Absurd

DrNoze — 2016-05-30T13:23:31Z

Co-signed by Chicago's Teklife crew and Flying Lotus' Brainfeeder imprint, this elusive producer is spinning footwork in novel new directions, highlighting the genre's undervalued sense of playfulness in the process. By Meaghan Garvey.

DJ Paypal's apartment in Berlin hasn't had Wi-Fi in weeks. For this young artist, the impact of such a loss is especially acute—akin to Samson getting a haircut or Rick Ross developing a life-threatening shellfish allergy. The elusive footwork and juke producer, affiliated with Chicago's Teklife crew, his own Mall Music collective, and most recently, Flying Lotus' Brainfeeder imprint, has built a career and a family through online footwork forums, SoulSeek mining, and countless tracks shared across the globe. He met the late DJ Rashad, DJ Spinn, and the rest of his future Teklife brothers through a Facebook group. He once dumped 30 footwork edits of Drake songs into the void. Without the Internet, there is no DJ Paypal.

Born in North Carolina but a Berlin resident for the past few years, he has no interest in disclosing his real name due to a combination of guardedness, fame-apathy, and strategy for finessing potential visa issues. Up until recently, he hadn't played in public without his face completely obscured by way of sunglasses, Bulls flat-brim, and a Teklife T-shirt. He connects to me over Skype from his friend's place, but the camera is off. “I just don't want pictures of my face posted everywhere, I'm opting out,” he explains. “I don't wear the mask anymore, though. It got too hot and I have too much hair.” As far as autobiographical details, he says he's 22 and “not white,” and that's about it.

Stumbling down some endless Bandcamp rabbit hole circa 2012, my first response to Paypal was : This guy's trolling, right ? First off, there's the name—either a deep, post-ironic statement on capitalism's embroilment with art, or pure stoner joke. The moniker started off as the latter, Paypal says, adding, “It's funny to say it's a metaphorical statement—it's honestly more of a troll when we tell people to take it seriously.” He's fond of glossy, hyper-commercial imagery jacked from mega-corporations like his namesake. “I think they'll sponsor me,” he deadpans.

"Why" — DJ PaypalVia SoundCloud

The cover of Sold Out, his new eight-song mini-album, splashes his own name across a billboard lit by campy lens flares and melodramatic pastels ; that soft breeze you feel is the flutter of sarcastic jazzhands. But once you hit play, it clicks : His playful but undeniably sincere music holds everything together. His first EP, Why, self-released in 2012 through Mall Music, was a breathless, beaming five-song spin through disco samples on speed, Escher-esque drum mazes, and the transcendent chipmunk-juke remix of Drake's “Over My Dead Body” I didn't know I needed in my life. But Sold Out, Brainfeeder's first footwork release, is clearly Paypal's opus. Manic, joyful, and confounding, the record flits from heady jazzercise juke, to vertigo-inducing African polyrhythms, to the poignant closing power ballad “Say Goodbye”, a strong contender for this year's most beautiful footwork track. If this is the sound of Paypal selling out, the world should lavish him in endorsements.

But while Sold Out may be his most serious release, Paypal is not looking to stiffen up anytime soon. “Humor is the yin and yang that's missing from a lot of music,” he says. “Either people take themselves way too seriously, or it's entirely a joke. I don't see it mixed together very often. But something I heard in Teklife music, and in a lot of music coming out of Chicago, was the humor.” It's one of the more underlooked aspects of footwork's appeal, from Rashad and Freshmoon's “Everybody”, with its slapstick sample of the “Best Cry Ever” meme, to Traxman's dizzying kitsch. Paypal adopts that spirit of mischievousness as a zen mantra, then stretches it to its most opulent, batshit extreme. Through it all beams an emotional clarity he can only reach through absurdity : “I can't cry without laughing.”

DJ Paypal
Pitchfork : How does a guy from North Carolina come to fall in love with footwork ?

DJ Paypal : I first heard it around 2009 through a combination of SoulSeek and some weird blog I can't even remember the name of, and it was instantly the dopest thing. At the time, I was playing drums in bands and listening to electronic music on the side, and then I started playing footwork at high school house parties—people would go insane even though they didn't know what was going on. We would have some crazy shows ; usually there would be some shit kid playing bro-step and trap, but then we would go on and get the place shut down by the cops. So I was playing footwork out so much in college I figured I may as well start making it myself in 2011, when I got my first computer for school. And now they're now doing even more footwork in Raleigh—there were like four new footwork producers the last time me and [DJ Earl] were there.

"Slim Trak" — DJ PaypalVia SoundCloud

Pitchfork : Do you feel uncomfortable in the spotlight ?

DJP : A little bit, I can't lie. I'd rather other people take the spotlight right now ; everybody in Chicago needs to be having more spotlight than me.

Pitchfork : It's obviously great that footwork culture has been embraced outside of Chicago, but then you get into questions of ownership.

DJP : It comes down to appropriation, in a sense, and I don't want to do anything but support the homies in Chicago. My goal with Teklife is to get everybody else up on their branding so they can be successful. One or two people can't do it by themselves, but as a team, we can.

Pitchfork : Sometimes I sense that footwork is appreciated on a larger scale overseas and even in New York than it is in Chicago.

DJP : That's the truth—I think Chicago fucks with footwork the least. Now they're on drill and basically just rap music, which in itself isn't bad—I like Chicago rap. But Rash and Chi Boogie had tracks on the radio, you know ? Now that whole thing is gone, and that really ruins the dynamic, because radio reaches the public, the youth.

Pitchfork : As someone who had to approach footwork from the outside, would you say there's a “right way” to participate in that culture ?

DJP : To make it, you first need to know thousands and thousands of tracks. You need to have a database. A lot of kids hear like five tracks and start making footwork, and that's not respectful. And as a listener, I would suggest not approaching it as “electronic music.” I've heard people say, “Well, this is just shitty electronic music, it sounds like FruityLoops.” They don't focus on the actual rhythms and how complicated it is. And you gotta have a sub.

Pitchfork : Despite the fact that you like to fuck with people a little, it's obvious you are taking the music itself quite seriously.

DJP : It's definitely not ironic. But there is a way to take trolling seriously too and be really educated on meme musicians of the 1990s and 2000s. That kind of knowledge allows you to be a troll. It seems almost scientific. Really informed trolls are like theorists.

Pitchfork : What is the secret to being a good troll ?

DJP : Pissing people off but making them feel good. When someone posts on a forum and they're angry about getting trolled, it's because the typing makes their fingers feel good. People get enjoyment out of getting offended.

Pitchfork : That said, Sold Out is sophisticated and quite emotional ; do you feel like you toned down the humor this time around ?

DJP : Oh, this one's fucking hilarious to me. The track with Taye and Nangdo, “On a Cloud”, kind of sounds like Willy Wonka and munchkins doing the Oompa Loompa dance.

Pitchfork : What was your relationship with DJ Rashad like ?

DJP : In 2012 he asked me to send him some tracks. And when we met in Berlin, he and Spinn were the special guests at my girlfriend's party. We all went back to my house and had a crazy time, making tracks, talking all this shit. There was something about Rashad. He was talking about the future, and it seemed really, really important. He was a takeover kind of guy.

My favorite memory with him was just making tracks. I had this tiny keyboard with these tiny MIDI keys and he was just banging out this crazy Mortal Kombat synth on it. We all just started laughing really hard. And then we used an ice-pick to take off a bit of this huge rock of MDMA my roommate had. We did that, we smoked a bong, and we kept on working. That was probably the highest I've ever been.

Pitchfork : What went through your head the day he passed ?

DJP : I was in Madrid, and the promoter came to me halfway through my set and told me. I just left the club in the middle of my set and tried to call Taye and Earl, just freaking out. And then the promoter came out and slapped me in the face kind of hard and told me : “What would Rashad do if this happened ?” So I went back in the club and told them : “Nobody else goes on.” I just played Rash's tracks for four more hours. After that I went over to this dude's house and we did this weird Spanish speed, listening to “Rollin” over and over again.

There was nobody doing as much as he did. And that's a hard thing to put on anybody, especially as a father, a touring musician, and a person who has to lead a whole crew and company, basically. His role is not going to be filled by anybody else. It can't be. So we're gonna work harder, because it's not going to be easy.

Voir en ligne : Lire sur Pitchfork

Serge Gainsbourg : les années reggae

DrNoze — 2015-12-01T14:28:00Z

Si "La Marseillaise" de Serge Gainsbourg est aujourd'hui un classique, cette chanson enregistrée en Jamaïque déclencha à sa sortie le scandale ultime de la carrière du chanteur provocateur. Sa biographe, Sylvie Simmons, retrace l'enregistrement de cette version reggae de l'hymne national.

26 octobre 2015
Par Sylvie Simmons
Cela faisait un moment que cela le taraudait, Gainsbourg, de savoir comment il allait faire pour clore les années 70 de façon aussi sulfureuse qu'il avait mis un terme aux sixties. En 1969, son duo avec Jane Birkin, "Je T'Aime... Moi Non Plus", avait déclenché le scandale et fait sonner les tiroirs caisses. Si Gainsbourg aimait la provocation autant qu'il adorait le succès, il ne voulait rien compromettre pour l'obtenir. Le défi était donc de taille.
Serge Gainsbourg - Marilou Reggae
Les années 70 avaient été la décennie de l'album concept pour Gainsbourg – en commençant en 1971 par le plus abouti de tous, Histoire De Melody Nelson. Au fil des ans, ses concepts devinrent de plus en plus déchaînés : Rock Around The Bunker, avec son rock and roll Nazi, et L'Homme A Tête De Chou, une histoire à la Melody Nelson avec des amours obsessionnelles, du sexe, la mort, la folie et l'autodestruction, cette fois centrée autour d'une jeune black, Marilou, shampouineuse chez un coiffeur pour hommes. Le protagoniste la suit jusque chez elle, épie ses ébats avec des musiciens hippies, la regarde se masturber en lisant une bande dessinée et, lorsqu'elle se moque de ses avances, la tue, et finit par perdre la raison. Musicalement, c'était un mélange de rock complexe, quasi progressif, d'orchestrations aussi somptueuses que menaçantes, de rythmes africains et de reggae sur le titre "Marilou Reggae". Les critiques rock français, défoncés au punk, portèrent ce disque aux nues : un chef d'œuvre nihiliste. Il ne se vendit pas.
Gainsbourg adorait les bonnes critiques, mais il recherchait surtout la consécration du public. Alors, tandis qu'il continuait à écrire des titres pour son ancienne clientèle, des artistes comme Francoise Hardy et Zizi Jeanmaire aussi bien que pour de nouveaux venus comme Alain Chamfort, il restait obsédé par la sortie d'un disque sous son propre nom qui le ré-expédirait au firmament. Ce ne serait pas ses expérimentations dans la disco bilingue vers de la fin des années 70 (Sea, Sex and Sun), et ce ne serait pas non plus ce concept album (abandonné plus tard) d'un homme à l'arrière d'un taxi londonien qui succombe à une crise cardiaque tandis que son passé défile devant ses yeux et que le compteur s'écoule.
Ils trouvèrent le studio d'enregistrement dans une rue poussiéreuse. Chèvres et poules s'y promenaient sous le soleil. L'ingé son avait disparu.
Finalement, vers la fin de l'été 1978, ce sera Philippe Lerichomme – le producteur et directeur musical de Gainsbourg – qui lui suggérera d'enregistrer un album reggae. "On m'avait demandé d'aller en boîte un dimanche soir pour écouter une bande de punks qui devaient monter sur scène à minuit," raconte Lerichomme. "Alors je me trouvais là, dans ce lieu à moitié désert, et je n'entendais rien d'intéressant. Minuit arriva mais les punks ne sont pas montés sur scène. En attendant, le DJ passait de vraies pépites – du punk et du reggae. Alors ça m'est venu, comme un éclair. J'ai attendu un moment, comme il était 2 heures du matin, puis j'ai appelé Serge et j'ai dit, 'Il faut qu'on aille en Jamaïque enregistrer un album reggae.' 'Banco !', m'a-t-il répondu."
Lerichomme connaissait Chris Blackwell, le fondateur d'Island Records, qui avait passé son enfance en Jamaïque et qui était responsable de l'introduction de Bob Marley, ainsi que d'autres grands artistes reggae, sur la scène mondiale. Ils se parlèrent au téléphone et Blackwell lui suggéra quelques albums reggae ; Lerichomme et Gainsbourg les ont tous écoutés. Après s'être mis d'accord sur le son et les musiciens qu'ils recherchaient, Blackwell les aida à embaucher Sly (Dunbar) et Robbie (Shakespeare), le célèbre percussionniste Uzziah "Sticky" Thompson et, en tant que choristes, les I Threes, qui comptaient parmi elles la femme de Bob Marley, Rita. Une semaine fut bloquée aux Dynamic Sound Studios de Kingston – l'équivalent Carribéen de Muscle Shoals – et en septembre 1978, Gainsbourg et Lerichomme partirent pour la Jamaïque.
Puis Sly a dit, "On ne connait qu'un morceau de musique française. Une chanson qui s'appelle 'Je T'Aime... Moi Non Plus'". Alors Serge lui lança en anglais, "It's me !"
Ils trouvèrent le studio d'enregistrement dans une rue poussiéreuse. Chèvres et poules s'y promenaient sous le soleil. L'ingé son avait disparu. Sly et Robbie s'y trouvaient bien mais leur accueil fut tout sauf chaleureux. Gainsbourg et Lerichomme ne comprenaient pas le fort accent jamaïcain des producteurs et ceux-ci avaient tout autant de mal avec l'accent français fortement prononcé des deux autres. Pour commencer, Sly and Robbie pensaient que Lerichomme était l'artiste et Gainsbourg, son manager, comme il était le plus âgé des deux et portait un costume. "C'était plutôt tendu, personne ne souriait," se rappelle Lerichomme, "et puis Serge, en essayant de briser la glace, dit, 'Vous connaissez de la musique française ?' Ils se mirent à rire, 'De la musique française ? On est Jamaïcains.' Serge et moi on se regardait, dépités. Puis Sly a dit, 'On ne connait qu'un morceau de musique française. Une chanson qui s'appelle 'Je T'Aime... Moi Non Plus,' avec une fille qui gémit. Alors Serge lui lança en anglais, 'It's me !' Ça a détendu l'ambiance".
Serge Gainsbourg - Lola Rastaquouere
Sly et Robbie pensaient que cet homme d'âge mûr aux beaux vêtements voudrait un son lisse et joli, alors Gainsbourg et Lerichomme passèrent beaucoup de temps à convaincre les musiciens du contraire. Lorsque le groupe attaquait de façon plus roots, ils applaudissaient. Comme s'en souvient Sly Dunbar, "Serge ne faisait que chanter et nous on ne jouait que du reggae, et il ne disait pas grand chose. Il était à fond dans la musique, mais il s'amusait aussi. Il buvait constamment mais n'avait jamais l'air ivre – il fumait tout le temps aussi. Je ne l'ai jamais vu fumer de la ganja, juste ses cigarettes françaises dans leur paquet bleu. Il ne chantait pas vraiment, mais plus comme un poète, il scandait des rimes en français sur les rythmes. On ne savait pas du tout ce qu'il disait."
"Ce n'est pas Bob Marley qui a initié la France au reggae," se vantait Serge dans un de ses moments les plus théâtraux, "c'est moi !"
Et c'était peut-être mieux ainsi. "Lola Rastaquouere" était une ode à une très jeune rasta ; "Relax, Baby Be Cool" une routine de drague avec en arrière plan, des hommes cagoulés du Ku Klux Klan et du sang qui coule dans les rues. "Eau Et Gaz A Tous Les Etages" parlait d'un homme bite à la main, qui pissait et pétait en montant des escaliers, alors que "Des Laids Des Laids" était un hommage à la chienne de Gainsbourg, Nana, ou comme il le disait, "du reggae pour ma chienne". "Le seul moment où il nous parlait," ajoute Dunbar, "c'était quand on lui suggérait de rajouter des pistes avec des instruments supplémentaires et qu'il nous répondait, 'Non, non, non, non, non, Je veux que ça soit vrai, brut – tout simple'". En fin de journée ils étaient là, assis dans le studio à écouter les playbacks entourés des musiciens fumant leurs énormes spliffs, en s'exclamant, "Super ! Génial !'".
En moins d'une semaine – bien avant la date prévue – le disque fut bouclé. De retour à Paris, Serge régala Jane avec ses histoires d'enregistrement un brin exagérées, où les poules caquetaient directement sur les consoles de mixage. Mais il était très content, affirme-t-elle, et était enchanté par son album reggae. Dans un entretien avec un journaliste rock réalisé à cette époque, Gainsbourg déclarait qu'il aimait le punk et son anticonformisme mais qu'il aimait encore plus le reggae – parce que le reggae était sexuel et subversif. Le public s'en rendra bien compte en 1979 avec la sortie de ce nouvel album, Aux Armes Et Caetera.
Serge Gainsbourg - La Marseillaise
Le titre était inspiré des paroles de La Marseillaise, une chanson que Serge décrivit à Libération comme "la chanson la plus sanglante de toute l'histoire". La "Marseillaise" reggae de Gainsbourg était un coup de maître. A l'écoute de cette bande de rastas jouant l'hymne national, les français eurent leur propre version du "God Save the Queen" des Sex Pistols ou du "Star Spangled Banner" de Jimi Hendrix mais cette fois, roulé dans un gros joint et fumé jusqu'au carton. "Ce n'est pas Bob Marley qui a initié la France au reggae," se vantait Serge dans un de ses moments les plus théâtraux, "c'est moi !".
En avril 1979, lorsque le titre passa pour la première fois à la télévision, l'on poussa des cris d'orfraie qui noyèrent complètement le scandale créé par "Je T'Aime... Moi Non Plus" dix ans auparavant. Gainsbourg reçut des menaces de mort. Le Figaro proclama que la chanson était un outrage, et le gaulliste Michel Droit publia un édito mettant en question la nationalité française de Gainsbourg, l'accusant de mercantilisme. Son texte était si antisémite que Gainsbourg, proche des larmes, écrivit un long droit de réponse où il exprima ce qu'il avait ressenti lorsqu'il avait été obligé de porter une étoile jaune en tant que jeune garçon juif lors de l'invasion Nazi de Paris.
Et même s'il était haï par les nationalistes et une bonne partie de la droite, il était adulé par un public jeune qui ne cessait de s'agrandir.
Serge n'avait jamais oublié l'humiliation et le rejet de ces années. D'ailleurs, après le succès de "Je T'Aime... Moi Non Plus", la première chose qu'il fit, fut de se conférer une médaille, une étoile de David platine façonnée chez Cartier, comme une façon de plus pour exorciser ces années. Rock Around the Bunker avait constitué un autre pas en ce sens. Serge signa cette lettre avec le nom sur son certificat de naissance – qu'il avait changé en 1954 lorsqu'il avait enregistré ses premiers titres, car il trouvait que ce nom sonnait comme celui d'un coiffeur juif – Lucien Ginsburg.
La mauvaise presse fait vendre. Aux Armes Et Caetera fut un succès colossal. Pas seulement financièrement mais aussi musicalement. En invitant la crème de la crème du reggae à jouer le même dub sombre, enfumé et décapant qu'ils auraient joué même s'il n'y avait pas eu un Français blanc et entre deux âges au micro, on obtenait un son jamaïcain de première classe qui allait comme un gant au style mi-parlé mi-chanté de Gainsbourg. (Comparez pour voir la version reggae, "Javanaise Remake" avec le classique de 1963). Et même s'il était haï par les nationalistes et une bonne partie de la droite, il était adulé par un public jeune qui ne cessait de s'agrandir. Et de la même façon dont les punks anglais avaient accueilli le reggae à bras ouverts, les punks français adoptèrent le reggae à la Gainsbourg. A 51 ans, à l'orée d'une nouvelle décennie, Serge était officiellement cool.

Serge Gainsbourg avec un orchestre lors d'une répétition le 24 Décembre 1979 au Palace Keystone-France / Getty Images
Personne ne sait si l'organisation d'une tournée Aux Armes Et Caetera était une idée de Gainsbourg ou de sa maison de disques, mais Gainsbourg insista pour que l'on fasse venir son groupe de Jamaïque. Partout, il joua à guichets fermés. Le concert d'ouverture au Palace – qui était enregistré pour un album live – fut l'un des événements les plus en vue de l'époque, et les célébrités faisant partie du public allaient des stars de la variété auxquels on pourrait s'attendre, à Rudolf Nureyev et Roland Barthes.
Une fois la capitale derrière eux, les choses prirent une tournure moins glamour. A Strasbourg, un groupe de parachutistes à la retraite avait envoyé une pétition au maire pour interdire le spectacle, menaçant que, s'il se déroulait malgré tout, ils seraient "obligés d'intervenir physiquement et moralement avec les forces dont nous disposons". Gainsbourg embaucha un garde du corps. Il y eut des alertes à la bombe. Robbie Shakespeare s'en souvient, "Je n'ai pas dormi pendant des jours car dès que je m'assoupissait, quelqu'un appelait [ma chambre] en disant, 'Monsieur, vous devez quitter cette pièce.'" Jane, qui voyageait avec Serge, se rappelle qu'on les réveilla dans leur chambre au petit matin pour les ordonner de sortir. "Tous les [touristes] Américains étaient furieux de se trouver là, à deux heures du matin, avec une bande de rastas et puis Serge et moi en pyjama."
Serge Gainsbourg - Aux Armes / La Marseillaise
La date à Strasbourg fut finalement programmée, même si, parmi les foules, il y avait un grand nombre d'hommes en uniforme à la mine patibulaire. Birkin, qui se tenait derrière un haut-parleur, regarda, apeurée, Gainsbourg entrer sur scène, seul. Le groupe était absent. Les avis divergent sur la raison. Birkin affirme que Gainsbourg les avait renvoyés car il ne voulait pas qu'ils soient blessés par sa faute. Shakespeare pense que, vu tout ce qu'ils traversaient, les musiciens exigeaient de plus gros cachets qu'il ne pouvait ou ne voulait assurer.
Puis Gainsbourg chanta "Aux Armes / La Marseillaise" a capella, comme n'importe quel Français entonnerait l'hymne national. Les parachutistes n'avaient d'autre choix que de se mettre au garde-à-vous.
Alors il n'y avait qu'un homme, ce Juif au visage pâle, planté là sous les feux de la rampe. Il y avait des cris et des huées. Puis Gainsbourg chanta "Aux Armes / La Marseillaise" a capella, comme n'importe quel Français entonnerait l'hymne national. Les parachutistes n'avaient d'autre choix que de se mettre au garde-à-vous.
C'était une ruse excellente – et un vrai coup de théâtre. Gainsbourg conclut avec un bras d'honneur. "Ma manchette était juste assez basse pour que l'on voie ma montre," raconta-t-il ensuite. C'était une pièce hors de prix achetée chez Cartier, le même créateur qui avait façonné son étoile juive en platine. Une énième provocation, un pied de nez à la caricature du "riche Juif" qui lui collait aux basques, celui dépeint par Droit dans Le Figaro.
Cet événement, admet Birkin, ainsi que l'attention démesurée qu'Aux Armes continuait de susciter, plongea Gainsbourg dans une sorte de délire : c'est en héros qu'il rentra à Paris et tous les soirs il insistait pour que Jane sorte en ville avec lui, où il se pavanait devant les foules, buvant toute l'attention et les compliments qu'il recevait comme du petit lait. Il fallait beaucoup d'alcool pour qu'un type timide comme lui puisse jouer les gros durs – et c'est à ce moment, constate Birkin, que Gainsbarre, cet alter égo soiffard et dur à cuire, commença à voir le jour.

Serge Gainsbourg trinque avec des soldats et des légionnaires de l'armée française le 14 juillet 1985 à l'Elysée. Keystone-France / Getty Images
En septembre 1981, presque trois ans jour pour jour après sa première rencontre avec Sly, Robbie et les I Threes, Gainsbourg commença à travailler sur un second album reggae. Lerichomme le lui avait déconseillé – "J'essayais toujours de m'assurer qu'il était en avance, jamais un suiveur, jamais à la traine" – mais Gainsbourg avait les gens de sa maison de disques dans sa poche car ils rêvaient d'une nouvelle version d'Aux Armes qui s'était écoulé à des millions d'exemplaires. Alors, son fidèle producteur l'accompagna mais il avait eu raison de se méfier. Cette fois le studio était le luxueux Compass Point aux Bahamas qui ne ressemblait en rien au décor décontracté de Dynamic Sounds. Sly et Robbie étaient désormais des hommes d'affaires affranchis. (Lerichomme se souvient qu'ils se promenaient avec des exemplaires de Billboard, la bible du show-biz américain, sous le bras.) A cela s'ajoutait l'alcoolisme de Gainsbourg et l'atmosphère devint vite glaciale. Tout ce dont Shakespeare se rappelle de leur deuxième opus reggae avec Serge est que "quelque chose avait changé par rapport au premier – c'est un peu difficile à expliquer." Quant à Dunbar, il affirme n'en avoir aucun souvenir.
Serge Gainsbourg - Evguenie Sokolov
Mauvaises Nouvelles Des Etoiles parlait de joints, de sperme, des couches souillées de sa fille et de Mickey Mouse ; une des chansons était composée de bruits de pets sur fond reggae ("Evguenie Sokolov"), une autre prétendait que Dieu était Juif lui aussi ("Juif Et Dieu") et encore une nous présentait officiellement la figure dissipée de Gainsbarre ("Ecce Homo"). Birkin, qui avait des griefs plus personnels contre Gainsbarre, n'en pouvait plus. A l'aube des années 80, elle le quitta pour le metteur en scène Jacques Doillon, l'homme visé par la plume acerbe de Gainsbourg sur "Vieille Canaille", de l'album Aux Armes.
Le deuxième album reggae de Gainsbourg sortit en novembre 1981. Il n'y eut pas d'alertes à la bombe, pas d'éditos enflammés, et pas grand chose en fait. Car rien ne serait jamais plus fort qu'Aux Armes en matière de nouveauté et d'originalité, et rien ne pouvait choquer plus et ne pouvait avoir davantage d'importance socio-politique qu'un Juif menant une bande de Jamaïcains pour entonner l'hymne national. Cet année-là, Gainsbourg acheta le manuscrit original de Rouget de Lisle – "cela a failli me ruiner," reconnut-il, "mais c'était une question d'honneur".

Serge Gainsbourg : The Reggae Years sur Spotify

Sylvie Simmons est l'auteure de Serge Gainsbourg : A Fistful of Gitanes, désormais disponible en version numérique et augmentée.

Voir en ligne : Lire sur Redbull Music Academy

The Wu-Tang Clan's 20-Year Plan : The Record : NPR

2013-04-09T10:31:22Z

Pour fêter les 20 ans du Wu-Tang Clan, NPR a fait une longue interview de RZA à écouter ou à lire sur leurs pages. RZA y retrace les 20 premières années du groupe. Vous trouverez ci-dessous les premières lignes de l'interview.

The Wu-Tang Clan's 20-Year Plan

by Frannie Kelley April 08, 2013 6:00 AM

Morning Edition 7 min 20 sec Playlist Download Transcript Enlarge image i

The Wu-Tang Clan. Clockwise from left : Ol' Dirty Bastard, the GZA, the RZA, Inspectah Deck, Masta Killa, Raekwon and Ghostface Killah. Center, from left, Method Man and U-God. Courtesy of the artist

This year marks the 20th anniversary of a remarkable year in music. Over the 12 months of 1993, Queen Latifah, De La Soul, Salt-N-Pepa, Snoop Dogg, A Tribe Called Quest and more than a dozen other rappers released albums that helped to change the sound of America. One of those albums wasn't just a collection of songs — it was a business concept, too. The Wu-Tang Clan's 1993 debut was the opening shot of an audacious plan to open the music industry to hip-hop made way outside the mainstream.

Back in the early '90s, Robert Fitzgerald Diggs looked around and saw the music industry betting on rap-lite — think Will Smith and Young MC, both of whom had won Grammys in the late '80s. Songs like "Parents Just Don't Understand" and "Bust a Move" just weren't for him, or his friends.

"We were street kids," he says, "guys that was more like felons, or high-school dropouts. Not saying this is a positive thing, I'm just saying this is the difference of our character."

He saw an opportunity. "If you keep eating McDonald's, you gonna get sick. You need a real home-cooked meal. And I knew that that would be healthier. And that's what Wu-Tang was : It was a home-cooked meal of hip-hop. Of the real people."

Diggs also saw that he was going to have to prove to the industry that the style of hip-hop he wanted to make would sell. "Because if you look at hip-hop at that time," he says, "it wasn't a lot of artists selling gold or platinum albums. There was a lot of hip-hop artists, but they wasn't going gold, they wasn't going platinum."

He knew the best rappers on Staten Island. They came to his house to watch kung fu movies and battle rap and study the teachings of the 5 Percent Nation, an offshoot of the Nation of Islam. Two were his cousins, one was his roommate, a couple were, technically, his rivals. So he had to do some convincing, but he recorded a verse by each of them, added one of his own and pressed up an eight-verse, grimy-sounding, no chorus, vinyl-only single : "Protect Ya Neck."

Diggs set up a company called Wu-Tang Productions, named after the bad guys in a movie. "I thought that Wu-Tang was the best sword style," he says, "the best sword-style of martial arts. And the tongue is like a sword. And so I say that we have the best lyrics, so, therefore, we are the Wu-Tang Clan."

He changed his name to the RZA — an acronym that refers to his theological studies, asked his roommate's DJ to make a logo, and he called a meeting.

"I used the bus as an analogy," he says. "I said, 'I want all of y'all to get on this bus. And be passengers. And I'm the driver. And nobody can ask me where we going. I'm taking us to No. 1. Give me five years, and I promise that I'll get us there.' "

Us was the RZA, the GZA, Ol' Dirty Bastard, Inspectah Deck, U-God, Ghostface Killah, Method Man, Raekwon and Masta Killa. They all signed on to the plan. For Ghostface, signing wasn't even a question. "This is what we loved to do. We rhymed all day," he says. "Still now, but at that time, we really, really, really, really loved it."

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Voir en ligne : http://www.npr.org/blogs/therecord/...

Who Is Wiki ? | Complex

2013-03-28T16:18:07Z

Une excellente interview de Wiki et SPORTINGLIFE (RATKING) chez Complex.

A few weeks ago, we posted the video for "Wikispeaks" by 18-year-old Manhattan rapper Patrick "Wiki" Morales. At the time, we weren't sure who he was, but we knew his song was dope. Intrigued, we sought out Wiki's 1993 EP, which dropped last October and mostly went unnoticed. As it turns out, the six-song EP is nothing short of excellent.

The EP features Wiki spits endless bars with his high-pitched nasal voice that's oh so reminiscent of a young Slim Shady. However, his lyrics are probably more comparable to Buckshot and the project was in fact inspired by Cam'ron's S.D.E. The record has its own specific aesthetic that's distinctly New York and totally unlike anything else filling up blog posts today.

We had to know more so we got down with Wiki and his RATKING crew. We met up at RATKING headquarters in Harlem, New York. Though their HQ is mostly just a bachelor pad where two of the group members live, art drapes the walls and never-ending discussions about rap abound.

As it turns out, young Wiki One Eyebrow (which he calls himself in reference to his uni-brow) can wax poetic for hours about how Cam'ron never fell off, how Eminem didn't murder Jay-Z on his own shit, and howWu-Tang Clan really ain't nothing to fuck with.

Most of Wiki's rap discussions are with fellow founding member of RATKING, producer SPORTINGLIFE, who produced all of 1993. We sat down with the RATKING crew to find out Who Is Wiki ? and even got a ton of insight from SPORTINGLIFE. So click ahead and read about the New York's newest dope MC...

Lire la suite sur complex.com

Voir en ligne : http://www.complex.com/music/2012/0...

FOOTWORK, FOOTWORK, FOOTWORK ! part II

2011-12-01T19:44:39Z

Une excellente interview datant de 2010 de Neema du label chicagoan de juke & footwork ghettophiles.com trouvée sur http://generationbass.com

And here's part II of this special on FOOTWORK ! I do hope you enjoyed the first part. Mike of Planet Mu hooked me up with NEEMA, affiliated with Ghetto Teknitionz aka Ghettotekz, who are DJ Rashad, DJ Spinn and DJ Earl), he runs the Juke Trax Online label, and is very passionate about footwork. I asked him sim questions as well about FW and got slighly different answers of course, plus we focussed a lil more on production as well, check it :

-how did FOOT WORK evolve ? and whats its predecessors ?

Footwork really is the evolution of house dance mainly in Chicago's black communities. A lot of the moves you see nowadays is just super sped up house moves. For a lot of us, Cajmere's track, the Perculator was really what really began the footwork dance movement. Just to give you an example, one of the original, as well as most popular footwork crews was one called House-O-Matics. They truly believed their dance was house dance, and they're right absolutely right !

Music wise, it basically goes from house to ghetto house to juke and footwork. juke and footwork aren't usually classified as different genres simply because they grew out of the same time, and often by the same artists…a lot of whom were former footworkers. RP Boo, Spinn, and Rashad all came from House-O-Matics while DJ Clent came from Tha Tunnel.

And there's not a real big difference between juke and footwork. Structurally, it's really a lot of the same stuff, and the two sound structures are both incorporated into tracks all the time.

Now, the music has had an evolution over the past 10-15 years. The most noticeable is that it has sped up from tracks being in the 130-140 range up to a standard of 160..155 for RP Boo. Additionally, the tom patterns have had to change a bit since the mid to late 90s, and a lot more tracks don't just have claps on the 2 and 4. There's a lot more focus on snares and kicks.

Additionally, the footwork tracks that I've seen people pick up on the UK are a bit dated, meaning the style has changed up a looooot since it was merely tracks with huge reliance on toms and one or two word samples. I've attached some files that you can fee free to put up on your site. But yeah, they really don't sound anything like the Nate tracks people seem to really like out there.

-what's the basic FOOT WORK tempo and build up ? and what are your basic FOOT WORK production tools ? (or which software do you use ?)

I sort of mentioned this when I answered the previous question, but the tempo is pretty much set standard at 160. some tracks have just the craziest rhythm patterns, so mixing it in and out quickly requires a friendly standard tempo.

Production tools depends on who makes it. A lot of the older heads try to enforce the MPC 2000XL, or 3000. A lot of the kids who start out trying to make tracks usually use off Fruity Loops. There's a few producers who use Fruity Loops who are just soooo good at making tracks with Fruity Loops that you would never be able to tell they were just making stuff on their desktop…however, there's a lot of kids who use fruity loops, and for whatever reason, you can tell. And if they're serious about making tracks, they either try learning how to use Fruity Loops better, or they invest in getting an MPC, because everyone tells em to get one ! haha.

As for sounds, a lot of people think it's the 808 drum machine. And a lot of the sounds are 808, but there's a mystery machine that is cheap as hell, that RP Boo mentions in Dave Quam's interview with him, the Roland R70. That thing has the best 808, 909, and various other roland sounds which just can't be beat !

-who are the best producers right now in the genre and where can we find and buy the tracks ?

Right now, as much as dissensus thinks I'm biased because the guys are my friends, they just can't fathom the fact I'm pretty much friends with almost all the producers that are involved in Chicago Footwork, so I really have to say it's DJ Rashad & DJ Spinn right now. Traxman is still legendary, DJ Roc from BOTC is legendary, RP Boo is legendary, but those 2 (Spinn N rashad) have changed the way the music sounds so much within the past 1 or 2 years, they have gotten huge recognition because of it. They even won an award from Walacam for best crew of the year simply because of what they've been creating.

As for sites, right now, there's isn't really one. Electrobounce used to have some reputable juke and footwork tracks, but has started to let anybody who submits music to get a distribution deal. We were actually trying to, and still are trying to create a website, ghettophiles.com to try and fix the problem, but I have spent the past 8 months, over $3000, and now up to 8 developers who have screwed me over. I don't know where the hell to go to, so if you could help me out, I'd really appreciate it !

-Mike of Planet Mu has this amazing FOOT WORK/JUKE mix up now on mixcloud, have the guys in chi found it as well ? How do they react to this influencing people in Europe right now ?

For the whole juke and footwork genre, we always thought a lot of the footwork tracks were never something that would pick up internationally, but it was cool for us to make em simply because we were so dedicated to the scene here, it didn't matter ! Now that it's picking up more than the clubby juke tracks are, it's sort of speechless, haha. Not a lot of people out here have heard Mike's mix just because it's so insular out here, but those that had were pretty damn happy to see it ! I know a lot of people were wondering why there was a lot of Nate & Trouble tracks, just because they're sort of outdated here, but you take what you can get, haha.

Thats actually the biggest thing I've seen thats sort of puzzling to some people here. It's like, “why are there so many nate, and pope tracks on this mix ?” They're sort of outdated, and no one really wants to footwork to some of these tracks in the first place. It was even hard for me to understand as well why so many people in the UK were really into the Nate, Tha Pope, DJ Darkness (who know goes by DJ Oreo), and DJ Yung Tell EM. But that's the only stuff that was available to be heard on stuff like Imeem and youtube, so thats what shaped the opinion that that was our Chicago Footwork music.

The main reason you won't find a lot of the more recognized guys is because a lot of the dj's never got the recognition they deserved when they made huge hits, and other people were taking their fame, so they made their tracks damn near impossible to be taken outside of a close circle of people who they trusted. A lot of dj's play 90% their own material simply because they dont want to find their track on limewire with someone else's name drop at the very beginning. But the guys are starting to come around and trying to change that.

And you bring up an interesting question, how will people out here react to Europe being influenced. I feel a lot of the footwork tracks I've heard from the UK have been more dubstep/uk funky blends with juke and footwork…so the bpm is around 140. But here's the thing, there's tons of producers in Germany, Belgium, and France who have been making juke and footwork tracks for a few years. DJ Hilti and Big Dope P are both amazing names that run off the top of my head for people who really know how to make a dope track. Basutbudet from Sweden has made a lot of ghetto tech, as well as juke tracks, and is now coming up with some style that's blowing my mind, and the Regulate crew from Belgium have been knowing whats up for a while now !

In fact, the Chicago ghetto house scene, while insular, has had strong connections with Europe for a looooong time. If anything, the highlight on Footwork is more like Chicago's return to the spotlight, allowing the next generation of artists after DJ Funk, Jammin Gerald, Paul Johnson and DJ Deeon to continue a highly treasured Chicago-Europe connection. A few guys have been out to Europe a few times, but becoming house hold names is what we really need to be.

And there are some out who are distrustful of European artists, and feel like they may appropriate the music yet again without giving the proper dues to Chicago artists. But we have the unique opportunity right now where the technology allows us to talk to the artists who were inspired by our work, and bridge the gap between our respectfully awesome cultures. If I were to focus on the UK for example, the Night Slugs crew has been so open and receptive to us, we can't do anything us but consider them brothers. Then to actually be able to talk to Mike from Planet Mu is an honour, and having gchat conversations with Headhunter is sort of something you scratch your head to and say, “Was I really just talking to Headhunter ?”

Yes, these guys are huge, yes, they are more popular in the States playing juke/footwork tracks or juke/footwork inspired music than we are, but they're more than thrilled to actually take time out of their week and set up a real dialogue, and they're more than willing to help bring us out overseas, and give us the exposure so many have waited their whole lives to get. I think with the right producers, and artists promoting and making this music, such as Bok Bok, Girl Unit, Headhunter, U-Ziq, this isn't going to be a musical fad, this is going to change UK music long-term, and we're happy to work with people who are actively trying to put the spotlight on us.

-do you have any plans to release more FOOT WORK music (besides the JUKE tracks you release) in the near future ? and where can we find/buy tracks ?

I personally don't make tracks, but a lot of the guys out here are in the process of making their own labels. It's just such a terrible history of crappy label after crappy label being somewhat popular for a short period of time, but then pulling shady practices, so no one wants to mess with them anymore. Now, it's hitting that point where everyone is pretty much saying the only person I know that can't screw me over is myself. It's actually a really good thing.

As for Spinn N Rashad, they're actually going to have the first vinyl release on the new label, Ghettophiles within a month. It'll also be available through Beatport, Itunes, cellphones, and all those other music stores that distributors tell you you can sell your music through but no one really uses or cares about.

-since this genre is really created to do the dance too, how will this translate to Europe you think ?

Its actually funny as hell, because besides it's acceptance in the electronica music scene, we get to expose the dance to various dance scenes out in Europe. A few of the footwork guys out here have actually created an exchange with a few members of the UK jazz fusion group, the Floor Technicians. The dance moves, history, and people who participate in them are soooo identical. We consider them our overseas brothers, simply because it's basically the same culture. Even Uk jazz fusion tracks are being picked up out here, and are being sampled to create new styles…it's awesome !

As for Europe, it truly matters on the region. Like I mentioned earlier, we've been friends with people like Big Dope P, Booty Call Crew, Mister Ries, and Dave Luxe for a while, and they not only fully embrace juke and footwork, they make it and play it at major events ! Booty Call Crew tries to make the music mainstream by throwing huge parties with headline acts like Armand Van Helden, Major Lazer, and Laidback Luke, but for the rest of the night, play straight up juke tracks. Regulate does very much the same thing, with booking acts like DJ Sega, Bird Peterson, and Scottie B, but have the rest of the artists playing original & amazing juke tracks. Hell, Regulate booked DJ Rashad, DJ Spinn, and BIg Dope P for their last Regulate Party ! That was legendary for the guys !

However, we really want to see how the UK runs with it. Will it be seen as IDM music, or will further fusions between dubstep/uk funky occur with footwork tracks, or will people be willing to accept it as its own genre ? I think the biggest problem I see right now is people making all these comparisons of Juke and footwork tracks to jungle. The best way I can prove these are two completely seperate genre's of music is by the evidence of sampling. If juke had been inspired by jungle in any way, you would have heard someone sample a jungle track by now, but it hasn't happened. It's just two completely different scenes, and while we are completely ecstatic to hear people see similarities in our music, I also see it potentially hindering the full growth of the impact this music could have on UK music.

But on the good side of the UK, they're actually incredibly original with how they make their tracks. It's such a relief to hear someone make a new style of juke and footwork tracks. We listen to soooo many tracks by soooo many artists everyday, and it all sounds the same. The last thing a good juke track is is formulaic, but so many people send us tracks that are just so uninspiring, it's gotten depressing. To hear IRL or Footcrab means an experimentation of sounds that we haven't even thought of yet ! When you have producers like Headhunter, or Girl Unit making footwork tracks, all that is is friendly competition, and friendly competition always leads to amazing innovations.

now for some music !

via our homie DAVE QUAM : RP BOO – THE ISLEY'S

crazy video collection of NEEMA : youtube can be ripped

here's a bunch of ripped FOOTWORK tracks, all low quality, but it's the best I can do right now, check it and if you find an actual CDR or release - BUY IT !

Voir en ligne : http://generationbass.com/2010/09/3...

Game Design in the Coffee - Swery @ GDC

DrNoze — 2011-03-31T10:40:30Z

Swery, le créateur du jeu Deadly Premonition, a donné une conférence lors de la GDC 2011 où il explique ses méthodes de game design. Il a posté le détail de cette conférence sur le site de Access Games, le voici, recopié, ci-dessous.

DESCRIPTION

While it's been said to have the worst graphics and controls,
the unique, appealing characters and unpredictable
complicated storyline have successfully grasped audiences.
In this session, DEADLY PREMONITION's Game Designer, SWERY,
explains his unique method of architecting games.

How did this awesomely strange so bad it's good game come
to life ? What processes were used to create the meticulously
calculated storyline and characters ? What exactly are
the lovable unnecessary elements that SWERY speaks of ?

This talk touches upon the 7 points to check if your game's
storyline might already be dead with this a frank and candid
session.

So please, relax, and join us in a roundtable-like discussion.
And if possible, please bring an aromatic fresh cup of coffee.

Game Design in the Coffee. 1

Lovable Game Design by SWERY

In GDC2011, Director SWERY of ACCESS GAMES lectured on game design philosophy on Mar 3.

Opening

Good evening everyone. My name is Swery from Access Games.
I am the director and writer for Deadly Premonition.

I am honored to be able to speak with you today.
And I'd like to express my gratitude to those who made today possible.
Thank you !

And to those who took part in the video, thank you guys too !

Now, today, I'd like to talk a little about what I've learned through the process of making games, specifically about some tips regarding storyline creation and game design.

Today's 7 Points'

– Point 01 ： Make gamers think about your game when they aren't playing it
– Point 02 ： Make gamers "want" to play through your meticulously scripted story
– Point 03 ： Create a storyline for a free roaming open world game
– Point 04 ： Prevent players from quitting the game at the result screen
– Point 05 ： Make appealing characters
– Point 06 ： Direct voice recording sessions
– Point 07 ： Use what's most important ? Your...

Point 01 : Make gamers think about your game when they aren't playing it

Games you don't remember when you aren't playing them are already dead.

1.Main character's desire to smoke is contagious to the player in front of the TV

Gamers who smoke have said this alot. When York lights up a cigarette, it makes them want to light up a cigarette too. So there's a cause and effect going on.

Having as many of these scenes in the game that causes an effect to the player, is a good thing.

2.Main character's desire to eat, sleep, and shave (stay clean) also affect the player

In the same fashion, Deadly Premonition has sleeping, hunger, shaving and showering.
Though these seem totally unnecessary at first glance, help with the cause and effect, because they act as reminders to the player.
It's not about "seeing the character go to sleep and so I should do the same", it's more about, having what goes on in the TV screen acting as a REMINDER to the player, like "oh, I better some sleep" or"Oh, I better eat something". These REMINDERs in life, are interesting because they go into a special part of your brain, a place that remembers them, so the next time you shave or go to bed, it's linked in some way to Deadly Premonition.

3.Memorable and Relatable："Fortune Telling Coffee" and "Conversations About Old Movies"

Swery likes to put daily human needs, physiological, deep desires into the game because they help causing an effect to the player who is sitting outside of the TV screen. And for Deadly Premonition, we took another step forward and put in some playful elements.

Fortune Telling Coffee and Conversations about old movies.

People have come to us and say that they've taken deep looks into their mugs of coffee for signs of heavenly messages. Or, that they've rented one of the movies that York talks about in the car.

These fun elements helped us make players, remember the game. Regardless of whether it occured days or months after they finished the game, simply having a cup of coffee or seeing an old movie, would trigger memories linked to Deadly Premonition.

Point 02：Make gamers "want" to play through your meticulously scripted story

1.The 3rd Method for Creating a Sense of Freedom in a Story with Deadly Premonition

Here are 2 commonly known methods that would help, multiple endings and side quests.
In Deadly Premonition, we chose a third method.
It was experimental, and we called it the freedom of timing.
Freedom of timing, basically means allowing for a change of heart.

2.Standard quest flow and DP's quest flow

While moving forward in a quest, there are times when you want to change your mind and not follow that quest. Doing so though equals failure.

That's the standard game flow.

But for DP, we thought that should be allowed as a player's decision.
And so we spent some time to make an extra branch so that the player can have that as an option.
This allowed players to feel better about taking a break from the game, and this allowance of a "change of heart" if you will, makes the player feel more comfortable, and cooperative with the story.

3.By supporting and allowing for the player's "Change of Heart" we strengthen the sense of "freedom" and mitigate the sense of "being forced to do something against our will"

In the flow in the last slide, if the player fails to move forward, he fails, and so he is given a hint and is scolded at the same time. It was like that in Spy Fiction another game that Swery made a while back. "What are you doing ! Mission failed !"

But in DP, we wanted York to go along with the player when the player changes his mind.

"That's exactly what I was thinking !"

And when the player hears that kind of friendly response, it causes the player to feel more comfortable, more in control and hence a refreshing sense of freedom.

In Deadly Premonition, we even made one of the important characters say that you have no need to rush.
Modifiying the story to confirm that it is ok to change your mind, allows for the player's desires to be fulfulled.

4.Earn the Player's "Cooperation with the Story" and "Suspension of Disbelief"

So to recap.

And once that's done, The gamer will "cooperate" with the story, if you will, and proceed along the path that you create.

POINT 03：Create a storyline for a free roaming open world game

1.Single Path Storyline and DP's Storyline

Normally you'd do what's on the left. Synopsis, plot creation, character list generation, storyline creation. It's not uncommon that you'd start making the map and figure out all of the details of your character's backgrounds, after all of this has been done.

But for DP we did what's on the right. Synopsis, Map and Character Details, then figured out details of the map and what the characters would be doing on a 24 hour timetable, then create the plot and the storyline.

Because...

The characters and universe are just as important as the storyline.

When we started DP there weren't many games that we could refer to that had open field/freeroaming game play. So we had to figure out a way to do this on our own. The player is going to be placed in this world for a long period of time, and so the "stage" the town of Greenvale is very important.
Then I thought we could figure out who would live there.
That way, we can have a really rich, dense or deep universe.

And in hindsight, since the detailed story was written after the setting and the characters were made, one might say that it was created more like a TV series or a weekly manga magazine than a movie.

Point 04：Prevent players from quitting the game at the result screen

1.Each sequence in the progression path causes a desire to quit

2.Intentionally divulge bits of the next challenge before the result screen and generate the desire to find out what happens next

Point 05：Make appealing characters

1.Resume

　You need spend quite a bit of time to make deep characters. It helps to make
a resume for each.

　Swery used mind mapping to get at least a fuzzy image of the character,
then wrote down some notes to then generate a resume (A CV - I think for Europeans)
for that character.

　It doesn't have to be final, you can change things while writing the story,
but getting just the core elements locked down will be important.

2.Habits and Signature Phrases

　It's also important that your character can be mimicked.

　So having some signature poses, or signature phrases that the character would
use will help. This partially goes back to the first point where I talked
about having something inside the game affect the player outside and away
from the game.
Swery thinks it's important that your fans can copy the poses and use the phrases,
and basically be able to impersonate the characters used in the game.
Swery would even go so far as to say that it would be better if your fans can easily
draw your characters because that way, your fans can have so much more fun
with your game.

3.We take the good. We take the bad. And...

　So they say every rose has its thorn.
Just like every old cowboy has watched the TV show Facts of Life.

　The three characters here, dapper yet otaku, beautiful looks but filled
with personal problems and is a bad cook, and a nice guy that has a hard time
keeping his pants on.

　In life when we are in love with someone we are actually in love with both the good
and the bad sides of that person. We're in love with that unique blend.
So don't be afraid to design your the bad side of your characters.

Point 06：Direct voice recording sessions

1.Agent York's manner of speech is inspired by "Liverpool Sound" and "British Invasion"

　Yes, it makes no sense visually. And Swery cannot speak english, very well.

　But I had to give directions to actors and ask for other takes and give OKs in the studio.
And so instead of focusing on the actual content of what was being said,
he focused on how the lines were being spoken, does it fit the character's situation,
does it sound like the vocal range fits the character, and the rythm
and the updowns in tone, do they work with the scene ?
And so, York spoke with a good rythm, exact and light, kind of like the liverpool sound
and british invasion.

2.Other Characters

　So how does this work with other characters, George is tough and gruff,
destructive and wild, but old, kind of like the hard rock of the 80s.

　Emily was somewhat but not really country style, but she needed to be nostaligic
but still fresh, and offer a sense of motherly relief to the player's ears.

　Of course, Swery didn't use this on every character but he was able feel the emotion
in what people are saying and its the emotion that is important.
What I'm trying to say here is, make sure you have your own set of rules
for voice recordings.

Point 07：Use what‘s most important ? Your...

Use all of your ideas while you can use them !

To create wonderful scenario and attractive characters, the most important one：
After all, it is your "ideas".

Use all of your ideas while you can use them !
Unnoticed Ideas Explode When They Do Get Noticed !

Review Today's 7 Points

– Point 01 ：Make what happens in the game resonate with the player outside of the game !
– Point 02 ："Freedom" in gameplay is the freedom of timing !
– Point 03 ：The story is important, but the universe and characters are just as important !
– Point 04 ：Incorrect：Intro, Development, Turn and Conclusion, then Result Screen - Correct：Development, Turn, Conclusion, Intro then Result Screen
– Point 05 ：1.Resume - 2.Habits and Signature Phrases - 3.We take the good. We take the bad. And...
– Point 06 ：Agent York's manner of speech is inspired by "Liverpool Sound" and "British Invasion"
Point 07 ：Use all of your ideas while you can use them !

Ending

Access games will continue to make games that challenge the boundaries of
video game designs.

If given the chance, Swery would like to use the experience he has to make games
that take larger leaps than seen before, for the world wide audience.
For example a game where every character can become the main character,
and emotionally engaging games that you can dive into every season,
kind of like those tv dramas that last for seasons and seasons.

So, that's it all of the time we have today.

I'd like to thank everyone who showed up, and also those that helped with this session.
Thank you for the GDC staff and everyone in this room !!

Voir en ligne : http://www.accessgames.co.jp/news/n...

No Clip : Fallout : New Vegas - AwesomeExMachina

DrNoze — 2011-02-11T15:59:46Z

Ce sacré AwsomeExMachina (what a nickname !) tente dans son blog des experimentations in game en revisitant des jeux tout en s'imposants de nouvelles règles ou du role play pour essayer de repousser certaines limites.

Après avoir joué un Niko Belick chic type et honnête qui lui a permis de redécouvrir Liberty City sous un nouvel angle, le voilà qui part à l'assaut de New Vegas en mode sur-hardcore. Il s'impose une série de règles strictes, et notamment de n'avoir aucun affichage à l'écran (carte/radar/boussole etc...) ce qui change son expérience du tout au tout et renforce grandement l'immersion.

À lire tout de suite ! (in english, daddy...)

[No Clip is a community blog series where AwesomeExMachina applies a series of critical restrictions to a popular video game to see how it changes the gameplay experience. For this installment, he tries out his own, more difficult version of Hardcore Mode in Fallout : New Vegas, and tells us how it transforms New Vegas into a completely different game. — JRo]

When Bethesda shared their new Hardcore mode being added to Fallout : New Vegas, insane gamers around the globe cheered in unison. I was one of them. The idea of finding my character feverishly scrounging through a melted townhome for a bottle of irradiated water was exciting. It's not for everyone, but for the first time in my video game history, I might find myself dying of something other than getting shot, stabbed, blown up, or misstep off a ledge. Instead, I'd find my character starving to death in the middle of a nuclear wasteland desert and the reality of it was an unmitigated thrill.

But when I finally got my hands on hardcore mode, I found myself forgetting it had ever even been switched on. I had expected dire circumstances and rationing supplies. Instead, I found a small can of uncooked beans could apparently fulfill my character's hunger for a week.

Hardcore mode was a bit of a disappointment as it lacked one critical element : being hardcore. The message prompt at the start of your characters game might as well have just read : Would you like to be slightly inconvenienced from time to time ? Y/N ? So, I pondered a challenge. Could I turn New Vegas' new mode into something infinitely more ruthless ?

There was little hope of completing the game with what I had planned, so instead I organized an elaborate adventure course. I set up a mapped route that would take me through New Vegas' more iconic areas, brush the very top of the map, and then careen back down the other side to where I began. With this ludicrous set of “realistic” principles in my game, could I survive more than a few feet ? More importantly, would it even be remotely fun ?

Ignoring these nagging concerns to my sanity, I tossed together a new character, named him, selected a properly grizzled beard, and then sent him off to the most remote corner of the game, at the scenic Mojave Outpost. I dropped all my equipment save for a vault jumpsuit, a simple pistol with a single clip, and one bottle of clean drinking water. Then, finally, I set myself up with the following insane list of “hardcore” changes :

– Difficulty increased to its maximum

– Food consumption increased

– Water consumption increased

– HUD display turned completely off

– No VATS mode whatsoever

– Perma-death rules

If anyone ever doubted the quantity of my nerd cred, I would tell them about the ridiculous charts I made for myself which, along with a little stopwatch, kept me on a regular schedule of food and water consumption. I won't bore you with the details, suffice to say it made me use up a much more realistic amount of supplies for the energy I was expending trudging through a terrible wasteland.

As the journey commenced, the terror of each encounter near rivaled any intentionally-built horror game I've previously played. Fully aware of the danger each enemy represented combined with an inability to actively see my current health left me feeling outrageously helpless. When bullets started flying, I clung to cover like I was playing Gears of War. Perpetually low on ammo and simultaneously unable to see a concise number telling me what was left in my clip, I silently counted shots. Without a compass, I was unable to see oncoming enemies or even easily discern if I was walking in the right direction. Panicked runs from Cazadors frequently left me off-track, desolate, and lost.

There was no doubt, even within the first ten minutes, that this new hardcore mode was way over-the-top. I could scarcely fend for myself. Surprisingly, however, despite my expectations, my increased food and water consumption was the easiest to overcome. Food and water in the Fallout universe are just simply too plentiful. You'll find fresh apples laying in prime condition in musty lockers in dark corners of basements. Every merchant is just dying to get rid of his or her Potato Crisps and Dandy Cakes. Not to mention factoring sheer luck into the equation. I stumbled quite accidentally into Nipton and was welcomed by the Legion to casually loot an entire well-stocked town with bounties of food literally still on their plates in each home.

Water was even easier. I had forgotten that this commodity was, quite literally, everywhere. Finding water, sometimes even fresh supplies, was a pitiful challenge. The city engineers of Las Vegas seemingly built a water pipe system that would not only survive the end of modern civilization, but continue to work for 300 years. I wonder how much making the water pipes for the toilets of the entire state out of Admantium must of cost ?

After about an hour of play, I could care less about paying attention to my food and water schedule. It was a repetitive bore and did nothing to heighten the frantic scrounging I had anticipated. Instead, beyond foolhardy attempts to exaggerate scavenging, I found one decision in particular had become a maddening thing to adhere to. I hadn't even considered its impact and, in fact, it was nothing but a last-minute suggestion from my roommate. But what became increasing clear was that playing Fallout without the use of a HUD does more than make the game hardcore, it rewrites the entire genre.

As it stands, Fallout's HUD is pretty reduced and it may seem difficult to see how its removal would make such an impact. But it's easy to forget that Fallout labels quite nearly everything. Enemies, friends, even the beasts within your proximity earnestly considering your destruction. Labels are important to the game and without everything being so easily branded for me, I could no longer make casual decisions. Other characters were no longer shown in simplistic green and red - a lone figure in the distance could be anyone. Was it a friend ? Enemy ? Stripping what seemed quite extraneous, gameplay with no HUD turned the Fallout experience into a constant, white-knuckled, heart-stopper.

Everything had to be analyzed first. Even in the safety of towns and cities, I still had to work just as hard. I could no longer differentiate a generic bouncer from a named gambler I was sent to find. I carried on conversations with NPCs I had never even seen before. I realized how easy it was to get blinders on when sent from objective to objective. Without labels, every character had become of equal importance, which made any small odd-jobs rather difficult. I had to survey rooms, ask hotel clerks for information, and actually unsheathe my critical thinking and discern the world around me.

Stealing, too, changed and drifted into an uninformed, amoral realm. Without items carefully color-coded to represent what was lootable and what wasn't, I had to assess. Is this someone's ? Is someone around to see me take it ? This departure from notifications also seemed to make stealing easier. When Fallout wasn't scolding me from the top right-hand corner, immoral acts somehow lost their potency. I suppose, that was all it took for me to find stealing accessible. Or was it just my perpetual state of desperation that made it acceptable ? Had it really just been a karma score that adhered me to morality this whole time ?

I found myself spending most of the game camped out on cliff ledges, staring for huge chunks of game time, trying to assess the threat level of characters through my binoculars. Which was hard to do, since even wandering doctors are armed. I had to remember uniforms, look for NCR helmets or jackets, monitor behavior, and sometimes just avoid people entirely. With every element of the game now reduced to my own discretion, I had to give the game my full attention. In my living room, I took notes. Scribbled down common identifiers of each faction. (For the Legion, for instance, I wrote "No pants") I could no longer travel roads and I didn't dare travel at night. Without the light of day, creatures and raiders got the jump on me. My sight was my life.

Even more still, the lack of labels led to tragic mistakes. For instance, early on, I foolishly rounded a hilltop without caution and spotted what seemed like a lone wasteland savage, standing stoically in leather, spiked armor and touting an assault rifle. I took my advantage and opened fire on the target from the safety of my hilltop. He went down quick and I strolled up to search his cargo for some much needed supplies. It was only then I discovered the kindly wasteland merchant he was guarding cowered behind the burnt husk of an old car, previously obscured by a fallen billboard. I quite literally cried out in alarm at the tragedy as the panicked merchant drew his pistol on me in presumable self-defense. I did the only thing I could and shot him down before he could kill me.

My face crumpled in half-alarm and terror, I stood over the two bodies, the now lone pack-Brahmin groaning feebly beside me. I had become overly confident and made a terrible mistake. I could not reload my save and fix it. I had murdered a cowering man because I made brash decisions and careless assumptions. After this, I stopped traveling on open roads for fear of accidentally attacking another innocent traveler. Instead, I stuck to the unforgiving wastes, banishing myself to forging a single path unaided.

The journey progressed that way, somewhat tedious but unfalteringly terrifying. I had previously complained that New Vegas felt remarkably vacant compared to it's predecessor, but I certainly felt differently about that claim after playing through "ultra-hardcore" mode. After my short journey, the Wasteland felt like it was teeming with life, most if it bent on my destruction. When firefights occurred, they were fast and visceral. When enemies attacked, it was sudden and unrelenting. When food got low, things became desperate. Previous notions of playing a morally upstanding character faded a bit and the ethical lines of the game turned a little bit gray.

In the end, while the attempts to increase scavenging and make enemies tougher made things harder, removing the HUD did something different. It made the game wholly dissimilar to the Fallout : New Vegas I had once casually beaten. I was infinitely fearful of every living thing, terrified of the going out at night, and even further petrified of enclosed, indoor spaces. It had somehow drifted New Vegas into the realm of survival horror games. It engaged my critical thinking so unwaveringly, that I could only get to playing this character in small bits because the restrictions were so taxing. But, without a doubt, it was one of the most engaging, severe, and player-inclusive gaming experience I've ever encountered.

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